TONY MILLS “Beyond The Law” (Battlegod Productions 2019)

TM BTLTal como lo anuncio el mismo Tony, este es el último álbum de su carrera, al menos como vocalista, y debo decir que es un muy buen álbum!

Ya desde un comienzo me ha gustado mucho su portada, con aires a películas de los años 60’s. Algo que confirme cuando vi los nombre de sus canciones, y aun más cuando recibí el álbum y leí la información acerca de este material. Todo en el disco sigue un patrón lírico que va por lado de la bandas gangtser de los 30’s a los 60’s, como también así lo especifica su pack de prensa.

“Beyond the law” es en álbum más variado en comparación de su antecesor “Street of Change” de 2017, contiene un gama más amplia entre canción y canción, desde medios tempos, como su tema de apertura “The Westside”, o “Runings Guns” con un sonido mas AOR y donde se percibe la mano de Tommy Denander en la guitarra. También muestra su costado más heavy en tracks como el que cierra el álbum “Gunfire”o “FBI”.

“Crackin Foxy”, “Code of Silence” donde se respira ese aire característico del hard de los 80s., y por supuesto no puede faltar la balada, “Bonnie’ s Farewell”, muy emotiva por cierto, donde va subiendo en intensidad desde el piano excelentemente ejecutado por Patrick McKenna (SHY) y el Saxo de Chris Alldrige.

Si algo caracteriza a todo el álbum son los arreglos en todas sus líneas y sus melodías, un disco de una duración de 44 minutos que pasa volando, no por su duración, sino, como decía anteriormente, porque la variedad hace que no sea un disco aburrido en absoluto.

En lo personal creo que un buen resumen y un gran cierre de su larga trayectoria, una voz que supo brillar en bandas como Shy o TNT, así como unos cuantos proyectos de muy buena factura como ser State of Rock, solo por nombrar alguno.

Termino esta reseña diciendo GRACIAS TONY por tu música y todos esos álbumes que han marcado la vida musical de muchas personas. Rock on!

–  PUNTAJE: 9 / 10 –

Reseña : Pablo Bevacqua

PATTERN-SEEKING ANIMALS – “Pattern-Seeking Animals” (Inside Out Music 2019)

636924980978509649Pattern-Seeking Animals es una nueva banda formada por actuales y antiguos miembros de Spock’s Beard: Ted Leonard en voz, Jimmy Keegan en bateria y Dave Meros en bajo. Pero la mente maestra detrás del proyecto es el compositor y productor John Boegehold, quien viene trabajando hace años con Spock’s Beard entregándoles excelentes composiciones.

Por este motivo ahora quiso explorar otros caminos y alejarse de lo que venía haciendo, usando una producción más actual y trabajando con influencias que en la banda de Alan Morse no podría incluir.

El disco no frecuenta terrenos del rock progresivo salvo en “No Burden Left to Carry” , “Orphans of the Universe” y “Stars Along the Way” de las mejores piezas del álbum, por este lado salen ganando, pero está claro que no era lo que buscaban o por lo menos que predomine en el disco.  Lo que abunda en el álbum son canciones a base de texturas y climas que van variando tema a tema, el trabajo melódico es delicado y las instrumentaciones no son descollantes, pero sí muy intensas y colocadas en el momento justo , entre las destacadas tenemos a la Floydiana “The Same Mistakes Again”,  “No One Ever Died and Made Me King” y “No Land’s Man” que pasean por un rock/pop elaborado y no quiero olvidarme de la preciosa balada “Fall Away”, donde por supuesto Ted Leonard le saca lustre a sus cuerdas vocales.

En líneas generales el disco es digerible y accesible a primera escucha, navega entre momentos muy logrados y otros no tanto, pero pasa la prueba. Párrafo a parte para Ted Leonard quien se pone el disco al hombro no solo cantando sino también demostrando que es un muy buen guitarrista. 

Esto no es un proyecto de estudio, van a salir a tocar y  de hecho ya hay un nuevo disco en preparación (varias de estas canciones Boegehold ya las tenía compuestas), por lo tanto el crédito queda abierto.

PUNTAJE: 7 / 10 

Reseña: Diego Gonzalez

 

BIG BIG TRAIN “Grand Tour” (English Electric Recordings 2019)

BBT GTSiempre he dicho, que Big Big Train, es una indiscutible banda de rock progresivo, permanentemente va un paso mas adelante en su evolución. Desde su debut en 1994 y a través de 11 álbumes, ha ido en constante progreso; ganando en complejidad sonora, composición y técnica. Y está absolutamente demostrado que es así, si uno repasa toda la discografía de la banda.
Hoy tenemos aquí el nuevo trabajo, que es el que consuma la primera docena de Lps completos de estudio, grabados por la banda. “Grand Tour”, es otra genialidad de los británicos.
Inspirado en las costumbres del siglo XVII y XVIII del Grand Tour, donde hombres y mujeres jóvenes viajaron para ampliar la mente; Big Big Train ha hecho un álbum de canciones ambientadas en tierras lejanas. Nueve pistas nos conducen a un viaje épico por tierra y mar, a través del tiempo y el espacio.
El periplo comienza con el breve introductorio “Novum Organum” (es el nombre del libro de Francis Bacon, llamado “Novum Organum Scientiarum” , es decir, Nuevo instrumento de la ciencia publicado en 1620); para adentrarse en un viaje a toda marcha, a explorar el mundo, a ver lo desconocido y expresar el sentimiento de estar vivo con, “Alive”, una canción simple y alegre utilizada como adelanto y difusión.
Con aires folk y coros excelentes, se continua con la tercera pieza, que para mi es deslumbrante, con los cambios rítmicos típicos del ProgFolk, tomando como referencia a Leonardo Da Vinci, el pintor visionario de técnicas finas. Así se desarrolla este segmento musical, diseñado estupendamente por la banda; ella es “The Florentine”.
Los notables momentos musicales se continúan, con la mini suite, “Roman Stone”, inspirada en el Coliseo de Roma; fraccionada en 4 brillantes secciones. Con letra y música de Greg Spawton. Se inicia con The Foundation, Con sobresalientes arreglos de vientos y cuerdas; el primer quiebre se produce a los casi 3 minutos, donde comienza la segunda parte de la suite: Rise, un instrumental altamente destacado. Ne Plus Ultra, la tercera sección, de elegantes pasajes calmos, para ir creciendo con tenue intensidad musical hasta producirse otro cambio fantástico con protagonismo de los instrumentos de viento ejecutado estupendamente por la Big Big Train Brass Ensamble, y aquí es el comienzo de la segunda fase instrumental de esta suite, la fenomenal: Fall, con un trabajo contundente D’Virgilio , la flauta traversa de David Longdon ampliada por los bronces de la Ensamble, con un toque bien dinámico para mas tarde concluir con el epílogo de Roman Stone, regresando al sonido relajado para finalizar con mucha delicadeza .
“Pantheon”, es la quinta pista de la 9 que incluye la placa; instrumental compuesto de manera brillante por el polifacético Nick D’Virgilio y esplendorosamente ejecutada por la banda toda, siempre apoyado por la Brass Ensamble y los arreglos de cuerda, conducido por Rick Wentworth . Aquí Nick intenta transmitir la atmósfera y la majestuosidad del poderoso y extraordinario edificio, usado casi 2000 años y es una de las supervivencias más completas de la antigua Roma.
“Theodora in Green and Gold”, Es un muy buen track, cuya música fue compuesta por D’Virgilio y Spawtom, donde toma protagonismo Rikard Sjöblom (ex Beardfish), al piano y comparte voces con Longdon.
“Ariel”, es un ciclo de canciones de esta espectacular obra de BBT, con letra y música de David Longdon, fraccionada en 8 notables unidades, que se relaciona con el personaje Ariel, quien es un espíritu de la Tempestad de William Shakespeare. De carácter melancólico en casi todo su desarrollo, con algunos momentos de mayor intensidad. La voz de Longdon, es apoyada constantemente por los coros. Hacia los 5 minutos, se produce un notorio cambio, creando un ambiente mas intenso, para luego regresar a lo que es el ánimo general de esta parte del disco, el dramatismo de su música; e insisto el papel fundamental de David Longdon.
“Voyager”, extraordinaria larga suite cuya composición corrió por Greg Spawton, basada en los viajes para explorar el sistema solar, conocido como Grand Tour. Aquí la banda se manifiesta con algunas partes más vigorosas, podremos apreciar algunos solos de guitarra eléctrica, casi ausentes en todo este trabajo, suministrándole una dosis de mas fuerza, si se quiere, a toda ésta relajada obra de los ingleses. Magnífica igualmente, en todo su desarrollo.
Llegamos al final del Grand Tour, con “Homesong”, también escrita por Spawton, hace referencia a que todo viaje llega a su fin y aquí cuenta el regreso a casa, Inglaterra. Por eso quizás, esta hermosa canción se asemeja mas a las composiciones clásicas de la banda, dejando de lado, un poco al menos, toda esa angustiosa pero maravillosa música, que nos llevó por este extenso viaje.

Grand Tour, es un paso más en positivo, para una de las mas brillantes bandas del progresivo actual.

–  PUNTAJE: 9.50 / 10 – 

Reseña: Daniel Perez 

 

BRIGHTEYE BRISON “V” (Bad Elephant Music 2019)

BEM069 album coverEl sello Bad Elephant editará en Mayo el quinto disco del quinteto sueco Brighteye Brison, que lleva el nombre (poco original) de “V”.  Son tres canciones las que componen el nuevo material y como podrán imaginarse, la duración de las composiciones son muy extensas.

Repasemos la formación de la banda: Linus Kåse ( Flagship, Änglagård) en teclados, saxo y voces, Per Hallman en teclados y voces, Johan Öijen en guitarras, Kristofer Eng  en bajo y Erik Hammarström (Änglagård) en bateria.

El último lanzamiento fue “The Magician Chronicles – Part I” del 2011 y también estaba presentado en un formato de tres canciones. En este nuevo registro la banda retoma lo empezado en su disco anterior y además como tema final presentan la segunda parte de “The Magician Chronicles” con una duración de 36 minutos, casi nada.

Hablar del estilo de Brighteye Brison es entrar en el mundo del rock progresivo/ sinfónico que nos enseñaron Yes, Gentle Giant o Kansas y que luego bandas como The Flower Kings o Spock’s Beard retomaron en los 90’s. De todas formas hay mucho más que esto en el álbum y en la carrera del grupo.

El track inicial “The Crest Of Quarrel” resume en 12 minutos una pieza sinfónica melódica que tranquilamente podrían haber compuesto los hermanos Gardner en su querido Magellan.

La canción que da nombre al disco contiene un estilo más moderno, pero no dejan de lado las raíces progresivas, hay un gran trabajo vocal y unos pasajes instrumentales con un derroche de talento muy, pero muy interesante. Aquí dejan en claro que de Jazz fusión entienden y bastante.

Y por último vamos a la titánica “The Magician Chronicles – Part II” , resumir una canción de casi 40 minutos no es fácil, hay de todo por supuesto y llevado de maravilla por la banda, por momentos me recordaron a las piezas extensas de Moon Safari , sobre todo por el trabajo vocal del comienzo, pero después van recorriendo su propio camino. Una canción para disfrutar de principio a fin.

Atentos con este nuevo álbum de Brighteye Brison, hasta ahora de los más destacado del estilo y  personalmente lo considero dentro de los mejores de su discografía junto con su tercer disco Believers & Deceivers del 2008.

–  PUNTAJE: 8.50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

A.C.T “Rebirth” (ACTWORLD 2019)

Rebirth omslagLos suecos A.C.T regresan con un EP bajo el nombre de “Rebirth”, lo último editado por estos muchachos de Malmö fue el material en vivo “Trifles And Pandemonium” del año 2016 y previamente “Circus Pandemonium” del 2014, que era hasta el momento el último registro de estudio.

Este nuevo material no hace más que repasar y remarcar el estilo personal que forjó la banda desde su estupendo disco debut “Today’s Report” (1999). Son 5 las canciones que componen el EP:

“The Ruler Of The World”, la canción más pop del disco, es como pensar en 10cc haciendo metal progresivo, parece algo difícil de imaginar, pero A.C.T lo puede lograr.

“Running Out Of Luck”, nos traslada a los primeros tiempos del grupo , el poder de las melodías se impone por sobre todo y el amor por Jellyfish se nota en el estribillo.

“Digital Affair”, presenta sonidos electrónicos que recuerdan a lo que también hace Valensia, pero a la hora de entonar el estribillo aparece la banda que todos conocemos y sobre el final con los solos, no quedan dudas que es otra de las grandes composiciones de Jerry Sahlin.

“Meet The Past”, entra casi pegada a “Digital Affair” y es para mí LA canción del EP, cuando hacen uso de todas las voces salen ganando, no presenta una novedad compositiva, pero refleja lo mejor que saben hacer y lo que buscaron siempre, canciones simples, directas y con arreglos sofisticados, pero controlados.

“A Broken Trust”, es el track final y el más dinámico del EP , por estilo y sonido podría haber sido parte de “Silence” (2006) , quizás el que contiene arreglos más jugados y con un contundente riff que pesa por sobre toda la canción.

“Rebirth” es un estupendo aperitivo para lo que vendrá, en la actualidad hay pocas (o casi ninguna) bandas como A.C.T, así que cualquier cosa que editen siempre es bienvenida.

–  PUNTAJE: 9/10 –

Reseña: Diego Gonzalez

En el año 2017 entrevistamos a Jerry Sahlin, donde nos anticipaba que ya tenían las canciones para el EP. Aquí la pueden repasar.

JOOST MAGLEV “Alter Ego” (Bad Elephant Music 2019)

BEM067 album cover“Alter Ego” , es el nuevo disco del músico holandés Joost Maglev quien sorprendiera en el 2016 con su primer disco  (ahí solo bajo el nombre de Maglev ) “Overwrite The Sin “. Nuevamente como en su debut se mueve por terrenos melódicos con ciertas dosis de rock progresivo , bandas como Queen o City Boy pueden servir de referencias,  aunque también se lo puede ligar a agrupaciones más actuales como A.C.T o Jono.

En este lanzamiento como en el anterior contó con la colaboración de Valensia Clarkson,  pero los invitados no quedan aquí ya que además incluye a Arjen Lucassen  (Ayreon ), Annie Haslam (Renaissance) , Mark Bogert (Knight Area),  entre otros .

El disco comienza con “Lucid” que sirve de intro para  “Angel” una muestra de que se puede hacer Pomp rock en el año 2019, brillante de principio a fin. “Corpus Christi” al igual que “Burning Girl” transitan un estilo a mitad de camino entre rock alternativo y metal progresivo, quedando aisladas del resto del material.  “Ever After” es la canción que más me impacto del disco, no solo por lo emotiva y sentida, sino por la colaboración de Annie Haslam y su personal voz, además tanto Bogert como Lucassen se despachan con unos solos de guitarras memorables.  En “Judith II” tenemos la continuación de aquella estupenda canción incluída en “Overwrite The Sin”, aquí nuevamente aparece el ADN Queen/City Boy que esta salpicado por casi todo álbum, lo mismo ocurre en “Alter Ego” que además cuenta con la producción  y arreglos de Valensia Clarkson dejando impregnado su toque personal.  Los tracks finales son “Demon” , una balada Pomp/Épica y “Dreams” , una canción celestial con voz femenina a cargo de Marie Doesburg.

