A.C.T “Rebirth” (ACTWORLD 2019)

Rebirth omslagLos suecos A.C.T regresan con un EP bajo el nombre de “Rebirth”, lo último editado por estos muchachos de Malmö fue el material en vivo “Trifles And Pandemonium” del año 2016 y previamente “Circus Pandemonium” del 2014, que era hasta el momento el último registro de estudio.

Este nuevo material no hace más que repasar y remarcar el estilo personal que forjó la banda desde su estupendo disco debut “Today’s Report” (1999). Son 5 las canciones que componen el EP:

“The Ruler Of The World”, la canción más pop del disco, es como pensar en 10cc haciendo metal progresivo, parece algo difícil de imaginar, pero A.C.T lo puede lograr.

“Running Out Of Luck”, nos traslada a los primeros tiempos del grupo , el poder de las melodías se impone por sobre todo y el amor por Jellyfish se nota en el estribillo.

“Digital Affair”, presenta sonidos electrónicos que recuerdan a lo que también hace Valensia, pero a la hora de entonar el estribillo aparece la banda que todos conocemos y sobre el final con los solos, no quedan dudas que es otra de las grandes composiciones de Jerry Sahlin.

“Meet The Past”, entra casi pegada a “Digital Affair” y es para mí LA canción del EP, cuando hacen uso de todas las voces salen ganando, no presenta una novedad compositiva, pero refleja lo mejor que saben hacer y lo que buscaron siempre, canciones simples, directas y con arreglos sofisticados, pero controlados.

“A Broken Trust”, es el track final y el más dinámico del EP , por estilo y sonido podría haber sido parte de “Silence” (2006) , quizás el que contiene arreglos más jugados y con un contundente riff que pesa por sobre toda la canción.

“Rebirth” es un estupendo aperitivo para lo que vendrá, en la actualidad hay pocas (o casi ninguna) bandas como A.C.T, así que cualquier cosa que editen siempre es bienvenida.

–  PUNTAJE: 9/10 –

Reseña: Diego Gonzalez

En el año 2017 entrevistamos a Jerry Sahlin, donde nos anticipaba que ya tenían las canciones para el EP. Aquí la pueden repasar.

JOOST MAGLEV “Alter Ego” (Bad Elephant Music 2019)

BEM067 album cover“Alter Ego” , es el nuevo disco del músico holandés Joost Maglev quien sorprendiera en el 2016 con su primer disco  (ahí solo bajo el nombre de Maglev ) “Overwrite The Sin “. Nuevamente como en su debut se mueve por terrenos melódicos con ciertas dosis de rock progresivo , bandas como Queen o City Boy pueden servir de referencias,  aunque también se lo puede ligar a agrupaciones más actuales como A.C.T o Jono.

En este lanzamiento como en el anterior contó con la colaboración de Valensia Clarkson,  pero los invitados no quedan aquí ya que además incluye a Arjen Lucassen  (Ayreon ), Annie Haslam (Renaissance) , Mark Bogert (Knight Area),  entre otros .

El disco comienza con “Lucid” que sirve de intro para  “Angel” una muestra de que se puede hacer Pomp rock en el año 2019, brillante de principio a fin. “Corpus Christi” al igual que “Burning Girl” transitan un estilo a mitad de camino entre rock alternativo y metal progresivo, quedando aisladas del resto del material.  “Ever After” es la canción que más me impacto del disco, no solo por lo emotiva y sentida, sino por la colaboración de Annie Haslam y su personal voz, además tanto Bogert como Lucassen se despachan con unos solos de guitarras memorables.  En “Judith II” tenemos la continuación de aquella estupenda canción incluída en “Overwrite The Sin”, aquí nuevamente aparece el ADN Queen/City Boy que esta salpicado por casi todo álbum, lo mismo ocurre en “Alter Ego” que además cuenta con la producción  y arreglos de Valensia Clarkson dejando impregnado su toque personal.  Los tracks finales son “Demon” , una balada Pomp/Épica y “Dreams” , una canción celestial con voz femenina a cargo de Marie Doesburg.

Nuevamente me saco el sombrero frente a Joost Maglev, “Alter Ego” no llega a superar a su antecesor “Overwrite The Sin”, pero la calidad del material de este disco vale la pena y es casi obligatoria la escucha si las bandas mencionadas en la reseña son de tu preferencia.

–  PUNTAJE: 8,50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Reseñas de Discos: Dream Theater / Queensrÿche

636784035845872102Dream Theater “Distance Over Time” (Inside Out Music 2019): Los reyes del metal progresivo están de vuelta con su disco N° 14, ofreciendo un material directo, no solo por el trabajo compositivo sino también por la cantidad de canciones y su duración. El trabajo en lineas generales se centra  y ofrece un pantallazo de lo mejor que hicieron en todos estos años de carrera, entre lo más destacado aparece “Barstool Warrior”, “Fall Into Light” , “At Wit’s End” y “Pale Blue Dot”, quizás lo más cercano al Dream Theater de los 90’s, donde el costado melódico/progresivo tiene un alto protagonismo. Por otro lado hay canciones con un momentos más agresivos y rockeros como “Room 137” o “S2N”, a esto súmenle la infaltable balada: “Out Of Reach” (excelente trajo de James LaBrie) y entre lo menos destacado me quedo con los dos temas de inicio, “Untethered Angel”  y “Paralyzed”, parecen rellenos o descartes de otros discos, quizás si los hubiesen puestos separados la sensación sería otra. El bonus es “Viper King”, una canción divertida y algo alejada al material del álbum, pero como bonus queda muy bien, los guiños a Deep Purple le dan un lindo color al tema.  Confieso que con el paso de las escuchas el disco fue sumando puntos y se le puede ir descubriendo muchas cosas. Lo más destacado es el trabajo de John Petrucci, con unos momentos memorables, sobre todo a la hora de los solos. Otro disco de Dream Theater con un  nivel a la altura de su trayectoria, otra cosa no se podía esperar.

 – Puntaje: 8 / 10 –

 

636800465569950567Queensrÿche “The Verdict” ( Century Media Records 2019):  ¿La tercera es la vencida?…parece que Michael Wilton y cía finalmente la pegaron. No les voy a mentir diciéndoles que es un disco que vaya a competir con “Rage For Order” o “Empire” y mucho menos con “Operation: Mindcrime”, estimo que tampoco es la idea de ellos, esto es simplemente acercarse a estas joyas o por lo menos lograr captar la esencia de aquellos años con un disco digno. Sin la voz de Geoff Tate la banda sigue viva, se lamenta su ausencia por supuesto, pero no puedo negar que Todd La Torre viene haciendo un trabajo formidable y aquí lo deja más que asentado (además grabo las baterias). Escuchar canciones como “Man The Machine” o “Propaganda Fashion” no pueden no sacar una sonrisa y esperen la parte final del álbum que comienza con “Bent”, “Inner Unrest”, “Launder The Conscience” y “Portrait”, una mejor que la otra y repasan de una punta a otra lo mejor de Queensrÿche.  Está banda conoció la gloria absoluta y cayó en picada de un envión, hace unos discos que intenta tomar vuelo y creo que con “The Verdict” lo conseguirán. Sin dudarlo afirmo que es el mejor disco de la era La Torre y me animó a decir, lo mejor desde “Promised Land”.

– Puntaje: 9 / 10 – 

 

 

CATS IN SPACE “Daytrip To Narnia” (Harmony Factory / Cargo Records 2019)

430374Nuevamente Cats In Space nos entrega otra maravilla inspirada en el Hard Rock, Power Pop y Pomp Rock de los 70’s, más precisamente del que salió a finales de la década dorada del rock.

“Daytrip To Narnia” no hace mas que reafirmar lo hecho en “Too Many Gods” (2015) y “Scarecrow” (2017), apostando ahora a separar el álbum en un lado A y lado B, con este segundo segmente dedicado a una suite separada en varias canciones bajo el nombre de “The Story Of Johnny Rocket” (el protagonista de la portada).

El único compositor (a veces ayudado por Mick Wilson de 10cc) es el guitarrista Greg Hart quien parece todavía tener mucho para dar, y muestra de esto son las estupendas canciones que reflejan su amor por bandas como Queen, Sweet, Supertramp o ELO.

Y todo lo dicho anteriormente se puede apreciar en canciones como “Narnia” o “She Talks Too Much” con mucho gancho y siempre trayendo a la memoria a las viejas glorias de los 70’s, acá no hay nada que suene fuera de esa década. ¿Quieren más?,  salgan a rockear con “Hologram Man” o vayan al Pop Rock bien trabajado con “Silver And Gold” o “Unicorn”. También hay lugar para cositas más elaboradas como “Tragic Alter Ego” y momentos emotivos como la balada “Chasing Diamonds”.

Párrafo aparte se merece la suite del lado B con “The Story Of Johnny Rocket” que se puede disfrutar de punta a punta y también por separado, ya que cada canción tiene su independencia. En pocas palabras le resumo la suite: “Space Overture” intro tradicional con cuerdas y toda la pompa necesaria, “Johnny Rocket” presenta un efectivo Hard/Pomp, “Thunder In The Night” sorprende con su disco pop , “One Small Step” brilla por el trabajo vocal del sexteto, “Twilight” es ELO bañada de Pomp Rock, “Yesterday’s News” es el momento de calma y melancolía y el cierre con “Destination Unknown”, mostrando un Pop del que ya no se hace.

Se va el tercero….los Gatos del Espacio siguen con las uñas afiladas. No quiero caer en un frase común, pero háganme caso, no lo dejen pasar.

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

Magnum – “Live At The Symphony Hall” (Steamhammer / SPV 2019)

magnum cdMagnum nos entrega “Live At The Symphony Hall”, un nuevo disco en vivo, en esta oportunidad en formato de 2 cd’s (el último doble en vivo fue “Wings Of Heaven-Live” del 2008) y mostrando claramente el presente del grupo y plasmando la presentación del hasta ahora último disco de estudio “Lost On The Road To Eternity”.

La cita tuvo lugar el 19 de abril en el Symphony Hall de Birmingham y tuvo como invitado especial a Tobias Sammet (Edguy, Avantasia) para cantar la canción que grabo y da nombre a la última obra de estudio.

El show no tiene fisuras y va recorriendo canción a canción el mágico repertorio de Magnum, con una primera parte basada en canciones de los últimos tiempos como “When We Were Younger”, “Crazy Old Mothers” o “Without Love” por citar algunas y para la segunda mitad comienzan a asomar los clásicos inoxidables como “How Far Jerusalem”, “Les Morts Dansant” o “Vigilante”. La fruta del postre pasa por una versión estupenda de “Don’t Wake The Lion (Too Old To Die Young)”, aquella épica canción que cerraba el exitoso “Wings Of Heaven” de 1988.

Hace muchos años que los discos en vivo han dejado de sorprender y mostrar fielmente lo que suena una banda en vivo, no les voy a mentir diciendo que éste es la excepción, pero refleja casi fielmente lo que es Magnum en vivo en la actualidad, una banda potente, melódica y por sobre todo única.

– PUNTAJE: 8 / 10 –

 

Steve Hackett “At The Edge Of Light” (Inside Out Music 2019)

Press_Cover_01Steve Hackett edita “At the Edge of Light”, ésta es una obra que basa su temática en un concepto comprometido con una época donde los músicos son motivados por causas nobles y se suman a los pedidos de toma de conciencia de las crisis humanitarias, ecológicas y bélicas que conmueven al planeta.

Según comenta el mismo Steve Hackett, la obra lo conecta con el mundo porque aludiendo al surgimiento de la extrema derecha en el planeta, hace un llamado a la unidad de los seres humanos para lograr el bienestar general, especialmente el de los países más necesitados, con una visión optimista pese a la crítica situación que afronta la sociedad, resumido este concepto en el título que da nombre al álbum, en el límite de la luz. En relación con su música, también comenta que más que un álbum conceptual es un reflejo de energías, no tiene momentos acústicos y el rock se desarrolla en un sentido más amplio, experimenta con instrumentos étnicos y su sonoridad es esencialmente británica inspirada en fuentes extranjeras.

La obra es de una destacada producción, motivada en gran parte por los músicos invitados que han desplegado su profesionalismo y el uso de los mencionados instrumentos étnicos a lo largo de los temas, Steve como es típico en su forma de trabajo creativo, mezcla estilos en cada tramo con el apoyo también habitual de su esposa Jo para la composición, su hermano John Hackett y Roger King.

Los músicos invitados son: Gulli Briem – batería, percusion, Dick Driver – doble bajo, Benedict Fenner – teclados y programación, John Hackett – flauta, Roger King – teclados, programación y arreglos orquestales, Amanda Lehmann – vocalista, Durga McBroom – vocalista, Lorelei McBroom – vocalista, Malik Mansurov – tar, Sheema Mukherjee – sitar, Gary O’Toole – batería,
Simon Phillips – batería, Jonas Reingold – bajo, Paul Stillwell – didgeridoo, Christine Townsend – violín, viola, Rob Townsend – saxo tenor, flauta, duduk, bajo, clarinete, Nick D’Virgilio – batería, y lógicamente Steve Hackett – guitarras acústica y eléctrica, 12 cuerdas, dobro, bajo, armónica, vocalista.

La obra abre con una corta pieza instrumental, “Fallen Walls and Pedestals” en una modalidad de puente que conecta con el segundo tema, “Beasts in your Time” que a través del enlace deriva en otro tiempo y estilo, sinfónico, vocalizado por Steve Hackett con importante entrada de vientos en saxo y flauta, rotando a un tramo rockero más oscuro llevado por la guitarra. “Under the Eye of the Sun” es un tema ligero, con realzado coro colectivo y el uso de instrumentos autóctonos, guitarras y teclados. “Underground Railroad” destaca los distintos vocalistas invitados con bellas incursiones individuales y en coros, de estilo étnico, con tintes folk y hermosas voces en estilo gospel logrando uno de los mejores momentos del álbum, no menos que “Those Golden Wings” un maravilloso tramo que brilla en sus arreglos orquestales, sinfónico en voces y majestuosos coros, convirtiéndose en el temas más emotivo ya que relata en la lírica una canción de amor inspirada en una historia de Steve y su esposa Jo. “Shadow and Flame”, es un tema de estilo definitivamente indio, étnico, en sitar con una clara fusión de música tradicional y contemporánea, motivado por un viaje de Steve a la India y la forma particular de concebir la muerte en esa cultura. “Hungry Years” es quizá el tema menos comprometido del álbum, ligero, de tramos corales e individualizados que despliega un optimisto que hace un marcado contraste con la trilogía final, donde Steve Hackett hace su manifiesto en los tres temas que originan el tema de fondo de la obra, comenzando por “Descent” que desarrolla una marcha bélica de atmósfera tenebrosa, totalmente instrumental, “Conflict” se adentra aún más en el clima previo de forma más dramática, instrumental igualmente con destacada guitarra, cerrando con “Peace” en piano y voz, coros sinfónicos y colectivos y plena instrumentación en el mensaje final, reflexivo e idealista por un mundo mejor.

El arte de portada pertenece a los artistas Maurizio y Ange La Vicedomini, una hermosa composición que ilustra explícitamente el espíritu de la obra.

– PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú

Kenny Leckremo “Spectra” (IDIC Music 2018)

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Cuando me llego el disco debo decir que estaba algo ansioso y con cierta curiosidad…

Si ya lo escuchaste sabes lo que oirás, si no, tenes que saber que nada que tiene que ver con HEAT en absoluto, quizás haya reminiscencias en algunas canciones como “Vagabond” o “Live while you can” por son muy pocas y son solo pasajes.

“Spectra” tiene de Rock Melódico, AOR, aunque también deja claro su versatilidad, y seguramente se deba a su inspiración en otros estilos como el blues y el soul.

A medida que va pasando el álbum nos encontramos con temas como “When we were young” (una de mis favoritas) es una canción con aires a las baladas típicas de Foreinger, “Losing”, gran balada donde Kenny muestra su gran potencial vocal, también, y como dije anteriormente hay blues de la mano de “Give her some time”, y algo de pop en “Walking on madnes”, solo por hacer mención de algunas composiciones.

En resumen, en lo personal me gusto mucho el álbum en su totalidad, puede percibirse un Leckremo más maduro, más libre de las presiones que exige una compañía discográfica relevante. Parece haber sido se grabado de manera “relajada”, y esto se nota a lo largo de todo el disco, no solo en las voces si no en el resto de la banda, quienes son conocidos en el joven ambiente del Rock Sueco: Guitarra: Dave Dalone (H.E.A.T), Bajo: Mikael Planefeldt (Streamline), Batería: Georg Härnsten (Dynazty)

Kenny Leckremo es una persona que de muy joven fue un suceso y de repente tuvo que frenar su ascendente carrera por cuestiones que el solo sabrá exactamente, como dice su gacetilla de prensa: “éxito, esfuerzo, lucha, perdida”

Yo festejo su regreso y su intención de separarse y arriesgarse a grabar el disco que EL quería, tomándose su tiempo, escribiendo sus canciones y sus letras las cuales tiene un contenido muy personal.

Ojala tenga pensado presentarse en vivo y continuar por este camino…

 – PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Pablo Bevacqua

Roine Stolt’s The Flower King “Manifesto of an Alchemist” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01Los fans de Roine Stolt tenemos motivos para festejar, ya que la edición del álbum Roine Stolt’s The Flower King “Manifesto of an Alchemist” nos reencuentra con la nostalgia de la maravillosa banda en una obra que se enmarca dentro de un concepto elaborado por Roine Stolt donde según palabras vertidas en la entrevista otorgada a este blog, trata a la alquimia como a la forma en que las personas o fenómenos -visto en perspectiva según el ámbito- obtienen ganancias a partir de cualquier elemento en el intento de convertirlos en oro, y el manifiesto se refiere a las formas de obtención de estos beneficios prevaleciendo por sobre el costo de la calidad de vida, en clara alusión a los tiempos que vivimos actualmente enmarcado dentro de una forma de poesía musical reflexiva.

Roine otorga a la obra contenidos melódicos, rifs e ideas gestadas con los años, desarrollados en la guitarra y el sintetizador con la frescura que le otorga la espontaneidad, que es la forma en que trabajó con los mismos, hace un maravilloso uso de los coros, siendo él mismo vocalista en la mayoría de los temas ya que las líricas son importantes y le imprime de este modo su sentir de la visión del mundo.

Los músicos que acompañan a Roine Stolt, (vocalización, guitarras, teclados y composición) son:
Jonas Reingold, bajo; Hans Froberg, guitarras, vocalización; Michael Stolt, bajo, vocalización; Marco Minnemann, batería y vocalización; Max Lorentz, órgano Hammond, Zach Kamins, teclados; Rob Townsend, saxo, flauta, percusiones y voz y Nad Sylvan voz de apoyo.

Los temas recorren distintas formas y estilos y van remontando la altura emocional de la obra en su avance con tramos netamente instrumentales como vocalizados, transmitiendo la expresión del concepto en la lírica y las ambientaciones lograda. “Rainsong” es una breve intro coreada y de efectos climáticos, “Lost América” rockea y destaca el bajo que enmarca el ritmo ágil, vocalizado y coreado, con bellos trechos diáfanos y melodiosos. La oscuridad se siente en “Ze Pawns” apoyada en los tambores coros y guitarras, de abundante lírica y relatos ambientados en una atmósfera dramática. “High Road” es un tema de espíritu muy flower, melodioso, acompañado de coros, teclados, sintetizadores y destacada guitarra. Y si la expectativa fue creciendo hasta este tramo de la obra, lo que sigue justifica por demás lo que esperamos de ella, “Río Grande” es un instrumental maravilloso con un tramo que crece en la emoción, abriendo con ágiles tambores y efectos percusivos suma instrumentación y promediando se torna diáfano, sutil llevado por la batería, bajo, teclados y guitarra y rotando el sentido rítmico en bellísimos efectos climáticos. “Next to a Hurricane” de tendencia folk comienza entre ladridos caninos, efectos sonoros y guitarra acústica, cuenta con el apoyo de Nad Sylvan en la vocalización y es un bello, melodioso y delicado de formas rítmicas y hermosos coros. “The Alchemist” en un tema instrumental que despliega abundante creatividad en un estilo que tiene fusiones jazzeras, adquiriendo el jazz un estado puro en el último tramo a través de la intervención del saxo, que previamente intercalado con la guitarra que aporta el lado rocker le impregnan ambos al tema homogeneidad en una maravillosa armonía instrumental. “Baby Angels” es otro hermoso en guitarra acústica que entre dulces arrullos vocales arma una trama melódica y nostálgica muy conmovedora. En “Six Thirty Wake-up” se despliega un instrumental que pareciera desprenderse de los últimos sonidos del tema previo, derivando en un hermoso poético entre efectos y flauta, guitarra y órgano. “The Spell of Money” cierra dentro de una dinámica de marcha en un tema que refleja el mensaje conceptual de la obra llevando tanto a oscuridades como a melodiosos tramos armónicos, aportando todas las atmósferas en el mensaje final.

El hermoso artwork de portada pertenece al artista Shaun Beyond, en una composición sumamente creativa que aporta el lado visual integrado al contenido sonoro de la obra.

–  PUNTAJE: 9 /10 – 

Reseña: Lily Belgú 

Creye “Creye” (Frontiers Records 2018)

C 2018Innumerables son las bandas jóvenes emulado el sonido de los 80’s o más bien, intentando sonar como lo hizo H.E.A.T. en sus primeros dos álbumes, pero este material de Creye tiene como “diferencia” un sonido mas AOR y con una producción más acorde a los tiempos que corren, sin dejar de lado las composiciones con los clichés clásicos ochenteros que nunca  fallan.

Realmente al material no le falta nada, contiene unos sintetizadores abrumadores, grandes melodías tema tras tema, buenos arreglos vocales y en el resto de sus instrumentos.

No hay un track que se destaque por encima de otro, pero quizás los momentos más fuertes los den canciones como “All we need is faith” o “Christina”.

Para quienes gustan de los medios tempo esta“Different lovin”, tal vez algo más directo, “Still believe in you” solo por dar un ejemplo, para los amantes de las baladas esta “Love will neter die”. Han incluido también “Straight to the top”, una de las buenas canciones pertenecientes a su EP del 2017.-

Este álbum es un GRAN debut, si bien no sorprende y es previsible, aun así… para los que seguimos el sonido AOR del pasado y el presente estaremos encantados !

Como agregado,  el álbum cuenta con compositores externos como Ulrick Lönnqvist (Sahara, Code Red, Jim Jidhed), Erik Wiss (Cap Outrun, Gathering Of Kings), Sören Kronqvist (Sunstorm, Find Me, One Desire), Mike Palace (Palace, Kryptonite) y Hal Marabel (Bad Habit, Arena, Mad Invasion).

Esperemos que su carrera continúe,  que giren, que graben mas álbumes  y que no terminen solo en un proyecto de estudio de un sello discográfico.

Si te gustan bandas como Work Of Art, Art Nation, One Desire, Grand Design…  entonces quedaras fascinado con este debut de Creye, que sin dudas va camino a lo mejor del año en materia AOR.

– Puntaje 8/10 –

Reseña: Pablo Bevacqua

Riverside “Wasteland” (Inside Out Music 2018)

636674280969764143Aires de cambio para la banda polaca Riverside, que llegan a través de su nuevo álbum “Wastelland” de edición 2018, el primero luego de la trágica pérdida de su guitarrista y co-fundador Piotr Grudzinski, ya que luego del deceso del músico se editó “Eye of the Soundscape” en setiembre de 2016, -disco que resultó de una recopilación de canciones y experimentos de distintas épocas de la banda- llega el flamante “Wastelland” marcando un antes y un después en la historia la banda.

Como suele acostumbrar Mariusz Duda tanto con Riverside como con su proyecto solista Lunatic Soul, cada obra se desarrolla dentro un concepto basado en experiencias existenciales de la vida humana y la búsqueda de la superación personal, en todas con un estilo reflexivo y profundo que siempre llega a tocarnos de alguna manera, en “Wastelland” el fundamento es el post-apocalipsis y la consiguiente supervivencia luego de la tragedia, con una forma de relato muy simbólica donde las reflexiones de alguien que intenta sobrevivir luego de una dolorosa pérdida nos trae la imagen ausente de Piotr Grudzinski, del mismo modo Mariusz comentó que la banda debía demostrar que puede sobrevivir sobretodo por los fans que creen que Riverside dejó de existir luego de la pérdida de Piotr, a lo que personalmente agrego que no sólo sobrevive sino que evoluciona, y esos aires de cambio que son parte de la nueva experimentación los enriquecen y dan forma a su música nunca mejor denominada “de progresión”.

El álbum consta de nueve tramos diferenciados por sus climas, dos de ellos a su vez subdivididos con una estructura sonora donde se siente mucho el gen Riverside como lógicamente corresponde a una banda que no debe perder su identidad, la voz de Mariusz Duda transmite su emotividad y toda su ductilidad utilizando tonos muy bajos, muy climáticos, es notoria una tendencia más acústica y una renovación en la parte técnica con la incorporación de instrumentos y de invitados, ellos son: Maciej Meller, guitarra, Mateusz Owczarek, guitarra, y Michal Jelonek, violín. Además de los miembros estables de la banda: Mariusz Duda, vocalista, compositor, (en algunos temas junto con Michal Lapaj), bajo, banjo, píccolo bass (contrabajo acústico), guitarras acústica y eléctrica, Michal Lapaj, teclados, piano Rhodes, órgano Hammond y Piotr Kozieradzki, batería y percusión.

La lírica toma elementos de obras de la ciencia ficción que fueron llevados a películas, libros y juegos, basados en visiones post-apocalípticas tanto del mundo desaparecido como de las turbulencias del mundo actual, el primer tema de título muy significativo, “The day after”, es un breve donde el espacio lo ocupa la voz de Mariusz en una intro a capella. “Acid rain, Part.I Where are we now?, Part.II Dancing ghost”, a través de rápidos fraseos en guitarra nos ubica en un clima oscuro y dramático donde en su segunda parte hace incursión la guitarra de M. Meller entre coros y líricas de fondo, ambas partes continuadas pero claramente diferenciadas. “Vale of tears” destaca a otro invitado, M. Owczarek, en formas sonoras de estilo heavy, también vocalizado, donde se desarrolla una muy buena instrumentación. “Guardian angel” es un bellísimo tramo, básicamente en guitarra acústica, la voz en tonos bajos, climáticos, piano, con hermosos toques de guitarra eléctrica. “Lament” de comienzo igualmente acústico aunque la voz retoma los tonos altos dentro de un tramo tanto contundente de sonoridad plena como diáfanos y poéticos, nostálgico, luego la vocalización y el violín lo redondean con maravillosos sonidos. “The struggle for survival, Part.I Dystopia, Part.II Battle Royal”, íntegramente instrumental presenta la lucha por la supervivencia con el bajo en su primera parte, la segunda destacando la guitarra de M.Meller, que introduce matices y acumula tensión integrando los tramos dentro de una atmósfera dramática que toma las formas sonoras de una batalla entre guitarras, llevando a un cierre entre banjo y coros. “River down bellow” es un tema fresco, nostálgico, melodioso, un acústico de bases y teclados muy marcados y hermosa guitarra, un favorito. “Wasteland” es la desolación, reflejada en guitarras acústicas, voz nuevamente en tonos bajos, órgano, piano, guitarra eléctrica, batería, violín dentro de una pieza donde la ambientación da el marco para recorrer diversos estados, fresco, nostálgico, dramático, es un tramo integral que integra a toda la instrumentación. Finalmente “The night before” cierra con un estilo sobrio, en letras de Mariusz Duda y música de Michal Lapaj, en voz, piano y una poesía que pareciera cantarle a la esperanza en un hermoso redondeo, muy bello.

Finalmente el arte de portada acompaña con formas visuales acordes con la ambientación de la obra en un diseño de Travis Smith, artista habitual en los artworks de la banda Riverside.

– PUNTAJE: 8,50 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú