Jari Tiura “King Of Lions” (AOR Heaven 2018)

JT KOLEl cantante Jari Tiura hace su presentación como solista con el disco “King Of Lion”. Muchos de ustedes, como yo cuando lo recibí se preguntarán ¿quien es Jari Tiura?…bien, este cantante tiene en su trayectoria ser el cantante de Stargazery y Century Lost,  quizás tampoco les digan nada, no son bandas muy conocidas, pero sí les digo Michael Schenker seguramente le prestarán atención.

Tuvo un paso fugaz por la banda del alemán presentándose en vivo con él y dejando algunas voces en el álbum “Tales Of Rock N Roll” (2006). Con esto ya vasta para darle una chance a este álbum que si sos seguidor de Magnum, Bob Catley, Ten y todo lo que tenga que ver con un hard rock potente, épico y melódico, acá vas a encontrarte con una grata sorpresa.

La banda que lo acompaña esta formada por Yrjö Ella en guitarra líder, Jaan Wessman en bajo y batería y Jussi Kulomaa en teclados. Hecha la presentación vamos a sumergirnos en el álbum.

En nueve canciones queda resumido este álbum, que no tiene una sola canción de sobra, desde el inicio con “Away From All The Magic And Wonder” ya marca la cancha con un hard rock que golpea fuerte, con buenos coros, guitarras afiladas y sobre todo una gran dosis de teclados. Si hablamos del protagonista de esta reseña, hay que decir que se canta todo, y verán que por momentos tiene muchas similitudes con Damian Wilson (Threshold, Headspace), un poco más aguerrido quizás.

Uno de los himnos del álbum es “London” , otra muestra de amor por el hard rock británico que te dejará con la mandíbula por el piso y cuando estés a punto de levantarla te noquea con “Friends And Foes”.

No puede faltar el tema marchoso a medio tempo, por eso aparece “Human” y mucho menos una balada emotiva como “Lion Of Judah”, ¿tienen todos los clichés esperados?, sí por supuesto, pero hechos con una calidad refinada que pocas bandas del estilo hoy pueden dar.

Muchas veces pasa con algunas canciones que no te convencen de entrada y al paso de las escuchas vas encontrándole la vuelta, bueno eso me paso con “Dreamchaser” , una de las composiciones más elaboradas del registro, destacándose la simpleza pero efectiva intervención del guitarrista Yrjö Ella (Gary Hughes, con tres guitarristas aún no pudiste llenar el vacío de Vinny Burns, acá tenes el reemplazo…¡de nada!).

Otro himno instantáneo llega de la mano de la pomposa “Silent Moon” , y con tintes más pesados nos presenta “Take On The World” (tenía que tener un tema onda Rainbow el disco, ¡no podía faltar!). Y llegamos al final con la asesina “Blue Sky Lightning” con un furioso Jari Tiura al comienzo, algunos ribetes progresivos pero el hard rock efectivo no lo deja.

Hasta ahora es la sorpresa del año, anoten: Jari Tiura “King Of Lion”. Puntaje máximo para este debut y esperemos que está historia continué.

–  PUNTAJE: 10/10 –

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

 

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Dukes Of The Orient “Dukes Of The Orient” (Frontiers Records 2018)

DUKES OF THE ORIENT CoverDukes Of The Orient es una banda que tiene al fenomenal cantante y bajista John Payne (Asia, GPS) y al tecladista Erik Norlander (Rocket Scientists). Esta banda nació allá por el 2007 lo que también sería conocido como “Asia featuring John Payne”.  Algunas de estas canciones fueron creadas en esa época (por ejemplo “Seasons Will Change” que salió hasta en video), junto a Guthrie Govan (Asia, The Aristocrats) en guitarras y  Jay Schellen (Asia, GPS) en batería, quienes además colaboran en el álbum.

Luego de la muerte de John Wetton y por respeto a su memoria, tanto Payne como Norlander decidieron que estas canciones deberían ver la luz. Por lo tanto al escuchar el material uno ya se puede imaginar porque lado va este proyecto. Aquí John Payne reemplaza a su socio en Asia Geoff Downes por el virtuoso Erik Norlander y genera una banda que toma la posta dejada por aquél Asia de “Aqua”, “Aria” y “Aura” , o sea canciones de un AOR sinfónico que no tiene desperdicio.

En el disco colaboran Jeff Kollman, Guthrie Govan, Moni Scaria y Bruce Bouillet aportando solos y bases de guitarras y la bateria (como ya mencioné) está a cargo de Jay Schellen 

Inmediatamente al escuchar  “Brothers In Arms”  o “Strange Days” les vendrá a la memoria el Asia de los noventas donde Payne se puso los enormes zapatos de John Wetton y le calzaron perfecto.

“Amor Vincit Omnia” (El amor todo lo vence), tiene una carga de teclados épicos donde Norlander deja su huella y demuestra estar a la altura de ponerse en lugar de Geoff Downes, con un estilo mas del lado de Keith Emerson, uno de sus grandes referentes, pero aportando su granito de arena.

“Time Waits For No One” es una canción que tiene todos los ingredientes del Asia original, desde las melodías hasta el solo de guitarra en la onda de Steve Howe. Las canciones que a lo largo de las varias escuchas que le dí se llevan todos mis aplausos son “A Sorrow’s Crown” y “Fourth Of July”, con un John Payne intacto, un trabajo instrumental muy refinado, las teclas que te llevan al cielo y el gancho melódico de los estribillos son exquisitos.

Las dos canciones finales son; la que ya conocíamos “Season Will Change” (brillante AOR pomposo) y el cierre con “Give Another Reason”, una pieza experimental y progresiva (la más larga del álbum con 10′) donde apuestan a pasajes atmosféricos, guitarras acústicas y un trabajo sobresaliente de Erik Norlander en los teclados.

Los fans de Asia con Payne no tengan la menor duda que acá van a tener el disco que hace tanto esperaban. Como yapa, una excelente portada de Rodney Matthews quien creo las tapas de “Aqua”, “Arena” y los “Archiva Vol. 1 y 2”. 

–  PUNTAJE: 10 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Royal Hunt “Cast In Stone” (NorthPoint Productions 2018)

RH CISRoyal Hunt, la banda del danés André Andersen vuelve a dar otra muestra de vida discográfica, luego del excelente “Devil’s Dozen” del 2015 (en el  medio estuvo el en vivo “2016”), ahora presentando el flamante “Cast In Stone”.

Como es habitual en los discos del grupo, no hay abuso de canciones y tratan de explotar al máximo cada una de ellas. Por eso el nuevo lanzamiento tiene solamente 8 tracks y el sello absoluto de las composiciones de Andersen.

“Fistful of Misery” es la encargada de abrir el fuego, una canción dominada por el medio tempo, que de primera escucha te da pensar si no era mejor comenzar con otro tipo de canción. Pero el paso de las escuchas te va a hacer cambiar de opinión. Un estupendo arranque, el gancho del estribillo es adictivo, a esto le sumamos unos bueno ssolos y un DC Cooper que cuando le toca incursionar en el hard rock se siente muy cómodo.

“Last Soul Alive” podría haber sido el track de inicio, pero Royal Hunt nunca fue a lo predecible. Canción rockera que trae a la memoria el Arco Iris de Blackmore dibujado por la magia de André Andersen. Estupendo trabajo de Jonas Larsen en guitarras y como podía ser de otra manera DC Cooper te eriza la piel con esos agudos aprendidos del maestro Rob Halford.

Las guitarras acústicas dan inicio a “Sacrifice” y parece que van a darnos una balada, pero luego de un corte abrupto arremeten con su estilo clásico con ciertos ribetes progresivos, adornados por los típicos coros del grupo con Kenny Lubcke y Alexandra Popova. Los solos de Andersen siempre presentes. Otra canción redonda y efectiva.

El power/progresivo que hacen esta presente en la dramática “The Wishing Well”, una pieza que parece rescatada de la era John West y que sirve para el lucimiento de la banda, sobre todo de la base formada por Andreas Passmark en bajo y Andreas Johansson en bateria.

En los lanzamientos previos se extrañaba el track instrumental y en esta ocasión volvieron a incluirlo, justamente con la canción que titula al disco. En pocas palabras, una clase de metal neoclásico.

“A Million Ways to Die” cautiva de entrada, tiene guiños a una de sus obras cumbres “Moving Target” (el primero con DC Cooper en la voz) , marcha por un medio tempo, con esos riff de guitarras que asoman y se esconden , las teclas siempre presentes y por sobre todo melodías que se impregnan rápido.

Otro coqueteo con el metal progresivo aparece en “Rest In Peace” , algunos pasajes intrincados , muestra de virtuosismo pero el estribillo asesino no falta, algo reiterativo quizás, pero no molesta.

Y al final llegamos con “Save Me II” , una canción que fue incluida en el box set por los 20 años del grupo, acá un poco más extensa y con nuevos arreglos, además de un participación más protagónica de la voz femenina.

No cabe agregar mucho más, Royal Hunt ya tiene su sello personal y a esta altura ya no lo van a cambiar ¡y yo celebró por eso!.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Steve Hackett “Wuthering Nights: Live In Birmingham” (Inside Out Music 2018)

press_coverLa costumbre de los últimos tiempos de Steve Hackett es: álbum de estudio, gira y material en vivo. Evidentemente al sello Inside Out Music le rinde y es por eso que ahora tenemos un registros (en audio y video) del tour donde celebró los 40 años del mítico “Wind & Wuthering” de Genesis y presento su último disco “The Night Siren”.

“Wuthering Nights: Live In Birmingham” fue tomado del show dado el 17 de Mayo del año pasado en el Birmingham Symphony Hall.

La primer parte del show al igual que el anterior material en vivo “The Total Experience Live In Liverpool” (2016 ) esta basada en material de su etapa solista, en esta oportunidad nos regala algunos clásicos como “Every Day” (“Spectral Morning”) , “The Steeps” (“Defector”) y la infaltable “Shadow Of The Hierophant” (“Vogaye Of  The Acolyte”), representando la etapa inicial de la carrera de Hackett.

Por otro lado hace hincapié en su (hasta ahora) último registro incluyendo algunas canciones como “El Niño”, “In The Skeleton Gallery” y “Behind The Smoke”. Las sorpresas del repertorio solista pasan por “Serpentine Song” de “To Watch The Storms” (2003)  y “Rise Again” de “Darktown” (1999).

Para este tramo del show a la banda estable formada por Roger King en teclados,  Gary O’Toole en bateria, Rob Townsend en saxo, percusión, teclados y Nick Beggs en bajo los acompaño Amanda Lehmann en guitarras y voces y hace una pequeña participación John Hackett con su flauta.

En la segunda parte del concierto se hace presente Nad Sylvan y toma el micrófono para empezar a recrear el material Genesiano. Con “Eleventh Earl Of Mar” comienza la celebración del mágico “Wind & Wuthering”. Le siguen “One For The Vine” (dejando en claro que Sylvan se siente más cómodo con las canciones de Gabriel que con las de Collins), luego de una pequeña improvisación acústica arremeten con “Blood On The Rooftops”, “In That Quiet Earth” y una estupenda versión de “Afterglow”.

El resto del show sigue con los clásicos de siempre como “Dance Of A Volcano”, “Firth Of Fifth”, “The Musical Box” y el cierre con “Los Endos”, que ya están entre las canciones que no pueden faltar, pero la sorpresa del show dentro del material Genesiano es la inclusión de “Inside And Out”, una canción que fue parte del EP “Spot The Pigeon” (1977), la única canción compuesta por Banks/Collins/Hackett/Rutherford y lo último de Steve Hackett con Genesis.

El material visual es como siempre muy correcto, la banda arriba del escenario sin demasiada pompa, nada de telón, ni pantallas, solo las luces acompañan la velada. Pero lo que realmente importa es la música y eso no falla.

Estupendo material para ir esperando la visita de Mr. Hackett en Marzo.

– PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

 

Kayak “Seventeen” (Inside Out Music 2018)

17001 GlassVille Music Kayak Seventeen LP cover inslag.inddKayak tiene 45 años de carrera, su primer álbum fue “See See The Sun” en 1973 y en 1980 luego de la edición del primer “Merlin” la banda entró en un parate prolongado, retornando en el año 2000 con “Close To The Fire” y de ahí hasta la actualidad el holandés Ton Scherpenzeel no bajo los brazos y mantuvo a su preciada banda activa.

Como lo dice el titulo del nuevo disco “Seventeen”, es el disco n° 17 y presenta luego de mucho tiempo un cambio rotundo de alineación. Los cantantes Edwards Reekers y Cindy Oudshoorn dejaron al mismo tiempo la banda luego de la edición del disco anterior “Cleopatra : The Crown Of Isis” (2014) y a partir de ahí Scherpeenzel renovó a Kayak por completo. Ahora la banda esta formada por Bart Schwertmann en voz, Marcel Singor en guitarra, Kristoffer Gildenlöw (exPain of Salvation) en bajo y Collin Leijenaar (Affector, Neal Morse Band) en bateria. Estos dos últimos no grabaron el álbum, el bajo lo tocó el propio Ton (salvo la canción “Cracks”) y las baterias fueron ejecutadas por  Lean Robbemont.

Este nuevo lanzamiento supone un cambio de aire para esta leyenda holandesa que a lo largo de los años y sobre todo luego del regreso fue afianzando un estilo propio, sinfónico, épico y por sobre todo muy melódico.

Ahora bajo el sello Inside Out Music la banda sigue el camino transitado en todos estos últimos años, con una formación renovada, donde todas las miradas irán al vocalista Bart Schwertmann quien posee todas las cualidades necesarias para afrontar el micrófono del grupo, una voz refinada, emotiva y grandilocuente, tiene algo de todos los cantantes que pasaron por el grupo desde Max Werner, Edwards Reekers, Bert Heerink y hasta de Rob Vunderink (quien fuese guitarrista del grupo y cantaba ocasionalmente).

En todos estos años Scherpeenzel dedicó muchos de sus lanzamientos a historias,  discos conceptuales y dobles como “Nostradamus: The Fate Of Man” (2005) o el anterior ya mencionado “Cleopatra”, en esta oportunidad estamos ante un disco simple sin concepto de fondo y se nota la soltura en las composiciones, recordando a álbumes como “Close To The Fire” (2000) o “Anywhere But Here” (2011), donde el clásico Kayak de los 70’s / 80’s se fusionaba con el progresivo y épico del nuevo milenio.

Así pasa en “Seventeen”, canciones como “Somebody” , “Falling”  o “God On Our Side” son composiciones que entrarían en los clásicos de la primera etapa y “La Peregrina”, “Feathers And Tar”, “Walk Through The Fire” o “Cracks” están más relacionados con los últimos tiempos, haciendo hincapié en un estilo más elaborado y progresivo.

Hay lugar para momentos cercanos al AOR como en “All That I Want” o una balada como “Love, Sail Away” donde se luce la voz del cantante debutante. El resto del material no tiene desperdicio, la marca Kayak no defrauda.

Pocas bandas pueden jactarse de tener 45 años de carrera como Kayak con una calidad de lanzamientos muy parejos. Las ideas de Ton Scherpeenzel aún suenan frescas y vitales y eso se refleja en todas las canciones de “Seventeen”.

– PUNTAJE: 10/ 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Geishas In Vitro “Geishas In Vitro” (Independiente 2017)

GIVGeishas In Vitro finalmente puso en la web su flamante disco debut que lleva el nombre de la banda y está al alcance de todos.

La banda esta compuesta por Matías Merçeauroix : Voz, piano, teclados, guitarras, cello vocoder, César Barabino : Guitarras, coros, voces adicionales,  Ignacio Crosta : Bajo, coros, voces adicionales y Giuliano Sánchez : Batería.

Aquellos que quieren sumergirse en el mundo de este cuarteto vayan preparados para viajar por el rock clásico, pesado, moderno, sinfónico y progresivo, variado por donde se lo mire éste disco es un viaje constante por diferentes estados, con letras que en lineas generales hablan de la muerte y la oscuridad, todas en español salvo el track final “Noanleos” cantado en latín.

Claras muestras de la variedad del GIV son canciones como: “Cenestego” (algo así como ¿un tango progresivo?),“Ósculo Infame” (rockera y entradora),  “Ondas de Choque” (comienza con la calma de un Radiohead y termina explotando con un trabajo  vocal de Matias Merçeauroix que es para sacarse el sombrero), “Criminal” (épico y pomposo arranque para luego desarrollar una canción rockera y refinada) y mis preferida “Nubes Lesbianas” y la ya mencionada “Noanleos”, que harán que Freddie Mercury desde arriba aplauda estas composición, dignas de aquellas doradas épocas de la Reina en los 70’s.

El resto del material tiene un gran nivel, es injusto no nombrarlas a todas, pero los dejaré con las ganas para que vayan directo al disco que como dije antes se puede escuchar gratis (también pueden colaborar con los chicos como muestra de apoyo) en los distintos medios como Spotify y por supuesto el bandcamp.

Quizás haya una tirada física del disco y  así se podrá apreciar mejor el estupendo arte de tapa a cargo de Lucía Gavazza Kaplún.

Enhorabuena encontrar una banda Argentina independiente que se anime a recorrer los caminos del rock de diferentes épocas y por sobre todo tener ese toque a Queen que lo hace aún más personal.

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Magnum “Lost On The Road To Eternity” (SPV/Steamhammer 2018)

Magnum_LostOnTheRoadToEternity_1500pxAbrimos las reseñas del año 2018, con el disco número 20° en la carrera de Magnum “Lost On The Road To Eternity”. Tony Clarkin no para, es la máquina compositiva que mantiene vivo a Magnum, pasando por varias etapas desde finales de los 70’s hasta la fecha, donde la banda ya está asentada con un estilo y sonido que vienen trayendo desde “Brand New Morning” (2004).

Luego de más de 30 años Mark Stanway dejo vacante el puesto de tecladista que ahora es ocupado por Rick Benton y también debuta discográficamente con la banda el baterista Lee Morris (exTen, Paradise Lost) en reemplazo de Harry James. El resto del grupo como siempre compuesto por Clarkin en guitarras, Al Barrow en bajo y el inigualable Bob Catley en voz.

“Peaches And Cream” es la apertura del álbum, rockero y marchoso con un estribillo que es bastante similar a “Sacred Blood ‘Divine’ Lies” (el tema que daba titulo al disco anterior) , un buen comienzo directo y efectivo, que continúa con “Show Me Your Hands”, otra canción rockera con un estribillo memorable y donde comienza a mostrarse Rick Benton con sus teclados sobre todo al final dándole una atmósfera sinfónica, junto a un solo marca registrada de Mr.Tony Clarkin.

“Storm Baby” es una fusión del pomp/épico de “On A Storyteller’s Night” (1985) y la crudeza de “The Visitation” (2011), una canción que nos pasea por las diferente facetas de Magnum en todos estos años. Luego nos tomamos con “Welcome To The Cosmic Cabaret”, la pieza más extensa del disco (8 minutos), donde demuestran que son una de las pocas bandas que manejan la elegancia en el hard rock, climas perfectos y melodías adictivas.

Nuevamente una introducción de teclados dan comienzo a una de las mejores composiciones de Tony Clarkin, que incluye no solo arreglos orquestales a cargo de Wolf Kerschek, sino que tiene de invitado en las voces a Tobias Sammet (Edguy, Avantasia) compartiendo las voces con uno de sus ídolos; Bob Catley, una devolución de gentilezas ya que la voz de Magnum es uno de los invitados que nunca falta a las nuevos capítulos de Avantasia. Volviendo a la canción, es sencillamente espectacular, el costado sinfónico y épico de Magnum explotado al 100%.

El momento AOR viene de la mano del single “Without Love”, simple y sumamente adictiva, una base apoyada en los toms y el tambor de la bateria, un estribillo ganchero y la voz de Bob Catley que brilla como siempre, ojalá algún día se lo reconozca como se lo merece. Otra muestra de la majestuosa y expresiva voz de Catley es “Tell Me What You’ve Got To Say” , composición que se apoya en colchones de teclas y una base firme.

Dos canciones que parecen haber quedado relegadas en “Princess Alice And Broken Arrow” (2007) son “Ya Wanna Be Someone”   y “Forbidden Masquerade” , tienen los ingredientes rockeros, pomposos y melódicos que patentaron en los 80’s y que en el nuevo milenio adaptaron con grandes resultados.

El disco va llegando a  su fin con “Glory To Ashes”, eso himnos épicos que solo Tony Clarkin puede componer y que sin la voz de Bob Catley no brillarían, al igual que “King Of The World”, otra de las joyas del disco, una canción que emociona, que tiene pasajes calmos, orquestales y furiosos, hasta coquetea con el blues por momentos, pero siempre es Magnum.

Para redondear un álbum estupendo no puede faltar el artwork de la mano de Rodney Mattew quien recrea a la perfección las ideas de Tony Clarkin, trayendo como muchas veces personajes de otras portadas.

Magnum sigue de pie y este material si bien no supera a los lanzamientos previos, es otra magistral clase que dan los británicos al mundo del rock, vigentes e intactos, no sienten el paso del tiempo y eso es digno de admiración. Otro gran álbum de Magnum para agrandar la colección.

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

Raintimes “S/T” (Frontiers Records 2017)

RAINTIMES COVER HIHace ya más de un año, cuando aún el proyecto no tenía nombre Pierpaolo “Zorro” Monti (baterista) me comentaba que estaba trabajando en un proyecto de AOR (¡como no podía ser de otra manera!) y que en esta oportunidad la voz principal estaría a cargo de Michael Shotton de Von Groove.

Raintimes finalmente fue el nombre que eligieron para este proyecto, y digo eligieron porque Pierpaolo ideo este álbum junto a Davide Barbieri (Wheels of Fire, Charming Grace). Además la banda que grabo el disco esta integrada por un seleccionado: Iván González y Sven Larsson en guitarras, Davide Barbieri en teclados y Andrea Gipponi en bajo. A estos hay que sumarle la colaboración en algunas canciones de Michelle Luppi, Alessandro Del Vecchio Jesús Espín, entre otros.

El material  transita por los caminos del AOR clásico, entrador y cargado de melodías adictivas, con el sello de gigantes como Journey o The Storm (de hecho el proyecto giro en torno en hacer algo similar a The Storm). A esto hay que sumarle el trabajo instrumental y la voz de Mr. Shotton que tiene momentos brillantes dignos de un vocalista de las primeras ligas. Sólo basta con escuchar la sentida balada “Swan” o “Together Is A Friend”, para darse cuenta que estamos frente a un cantante con mayúsculas.

Sí sos amante del buen rock melódico es imposible que canciones como “Forever Gone”, “Make My Day” “I Need Tonight” o “Missing Piece” no te movilicen, el espíritu de ese AOR de finales de los 80’s y principios de los 90’s está presente en todo el álbum, donde bandas como, Bad English, Boulevard, Alias , Valentine , Signal o Drive, She Said reinaban en el estilo.

Hace un año que Frontiers Records lo tenía encajonado y finalmente vio la luz, no tengo más para agregar, ultra recomendado para el fan del AOR.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Jono “Life” (Frontiers Records 2017)

JONO_LIFE Cover_Finalmente llegó “Life” lo nuevo de Jono, la banda sueca que ahora bajo el sello italiano Frontiers Records emprende una nueva etapa. Los discos previos tanto “Requiem” (2013) como “Silence” (2015) mostraron una calidad compositiva exquisita, paseándonos por momentos que se acercaban a Queen, Kansas, Supertramp o Kansas con un sonido actual.

“Life” después de varias escuchas puedo afirmar que es un giro, no rotundo, pero un cambio en lo musical del grupo. Por un lado se alejan de la sombra de Queen casi por completo (grave error para mí) y se acercan mucho más a Muse y hasta cosas del Dream Theater más heavy (previamente había algo de esto), o sea dejan de lado por completo las influencias de los 70’s.

Por otra parte las guitarras de Stefan Helleblad y Leo Olsson suenan mas pesadas, y un punto en donde para mi flaquean es en mantener una línea de canciones similares en tempo y estilo, reinan los medios tiempos y se apoyan más en lo melancólico y oscuro, cuando antes había algo de felicidad en sus canciones.

El disco se puede dividir desde “Sailors” a “On The Other Side” donde se puede percibir el toque típico del grupo, con algunas novedades pero que no son muy marcadas. Lo que sí vale rescatar es el trabajo vocal de Johan Norrby quien se viene superando disco a disco y aquí hace su mejor trabajo sin ninguna duda.

Por otro lado, la otra mitad del álbum esta protagonizada por canciones extensas como “Down Side”, “To Be Near You” o “Trust” que sencillamente tiene momentos tan buenos como malos, con un resultado final que no me convenció, las canciones se hacen largas y pesadas, el metal progresivo no es para Jono.

“Requiem” me encantó y “Silence” me voló la cabeza, por esto las expectativas para éste nuevo álbum eran muchas, como también las dudas por el cambio de sello y sí iban a tratar de direccionar a la banda a su gusto. No sé si Frontiers Records manejo el nuevo rumbo, pero sí se que este no es el Jono que me había dejado la mandíbula por el piso con su propuesta accesible, llena de variantes y con maravillosos arreglos.

–  PUNTAJE: 6 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Mindfeels “XXenty” (Art Of Melody Music & Burning Minds Music Group 2017)

CoverItalia viene ganando terreno a pasos agigantados en el mundo del rock melódico y el sello Art Of Melody Music es uno de los responsables en darle un lugar al lanzamiento de bandas emergentes que nada tienen que envidiarle al resto. Mientras que sellos como Frontiers Records apuestan a proyectos o van a lo seguro, sin darle demasiadas chances a las bandas nuevas y menos de su país, este nuevo sello nos trae el debut de Mindfeels llamado “XXenty”.

La banda esta compuesta por Davide Gilardino en voz, Luca Carlomagno en guitarras, teclados y violín, Roberto Barazzotto en bajo e Italo Graziana en bateria. Como invitado especial en teclados estuvo Christian Rossetti.

Mindfeels transita por senderos del AOR / Westcoast tradicional, desde el inicio con “Don’t Leave Behind” se puede percibir mucho TotoChicago y Mr. Mister como principales influencias y así con todo el resto del material.

Canciones como “The Joker” , “It’s Not Like Dying”  y “Touch The Stone” demuestran el altísimo nivel de buen gusto del grupo con excelentes instrumentaciones, lo mismo pasa en el track final “The Number One”, una pieza que tiene guiños progresivos.

Lo más directo y cercano al AOR va por “Soul Has Gone Away” con aires a Work Of Art, “Skyline”  y “These Words” tiene el ADN  Westcoast, trayéndome a la memoria bandas como The L.A Cowboys o Time Gallery.

Otro interesante debut que nos llega desde Italia para seguir sumando bandas que prometen. Debut aprobado, pero esperamos más de Mindfeels.

– PUNTAJE: 8 / 10 –

Reseña: Diego Gonzalez