Nuevamente me saco el sombrero frente a Joost Maglev, “Alter Ego” no llega a superar a su antecesor “Overwrite The Sin”, pero la calidad del material de este disco vale la pena y es casi obligatoria la escucha si las bandas mencionadas en la reseña son de tu preferencia.

–  PUNTAJE: 8,50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Reseñas de Discos: Dream Theater / Queensrÿche

636784035845872102Dream Theater “Distance Over Time” (Inside Out Music 2019): Los reyes del metal progresivo están de vuelta con su disco N° 14, ofreciendo un material directo, no solo por el trabajo compositivo sino también por la cantidad de canciones y su duración. El trabajo en lineas generales se centra  y ofrece un pantallazo de lo mejor que hicieron en todos estos años de carrera, entre lo más destacado aparece “Barstool Warrior”, “Fall Into Light” , “At Wit’s End” y “Pale Blue Dot”, quizás lo más cercano al Dream Theater de los 90’s, donde el costado melódico/progresivo tiene un alto protagonismo. Por otro lado hay canciones con un momentos más agresivos y rockeros como “Room 137” o “S2N”, a esto súmenle la infaltable balada: “Out Of Reach” (excelente trajo de James LaBrie) y entre lo menos destacado me quedo con los dos temas de inicio, “Untethered Angel”  y “Paralyzed”, parecen rellenos o descartes de otros discos, quizás si los hubiesen puestos separados la sensación sería otra. El bonus es “Viper King”, una canción divertida y algo alejada al material del álbum, pero como bonus queda muy bien, los guiños a Deep Purple le dan un lindo color al tema.  Confieso que con el paso de las escuchas el disco fue sumando puntos y se le puede ir descubriendo muchas cosas. Lo más destacado es el trabajo de John Petrucci, con unos momentos memorables, sobre todo a la hora de los solos. Otro disco de Dream Theater con un  nivel a la altura de su trayectoria, otra cosa no se podía esperar.

 – Puntaje: 8 / 10 –

 

636800465569950567Queensrÿche “The Verdict” ( Century Media Records 2019):  ¿La tercera es la vencida?…parece que Michael Wilton y cía finalmente la pegaron. No les voy a mentir diciéndoles que es un disco que vaya a competir con “Rage For Order” o “Empire” y mucho menos con “Operation: Mindcrime”, estimo que tampoco es la idea de ellos, esto es simplemente acercarse a estas joyas o por lo menos lograr captar la esencia de aquellos años con un disco digno. Sin la voz de Geoff Tate la banda sigue viva, se lamenta su ausencia por supuesto, pero no puedo negar que Todd La Torre viene haciendo un trabajo formidable y aquí lo deja más que asentado (además grabo las baterias). Escuchar canciones como “Man The Machine” o “Propaganda Fashion” no pueden no sacar una sonrisa y esperen la parte final del álbum que comienza con “Bent”, “Inner Unrest”, “Launder The Conscience” y “Portrait”, una mejor que la otra y repasan de una punta a otra lo mejor de Queensrÿche.  Está banda conoció la gloria absoluta y cayó en picada de un envión, hace unos discos que intenta tomar vuelo y creo que con “The Verdict” lo conseguirán. Sin dudarlo afirmo que es el mejor disco de la era La Torre y me animó a decir, lo mejor desde “Promised Land”.

– Puntaje: 9 / 10 – 

 

 

CATS IN SPACE “Daytrip To Narnia” (Harmony Factory / Cargo Records 2019)

430374Nuevamente Cats In Space nos entrega otra maravilla inspirada en el Hard Rock, Power Pop y Pomp Rock de los 70’s, más precisamente del que salió a finales de la década dorada del rock.

“Daytrip To Narnia” no hace mas que reafirmar lo hecho en “Too Many Gods” (2015) y “Scarecrow” (2017), apostando ahora a separar el álbum en un lado A y lado B, con este segundo segmente dedicado a una suite separada en varias canciones bajo el nombre de “The Story Of Johnny Rocket” (el protagonista de la portada).

El único compositor (a veces ayudado por Mick Wilson de 10cc) es el guitarrista Greg Hart quien parece todavía tener mucho para dar, y muestra de esto son las estupendas canciones que reflejan su amor por bandas como Queen, Sweet, Supertramp o ELO.

Y todo lo dicho anteriormente se puede apreciar en canciones como “Narnia” o “She Talks Too Much” con mucho gancho y siempre trayendo a la memoria a las viejas glorias de los 70’s, acá no hay nada que suene fuera de esa década. ¿Quieren más?,  salgan a rockear con “Hologram Man” o vayan al Pop Rock bien trabajado con “Silver And Gold” o “Unicorn”. También hay lugar para cositas más elaboradas como “Tragic Alter Ego” y momentos emotivos como la balada “Chasing Diamonds”.

Párrafo aparte se merece la suite del lado B con “The Story Of Johnny Rocket” que se puede disfrutar de punta a punta y también por separado, ya que cada canción tiene su independencia. En pocas palabras le resumo la suite: “Space Overture” intro tradicional con cuerdas y toda la pompa necesaria, “Johnny Rocket” presenta un efectivo Hard/Pomp, “Thunder In The Night” sorprende con su disco pop , “One Small Step” brilla por el trabajo vocal del sexteto, “Twilight” es ELO bañada de Pomp Rock, “Yesterday’s News” es el momento de calma y melancolía y el cierre con “Destination Unknown”, mostrando un Pop del que ya no se hace.

Se va el tercero….los Gatos del Espacio siguen con las uñas afiladas. No quiero caer en un frase común, pero háganme caso, no lo dejen pasar.

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

Magnum – “Live At The Symphony Hall” (Steamhammer / SPV 2019)

magnum cdMagnum nos entrega “Live At The Symphony Hall”, un nuevo disco en vivo, en esta oportunidad en formato de 2 cd’s (el último doble en vivo fue “Wings Of Heaven-Live” del 2008) y mostrando claramente el presente del grupo y plasmando la presentación del hasta ahora último disco de estudio “Lost On The Road To Eternity”.

La cita tuvo lugar el 19 de abril en el Symphony Hall de Birmingham y tuvo como invitado especial a Tobias Sammet (Edguy, Avantasia) para cantar la canción que grabo y da nombre a la última obra de estudio.

El show no tiene fisuras y va recorriendo canción a canción el mágico repertorio de Magnum, con una primera parte basada en canciones de los últimos tiempos como “When We Were Younger”, “Crazy Old Mothers” o “Without Love” por citar algunas y para la segunda mitad comienzan a asomar los clásicos inoxidables como “How Far Jerusalem”, “Les Morts Dansant” o “Vigilante”. La fruta del postre pasa por una versión estupenda de “Don’t Wake The Lion (Too Old To Die Young)”, aquella épica canción que cerraba el exitoso “Wings Of Heaven” de 1988.

Hace muchos años que los discos en vivo han dejado de sorprender y mostrar fielmente lo que suena una banda en vivo, no les voy a mentir diciendo que éste es la excepción, pero refleja casi fielmente lo que es Magnum en vivo en la actualidad, una banda potente, melódica y por sobre todo única.

– PUNTAJE: 8 / 10 –

 

Steve Hackett “At The Edge Of Light” (Inside Out Music 2019)

Press_Cover_01Steve Hackett edita “At the Edge of Light”, ésta es una obra que basa su temática en un concepto comprometido con una época donde los músicos son motivados por causas nobles y se suman a los pedidos de toma de conciencia de las crisis humanitarias, ecológicas y bélicas que conmueven al planeta.

Según comenta el mismo Steve Hackett, la obra lo conecta con el mundo porque aludiendo al surgimiento de la extrema derecha en el planeta, hace un llamado a la unidad de los seres humanos para lograr el bienestar general, especialmente el de los países más necesitados, con una visión optimista pese a la crítica situación que afronta la sociedad, resumido este concepto en el título que da nombre al álbum, en el límite de la luz. En relación con su música, también comenta que más que un álbum conceptual es un reflejo de energías, no tiene momentos acústicos y el rock se desarrolla en un sentido más amplio, experimenta con instrumentos étnicos y su sonoridad es esencialmente británica inspirada en fuentes extranjeras.

La obra es de una destacada producción, motivada en gran parte por los músicos invitados que han desplegado su profesionalismo y el uso de los mencionados instrumentos étnicos a lo largo de los temas, Steve como es típico en su forma de trabajo creativo, mezcla estilos en cada tramo con el apoyo también habitual de su esposa Jo para la composición, su hermano John Hackett y Roger King.

Los músicos invitados son: Gulli Briem – batería, percusion, Dick Driver – doble bajo, Benedict Fenner – teclados y programación, John Hackett – flauta, Roger King – teclados, programación y arreglos orquestales, Amanda Lehmann – vocalista, Durga McBroom – vocalista, Lorelei McBroom – vocalista, Malik Mansurov – tar, Sheema Mukherjee – sitar, Gary O’Toole – batería,
Simon Phillips – batería, Jonas Reingold – bajo, Paul Stillwell – didgeridoo, Christine Townsend – violín, viola, Rob Townsend – saxo tenor, flauta, duduk, bajo, clarinete, Nick D’Virgilio – batería, y lógicamente Steve Hackett – guitarras acústica y eléctrica, 12 cuerdas, dobro, bajo, armónica, vocalista.

La obra abre con una corta pieza instrumental, “Fallen Walls and Pedestals” en una modalidad de puente que conecta con el segundo tema, “Beasts in your Time” que a través del enlace deriva en otro tiempo y estilo, sinfónico, vocalizado por Steve Hackett con importante entrada de vientos en saxo y flauta, rotando a un tramo rockero más oscuro llevado por la guitarra. “Under the Eye of the Sun” es un tema ligero, con realzado coro colectivo y el uso de instrumentos autóctonos, guitarras y teclados. “Underground Railroad” destaca los distintos vocalistas invitados con bellas incursiones individuales y en coros, de estilo étnico, con tintes folk y hermosas voces en estilo gospel logrando uno de los mejores momentos del álbum, no menos que “Those Golden Wings” un maravilloso tramo que brilla en sus arreglos orquestales, sinfónico en voces y majestuosos coros, convirtiéndose en el temas más emotivo ya que relata en la lírica una canción de amor inspirada en una historia de Steve y su esposa Jo. “Shadow and Flame”, es un tema de estilo definitivamente indio, étnico, en sitar con una clara fusión de música tradicional y contemporánea, motivado por un viaje de Steve a la India y la forma particular de concebir la muerte en esa cultura. “Hungry Years” es quizá el tema menos comprometido del álbum, ligero, de tramos corales e individualizados que despliega un optimisto que hace un marcado contraste con la trilogía final, donde Steve Hackett hace su manifiesto en los tres temas que originan el tema de fondo de la obra, comenzando por “Descent” que desarrolla una marcha bélica de atmósfera tenebrosa, totalmente instrumental, “Conflict” se adentra aún más en el clima previo de forma más dramática, instrumental igualmente con destacada guitarra, cerrando con “Peace” en piano y voz, coros sinfónicos y colectivos y plena instrumentación en el mensaje final, reflexivo e idealista por un mundo mejor.

El arte de portada pertenece a los artistas Maurizio y Ange La Vicedomini, una hermosa composición que ilustra explícitamente el espíritu de la obra.

– PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú