Roine Stolt’s The Flower King “Manifesto of an Alchemist” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01Los fans de Roine Stolt tenemos motivos para festejar, ya que la edición del álbum Roine Stolt’s The Flower King “Manifesto of an Alchemist” nos reencuentra con la nostalgia de la maravillosa banda en una obra que se enmarca dentro de un concepto elaborado por Roine Stolt donde según palabras vertidas en la entrevista otorgada a este blog, trata a la alquimia como a la forma en que las personas o fenómenos -visto en perspectiva según el ámbito- obtienen ganancias a partir de cualquier elemento en el intento de convertirlos en oro, y el manifiesto se refiere a las formas de obtención de estos beneficios prevaleciendo por sobre el costo de la calidad de vida, en clara alusión a los tiempos que vivimos actualmente enmarcado dentro de una forma de poesía musical reflexiva.

Roine otorga a la obra contenidos melódicos, rifs e ideas gestadas con los años, desarrollados en la guitarra y el sintetizador con la frescura que le otorga la espontaneidad, que es la forma en que trabajó con los mismos, hace un maravilloso uso de los coros, siendo él mismo vocalista en la mayoría de los temas ya que las líricas son importantes y le imprime de este modo su sentir de la visión del mundo.

Los músicos que acompañan a Roine Stolt, (vocalización, guitarras, teclados y composición) son:
Jonas Reingold, bajo; Hans Froberg, guitarras, vocalización; Michael Stolt, bajo, vocalización; Marco Minnemann, batería y vocalización; Max Lorentz, órgano Hammond, Zach Kamins, teclados; Rob Townsend, saxo, flauta, percusiones y voz y Nad Sylvan voz de apoyo.

Los temas recorren distintas formas y estilos y van remontando la altura emocional de la obra en su avance con tramos netamente instrumentales como vocalizados, transmitiendo la expresión del concepto en la lírica y las ambientaciones lograda. “Rainsong” es una breve intro coreada y de efectos climáticos, “Lost América” rockea y destaca el bajo que enmarca el ritmo ágil, vocalizado y coreado, con bellos trechos diáfanos y melodiosos. La oscuridad se siente en “Ze Pawns” apoyada en los tambores coros y guitarras, de abundante lírica y relatos ambientados en una atmósfera dramática. “High Road” es un tema de espíritu muy flower, melodioso, acompañado de coros, teclados, sintetizadores y destacada guitarra. Y si la expectativa fue creciendo hasta este tramo de la obra, lo que sigue justifica por demás lo que esperamos de ella, “Río Grande” es un instrumental maravilloso con un tramo que crece en la emoción, abriendo con ágiles tambores y efectos percusivos suma instrumentación y promediando se torna diáfano, sutil llevado por la batería, bajo, teclados y guitarra y rotando el sentido rítmico en bellísimos efectos climáticos. “Next to a Hurricane” de tendencia folk comienza entre ladridos caninos, efectos sonoros y guitarra acústica, cuenta con el apoyo de Nad Sylvan en la vocalización y es un bello, melodioso y delicado de formas rítmicas y hermosos coros. “The Alchemist” en un tema instrumental que despliega abundante creatividad en un estilo que tiene fusiones jazzeras, adquiriendo el jazz un estado puro en el último tramo a través de la intervención del saxo, que previamente intercalado con la guitarra que aporta el lado rocker le impregnan ambos al tema homogeneidad en una maravillosa armonía instrumental. “Baby Angels” es otro hermoso en guitarra acústica que entre dulces arrullos vocales arma una trama melódica y nostálgica muy conmovedora. En “Six Thirty Wake-up” se despliega un instrumental que pareciera desprenderse de los últimos sonidos del tema previo, derivando en un hermoso poético entre efectos y flauta, guitarra y órgano. “The Spell of Money” cierra dentro de una dinámica de marcha en un tema que refleja el mensaje conceptual de la obra llevando tanto a oscuridades como a melodiosos tramos armónicos, aportando todas las atmósferas en el mensaje final.

El hermoso artwork de portada pertenece al artista Shaun Beyond, en una composición sumamente creativa que aporta el lado visual integrado al contenido sonoro de la obra.

–  PUNTAJE: 9 /10 – 

Reseña: Lily Belgú 

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Creye “Creye” (Frontiers Records 2018)

C 2018Innumerables son las bandas jóvenes emulado el sonido de los 80’s o más bien, intentando sonar como lo hizo H.E.A.T. en sus primeros dos álbumes, pero este material de Creye tiene como “diferencia” un sonido mas AOR y con una producción más acorde a los tiempos que corren, sin dejar de lado las composiciones con los clichés clásicos ochenteros que nunca  fallan.

Realmente al material no le falta nada, contiene unos sintetizadores abrumadores, grandes melodías tema tras tema, buenos arreglos vocales y en el resto de sus instrumentos.

No hay un track que se destaque por encima de otro, pero quizás los momentos más fuertes los den canciones como “All we need is faith” o “Christina”.

Para quienes gustan de los medios tempo esta“Different lovin”, tal vez algo más directo, “Still believe in you” solo por dar un ejemplo, para los amantes de las baladas esta “Love will neter die”. Han incluido también “Straight to the top”, una de las buenas canciones pertenecientes a su EP del 2017.-

Este álbum es un GRAN debut, si bien no sorprende y es previsible, aun así… para los que seguimos el sonido AOR del pasado y el presente estaremos encantados !

Como agregado,  el álbum cuenta con compositores externos como Ulrick Lönnqvist (Sahara, Code Red, Jim Jidhed), Erik Wiss (Cap Outrun, Gathering Of Kings), Sören Kronqvist (Sunstorm, Find Me, One Desire), Mike Palace (Palace, Kryptonite) y Hal Marabel (Bad Habit, Arena, Mad Invasion).

Esperemos que su carrera continúe,  que giren, que graben mas álbumes  y que no terminen solo en un proyecto de estudio de un sello discográfico.

Si te gustan bandas como Work Of Art, Art Nation, One Desire, Grand Design…  entonces quedaras fascinado con este debut de Creye, que sin dudas va camino a lo mejor del año en materia AOR.

– Puntaje 8/10 –

Reseña: Pablo Bevacqua

Riverside “Wasteland” (Inside Out Music 2018)

636674280969764143Aires de cambio para la banda polaca Riverside, que llegan a través de su nuevo álbum “Wastelland” de edición 2018, el primero luego de la trágica pérdida de su guitarrista y co-fundador Piotr Grudzinski, ya que luego del deceso del músico se editó “Eye of the Soundscape” en setiembre de 2016, -disco que resultó de una recopilación de canciones y experimentos de distintas épocas de la banda- llega el flamante “Wastelland” marcando un antes y un después en la historia la banda.

Como suele acostumbrar Mariusz Duda tanto con Riverside como con su proyecto solista Lunatic Soul, cada obra se desarrolla dentro un concepto basado en experiencias existenciales de la vida humana y la búsqueda de la superación personal, en todas con un estilo reflexivo y profundo que siempre llega a tocarnos de alguna manera, en “Wastelland” el fundamento es el post-apocalipsis y la consiguiente supervivencia luego de la tragedia, con una forma de relato muy simbólica donde las reflexiones de alguien que intenta sobrevivir luego de una dolorosa pérdida nos trae la imagen ausente de Piotr Grudzinski, del mismo modo Mariusz comentó que la banda debía demostrar que puede sobrevivir sobretodo por los fans que creen que Riverside dejó de existir luego de la pérdida de Piotr, a lo que personalmente agrego que no sólo sobrevive sino que evoluciona, y esos aires de cambio que son parte de la nueva experimentación los enriquecen y dan forma a su música nunca mejor denominada “de progresión”.

El álbum consta de nueve tramos diferenciados por sus climas, dos de ellos a su vez subdivididos con una estructura sonora donde se siente mucho el gen Riverside como lógicamente corresponde a una banda que no debe perder su identidad, la voz de Mariusz Duda transmite su emotividad y toda su ductilidad utilizando tonos muy bajos, muy climáticos, es notoria una tendencia más acústica y una renovación en la parte técnica con la incorporación de instrumentos y de invitados, ellos son: Maciej Meller, guitarra, Mateusz Owczarek, guitarra, y Michal Jelonek, violín. Además de los miembros estables de la banda: Mariusz Duda, vocalista, compositor, (en algunos temas junto con Michal Lapaj), bajo, banjo, píccolo bass (contrabajo acústico), guitarras acústica y eléctrica, Michal Lapaj, teclados, piano Rhodes, órgano Hammond y Piotr Kozieradzki, batería y percusión.

La lírica toma elementos de obras de la ciencia ficción que fueron llevados a películas, libros y juegos, basados en visiones post-apocalípticas tanto del mundo desaparecido como de las turbulencias del mundo actual, el primer tema de título muy significativo, “The day after”, es un breve donde el espacio lo ocupa la voz de Mariusz en una intro a capella. “Acid rain, Part.I Where are we now?, Part.II Dancing ghost”, a través de rápidos fraseos en guitarra nos ubica en un clima oscuro y dramático donde en su segunda parte hace incursión la guitarra de M. Meller entre coros y líricas de fondo, ambas partes continuadas pero claramente diferenciadas. “Vale of tears” destaca a otro invitado, M. Owczarek, en formas sonoras de estilo heavy, también vocalizado, donde se desarrolla una muy buena instrumentación. “Guardian angel” es un bellísimo tramo, básicamente en guitarra acústica, la voz en tonos bajos, climáticos, piano, con hermosos toques de guitarra eléctrica. “Lament” de comienzo igualmente acústico aunque la voz retoma los tonos altos dentro de un tramo tanto contundente de sonoridad plena como diáfanos y poéticos, nostálgico, luego la vocalización y el violín lo redondean con maravillosos sonidos. “The struggle for survival, Part.I Dystopia, Part.II Battle Royal”, íntegramente instrumental presenta la lucha por la supervivencia con el bajo en su primera parte, la segunda destacando la guitarra de M.Meller, que introduce matices y acumula tensión integrando los tramos dentro de una atmósfera dramática que toma las formas sonoras de una batalla entre guitarras, llevando a un cierre entre banjo y coros. “River down bellow” es un tema fresco, nostálgico, melodioso, un acústico de bases y teclados muy marcados y hermosa guitarra, un favorito. “Wasteland” es la desolación, reflejada en guitarras acústicas, voz nuevamente en tonos bajos, órgano, piano, guitarra eléctrica, batería, violín dentro de una pieza donde la ambientación da el marco para recorrer diversos estados, fresco, nostálgico, dramático, es un tramo integral que integra a toda la instrumentación. Finalmente “The night before” cierra con un estilo sobrio, en letras de Mariusz Duda y música de Michal Lapaj, en voz, piano y una poesía que pareciera cantarle a la esperanza en un hermoso redondeo, muy bello.

Finalmente el arte de portada acompaña con formas visuales acordes con la ambientación de la obra en un diseño de Travis Smith, artista habitual en los artworks de la banda Riverside.

– PUNTAJE: 8,50 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú

Haken “Vector” (Inside Out Music 2018)

636703709860889557Haken regresa con “Vector”, el quinto disco de la banda de metal progresivo inglesa que año tras año y disco a disco fueron creciendo dentro del ambiente y ya se puede decir que tienen un base importante de fans, de hecho el año próximo pasearan por Sudamérica por primera vez.

Éste nuevo lanzamiento consta de siete canciones (con una intro inicial “Clear”), un disco de corta duración para los tiempos que corren, pero personalmente lo celebró, el hecho de aprovechar al máximo la capacidad de un disco o peor aún repartir el material en dos discos suele traer resultados no muy buenos.

En cuanto a lo lírico, la banda basó este material en ciertas obras cinematográficas como El Resplandor o La Naranja Mecánica, dándole y buscando cierta oscuridad y surrealismo, como así también plasmar ideas desde un costado psicoanalítico donde presentan experiencias propias, sin dar demasiados detalles y dejando muchas cosas al parecer del oyente. Y para afianzar esa búsqueda, para el arte de tapa se inspiraron en el clásico test del psiquiatra Hermann Rorschach.

Estos hijos directos de Dream Theater fueron evolucionando álbum tras álbum, y despegándose de los álbumes iniciales (mis preferidos) donde el fantasma de los comandados por Petrucci estaba muy presente, como así también guiños al rock progresivo de los 70’s.

“Vector” es sin dudas el disco más “heavy” de Haken, desde el inicio con “Great Doctor” marcan el comienzo de un camino a recorrer en estos casi 45 minutos donde escucharán riff de guitarras en primer plano y una agresividad sonora que no habían desarrollado hasta ahora.

Esta nueva faceta pesada no les sienta mal, pero el trabajo de su cantante Ross Jennings termina de no cuajar por completo en algunas canciones, ya que su voz carece de potencia y se diluye fácilmente en las composiciones más enérgicas, como por ejemplo en “Puzzle Box” , tema que está salpicado fuertemente en varios pasajes por el discutido “Train of Thought” de Dream Theater.

“Veil” podríamos decir que sería el final de la cara A del álbum y es para mí la pieza clave del disco, perfectamente ubicada para balancear el material. La canción más larga y elaborada del disco que nos trae al Haken de antaño con algunos momentos instrumentales superlativos.

Entrando a la segunda mitad del disco aparece la instrumental “Nil By Mouth”, probablemente pierdan algunos fans progresivos pero más de un metalero caerá rendido al disco con canciones como estás que golpean directo al mentón.

Para bajar la tensión se presenta la calma y parsimoniosa “Host” que apenas amaga a levantar al final, canción que pasa desapercibida y candidata al olvido, lo más flojo del disco. Por último nos queda “A Cell Divides”, otra de mis canciones favoritas del nuevo lanzamiento, donde acá uno puede decir metal progresivo “a lo Haken”.

Puede que estemos presente ante un disco bisagra en la carrera de Haken o “Vector” quedará para la historia como el disco “oscuro y pesado” que nunca más volvieron a repetir. El tiempo dirá…

 – PUNTAJE: 7,50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

The Night Flight Orchestra “Sometimes The World Ain’t Enough” (Nuclear Blast Records 2018)

The Night Flight Orchestra - Sometimes The World Ain't Enough - ArtworkPocas bandas de rock melódico en la actualidad me han sorprendido como estos suecos de The Night Flight Orchestra. Debo confesar que los descubrí con su disco anterior “Amber Galatic”, todo una sorpresa para mí, más aún viniendo de un sello como Nuclear Blast y encima creada por músicos de Soilwork, una banda de Death Metal.

Los creadores de este monstruo son Björn Strid (voz( y David Andersson(guitarra), los acompañan Sharlee D’ Angelo en bajo, Richard Larsson en teclados, Jonas Källsbäck en bateria, Sebastian Forslund en guitarras y Anna-Mia Bonde y Anna Brygård en coros.

Hoy nos llega su cuarto álbum “Sometimes the World Ain’t Enough”, otra muestra de su AOR retro basado en la década de los 80’s con la fuerza y emoción que tenían estas composiciones en su era dorada y algunos condimentos de los 70’s, estos aparecen cuando los teclados tienen mayor presencia y asoman algunos arreglos más elaborados.

El disco no da respiro, desde el inicio con rockero con “This Time” hasta el final con la extensa y sinfónica “The Last Of The Independent Romantics”. ¿Novedades respecto al anterior?, no muchas, la más significativa pasa por su cantante, brillando nuevamente pero con un estilo más agresivo que en los discos previos.

Para destacar del material tenemos a la disco AOR “Paralyzed” y “Pretty Thing Closing In” , la balada de turno “Moment Of Thunder”, la efectividad del AOR clásico aparece en “Speedwagon”, “Lovers In The Rain” y “Barcelona”, aquí vienen a la memoria bandas como Balance, Aviator o Survivor.

El resto del material es más del mejor AOR que esta gente hace a la perfección. Lejos de sonar como un proyecto mediocre de Frontiers Records, estos suecos van por otro lado, y con un sello que los respalda para transformarse en una banda activa.

No tendrá el puntaje máximo porque su antecesor está un escalón más arriba, pero solo uno. Otra vez estos muchachos volvieron a patear el tablero. Por el momento, lo mejor en materia de rock melódico de este 2018

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Galasphere 347 “Galasphere 347” (Karisma Records 2018)

VSL12T01_VINYL_OUTER_SLEEVE_GATEFOLDGalasphere 347 es el nombre de un nuevo proyecto de rock progresivo sinfónico con tintes de krautrock en algunos de sus tramos, se trata de una banda anglo-escandinava que aunque  conformada por experimentados músicos, hace su debut con un disco titulado del mismo modo, proyecto que seguramente festejarán los fans de otra maravillosa banda como es White Willow, ya que tres de sus integrantes están fuertemente conectados con ella.

Los integrantes con un resumen de sus procedencias sonoras tanto como integrantes como invitados, son los siguientes: Stephen James Bennett, inglés, vocalista, teclados, guitarra y bajo (Henry Fool, No-man, The Opium Cartel, etc.); Ketil Vestrum Einarsen, noruego, teclados, flauta y programación (Jaga Jazzist, White Willow, Anima Morte, etc.); Jacob Holm-Lupo, noruego, guitarra y bajo (White Willow, The Opium Cartel, etc.); Mattias Olsson, sueco, tambores, teclados, bajo y guitarra (White Willow, The Opium Cartel, Anglagard, etc.). Participando como invitados: Akaba, coros y Dave Scragg, trombón.

La obra se divide en tres temas extensos, de una estructura similar aunque cada uno con su propia personalidad y múltiples variantes sonoras, destacados usos de las distintas manifestaciones de los teclados, las guitarras, contundentes bases de tambores, percusiones y bajo, y la hermosa voz de Stephen J. Bennet en las líricas. “The voice of beauty drowned” hace un comienzo terso con la voz enmarcada en los teclados y la guitarra, suma bases rítmicas, bellos coros y variantes en teclados dentro de la misma ambientación, avanza armonizando melodías delicadamente aclimatadas por la flauta y rota los sonidos con importante tramo de instrumentación que luego destaca la voz con la lírica manteniendo una homogeneidad constante. “The fallen angel”, de sutiles formas sonoras en la apertura, melodioso, sumando variantes en la incorporación de los hermosos tramos instrumentales, rítmicos, de elaboraciones progresivas, fraseos en los teclados, solo de trombón, sonidos cósmicos aportados por el Mellotron, los tambores y los efectos acústicos, y hermosas, bellas armonías que elevan el vuelo de la obra. “Barbarella’s lover” tras la tersa voz en la apertura va incorporando instrumentación y dinámica en un tema que destaca mucho los tambores, efectos acústicos y las bases del bajo, las formas sonoras melodiosas son creadas por los teclados, las guitarras, Mellotron, órgano, con destacados solos muy ajustados, brillantes para el redondeo del tema y de un gran disco.

Según las propias palabras de los músicos integrantes de la banda, “el álbum es como un crucero espacial de rock progresivo”, convengamos que ingredientes no le faltan ya que la denominación de la banda, Galasphere 347, también corresponde al nombre de una nave espacial que era parte de un programa para niños llamado “Space Patrol”, según también lo declarado, y no menos lo es el artwork de portada del disco, obra del artista Jarrod Gosling, con una ilustración cósmica muy acorde con el estilo integral del álbum, aportando la forma visual a este maravilloso crucero espacial.

– PUNTAJE: 8.50 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú 

G347

Galasphere 347

Stephen James Bennett – Voz, teclados y  guitarras
Ketil Vestrum Einarsen – Teclados, programaciones y flauta
Jacob Holm-Lupo – Guitarras y bajos
Mattias Olsson – Bateria, guitarras y teclados. 

Robby Valentine “The Alliance” (Independiente 2018)

cover the allianceHablar de Robby Valentine, es hablar de un músico prolífico, de perfil bajo que supo acariciar el éxito en sus comienzos para luego pasar a la oscuridad dentro del mundo de la música, no ha si con la calidad de sus composiciones, que siempre mantuvieron un nivel de calidad.

El amor por Queen no lo niega y es más, alza la bandera de la Reina con orgullo, por supuesto detrás tenemos a The Beatles, ELO, Prince y Muse, bandas que pueden ser consideradas para hacer referencia a Valentine.

Hoy nos llega “The Alliance” su nuevo disco de estudio, con 10 canciones, las justas y necesarias para redondear un gran álbum con el sello característico del holandés. Hay que remarcar que éste nuevo lanzamiento trae a la memoria lo mejor de su carrera, por lo menos para mí, lo que son sus dos primeros discos “Robby Valentine” (1992) y “The Magic Infinity” (1993). Acá deja de lado los sonidos electrónicos que abundaban en el anterior “Bizarro World” (2014) y también se aleja de ese “toque” dark para volver a brillar con lo mejor que sabe hacer, canciones de AOR con exquisitos arreglos pomposos.

“The Alliance Theme” es la intro que da pie a “Judgement Day”, puro Valentine con los coros de estadio bien al frente, ganchera y adictiva desde la primera escucha. “Black Dog” muestra el costado Beatle con unas melodías tristes hasta que aparece el estribillo y cambia todo. “Sons Of America” suena a Jellyfish haciendo hard rock, no está de más aclarar que todos los instrumentos fueron grabados por el propio Robby (salvando algunas colaboraciones en coros y arreglos, entre ellos el de su mujer  Maria Catharina), y hay que decir que hizo un trabajo estupendo. “Running Of Empty” quizás es el único track que recuerde al disco anterior, por el trabajo vocal recuerda mucho a Muse, pero cada canción tiene el “toque Valentine”, aquí sobre todo en el final donde demuestra sus dotes como pianista. “Eleanor Robyn” es el nombre de su hija y aquí le dedica esta hermosa balada que incluye un solo de saxo para darle un toque especial y adornar una canción muy especial para Robby. Llegamos al track single “Soldiers Of Light” que suena más a Valensia que a Valentine, si estás leyendo esta reseña interesado en Robby Valentine sabrás quien es Valensia, pero sino te cuento brevemente que es otro músico holandés que supo brillar a principios de los 90’s y que como Valentine el ADN Queen corre por sus venas. “The Bitter End” es otra pieza Queen/Beatle brillante con el toque Pop/AOR presente y para el cierre nos quedan la Pomposa “Masters Our Of Minds” (mi favorita) y “Remember Who You Are”, con Robby Valentine sentado al piano haciendo de las suyas y queriendo ser Freddy Mercury por un momento.

Con el lanzamiento de este disco además cumple 26 años dentro del mundo de la música, lo que no es poca cosa, sobre todo para un músico que se maneja hace años de manera independiente. Pulgar en alto para “The Alliance”, que sin lugar a dudas se meterá en la lucha por lo mejor del 2018.

–  PUNTAJE: 8.50/10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

“THE ALLIANCE”

The Alliance Theme
Judgement Day
Black Dog
Sons Of America
Running On Empty
Eleanor Robyn
Soldiers Of Light
The Bitter End
Masters Of Our Minds
Remember Who You Are

Todos los instrumentos: Robby Valentine

http://www.robbyvalentine.nl/ 

The Sea Within “The Sea Within” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01The Sea Within es una banda creada por el dueño de Inside Out Music, donde reunió a varios músicos reconocidos de la escena actual: Roine Stolt (The Flower Kings) en guitarra , Jonas Reingold (Karmakanic) en bajo, Tom Brislin (Yes, Camel, Meat Loaf) en teclados, Marco Minnemann (The Aristocrast) en bateria y Daniel Gildenlöw (Pain of Salvation) en voces y guitarras. No es parte oficial del grupo (de hecho no esta en las fotos promocionales), pero Casey McPherson (Flying Colors, Alpha Rev) participa como cantante en varias canciones.

El álbum es variado y nos pasea por momentos, entre ellos oscuros y pesados como “Ashes Of Dawn”, Rob Townsend (Steve Hackett Band) con su saxo soprano le da un toque Crimsoniano que le realza la canción. Otros pasajes, menos afortunados tenemos en “They Know My Name” o “The Void”, que transitan caminos densos, apenas salvados por los solos de guitarras de Stolt y algunas intervenciones vocales de Gildenlöw.

El panorama cambia cuando aparece ” An Eye For An Eye For an Eye” , donde se nota la mano de Roine Stolt, al igual que en “Goodbye” donde aparece Casey McPherson en la voz líder haciendo un trabajo estupendo. Si el disco hubiese ido por este camino salían ganando.  “Sea Within”, es un instrumental insignificante que da pie a “Broken Cord”, nuevamente con McPherson en la voz líder y ayudado en los coros por el maestro Jon Anderson (Yes), con un comienzo que recuerda a los geniales Jellyfish pero luego se transforman en The Flower Kings, y ya van para otros terrenos.  El cierre del disco es con “The Hiding of Truth”, otra composición que no termina de explotar , van por lo experimental sin buenos resultados en mi opinión, ni Jordan Rudess (Dream Theater) la puede salvar. Hay una linda base de Minnemann / Reingold que más de una banda daría lo que sea por tenerlos, pero lamentablemente acá tienen un papel secundario.

El disco Bonus contiene 4 canciones, la extensa “The Roaring Silence”, agresiva y progresiva a la vez, uno de los momentos más inspirados de este súper grupo, ¡no se por que no la incluyeron en el álbum!. El resto de las canciones “Where are you Going?”, “Time” y “Denise”, se ganaron con creces ir al banco de suplentes, no tienen lo suficiente para ganarse la titularidad.

–  PUNTAJE: 7/ 10 – 

No Name Band!

The Sea Within 

1 Ashes of Dawn 00:06:00
2 They Know my Name 00:05:10
3 The Void 00:04:55
4 An Eye For An Eye For an Eye 00:07:00
5 Goodbye 00:05:30
6 Sea Without 00:02:27
7 Broken Cord 00:14:20
8 The Hiding of Truth 00:05:30
Bonus CD:
1 The Roaring Silence 00:08:00
2 Where are you Going? 00:05:50
3 Time 00:07:12
4 Denise 00:05:10

Line-Up:
Marco Minneman: baterias
Jonas Reingold: bajos
Tom Brislin: teclados y coros
Roine Stolt: guitarras, voces y teclados
Daniel Gildenlow: voces y guitarras
Casey McPherson: voz 
Invitados:
Jon Anderson: Vocals (Broken Cord)
Jordan Rudess: Grand Piano (The Hiding of Truth)
Rob Townsend: Soprano Saxophone (The Ashes of
Dawn)

Haken “L-1VE” (Inside Out Music 2018)

Haken live cdHaken registro su primer material en vivo bajo el nombre de “L-1ve” , concierto tomado de la presentación del grupo en Holanda, en el marco de los festejos por los 10 años de carrera donde giraron por Europa y Norte América.

El show fue tomado el 13 de Abril del año pasado y el lanzamiento es en CD y DVD, un regalo para sus fans que vienen acompañándolos desde hace años. El set list estuvo basado en su último disco de estudio “Affinity” (2016) y el anterior “The Mountain” (2013), de sus discos previos solo incluyeron, por un lado el “Aquamedley” , basado en su primer álbum “Aquarius” (2010) y la mega suite “Visions” que da nombre a dicho álbum del 2011, que cierra el show.

En cuanto al concierto hay que decir que lamentablemente no escapan a los discos (y DVD’s) en vivos actuales, donde los retoques y abusos de post producción no pueden faltar. Por momentos es demasiado para mí, sobre todo en el DVD donde sumado a lo sonoro, a nivel imágenes parece un video clip con paneos que van y vienen sin respiro y donde no se puede apreciar el trabajo individual de los músicos.

Una pena, porque si vas a YouTube y buscás videos del grupo en vivo te vas a dar cuenta que suenan de mil maravillas. No deja de ser un souvenir para los fans mientras esperan algo nuevo de Haken.

– PUNTAJE: 6 /10 –  

“L-1VE”

CD 1 (0:49:00)
1. affinity.exe/Initiate – Live in Amsterdam (06:00)
2. In Memoriam – Live in Amsterdam (04:42)
3. 1985 – Live in Amsterdam (09:21)
4. Red Giant – Live in Amsterdam (06:31)
5. Aquamedley – Live in Amsterdam (22:26)
 CD 2 (1:05:26)
6. As Death Embraces – Live in Amsterdam (03:50)
7. Atlas Stone – Live in Amsterdam (07:12)
8. Cockroach King – Live in Amsterdam (08:17)
9. The Architect – Live in Amsterdam (15:59)
10. The Endless Knot – Live in Amsterdam (06:34)
11. Visions – Live in Amsterdam (23:34)

Ross Jennings – voz
Richard Henshall – guitarra y teclados
Raymond Hearne – bateria
Charles Griffiths – guitarra y coros
Diego Tejeida – teclado y coros
Conner Green – bajo 

 

 

Spock’s Beard “Noise Floor” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01“Noise Floor” es el nuevo disco de los ya legendarios Spock’s Beard, una banda referente del rock progresivo de las últimas décadas y una de las principales agrupaciones que mantuvieron vivo al estilo en los 90’s.

La banda paso por varias etapas, primero se fue su voz (y uno de los referentes) Neal Morse, para ser reemplazado por el baterista Nick D’Virgilio, quien luego dijo “adiós” y apareció el fenomenal Ted Leonard (Enchant).  En este lanzamiento D’Virgilio vuelve a hacerse cargo de los parches, pero parece ser que solo en el estudio, ya que tiene muchos compromisos para volver a retomar el ritmo con la banda.

El espíritu del grupo sigue vigente y activo gracias a Dave Meros (bajista), Ryo Okumoto (teclados) y a Alan Morse (guitarra), quienes nunca se bajaron del barco y mantuvieron con dignidad el nombre de la banda en todos estos años.

Para hablar de “Noise Floor” , hay que decir que la banda fue a la búsqueda de canciones más directas y accesibles, sobre todo si son comparadas con el aceptable “The Oblivion Particle”. Canciones como “To Breath Another Day”  o One So Wise” son una clara muestra de esta nueva faceta que intentan plasmar. No perder la esencia progresiva, pero que la canción sea efectiva y de fácil digestión.

Con esta dirección a Ted Leonard se lo escucha mucho más cómodo y con mayor protagonismo, hasta en canciones que suenan 100% a SB como “Have We All Gone Crazy Yet” que tranquilamente pudo haber sido parte de los primeros trabajos del grupo.

Otra composición para destacar es “So This Is Life”, donde se respiran aromas Floydianos y el señor de las 6 cuerdas, Alan Morse despliega todo su amor por David Gilmour con una excelencia envidiable. Lo mismo hace Ryo en el instrumental “Box Of Spiders” donde se viste de Keith Emerson y hace de las suyas.

El resto del material esta en un nivel muy parejo, al igual que el EP “Cutting Room Floor” que también nos han entregado, contiene 4 canciones exquisitas de corta duración donde el lado melódico/pop brilla por su excelencia.

Luego de varias escuchas puedo decir que este es el mejor trabajo del grupo desde el estupendo “X” del 2010. El cuarteto formado por Meros, Okumoto, Leonard y Morse se nota afianzado y revitalizado, está claro que a veces viene bien tomarse su tiempo para trabajar un álbum y no aburrir una y otra vez con lo mismo de siempre.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez