Jinetes Negros “Definitiva Mente” (Viajero Inmóvil Records 2017)

JN DMHoy nos toca el grato honor de presentar el nuevo trabajo de la genial banda argentina Jinetes Negros, el álbum conceptual titulado “Definitiva Mente”. El ensamble conformado por Marcelo Ezcurra [voz y guitarras], Octavio Stampalia [teclados y coros], Ricardo Penney [batería y coros], Pablo Robotti [guitarras] e Hipólito Courvoisier [bajo y voz] se ha lucido a lo grande en esta nueva dimensión de mágica grandilocuencia progresiva donde los han instalado su bandera. Una heroica subida a una nueva cima de la montaña de la música, ésta es la cosecha recogida en el repertorio de “Definitiva Mente”. Colaboradores ocasionales del quinteto que ahora nos ocupa han sido el baterista Christian Colaizzo, los bajistas Marcelo Vaccaro y Guido Stampalia, el saxofonista Gabriel Di Mario, y los vocalistas Maxi Trusso, Charly Moreno, Lucas Pagano y Miguel Zabaleta. La estructura de “Definitiva Mente” se ha armado como una ópera-rock progresiva, siendo el hilo temático de su núcleo conceptual el paso por diversas fases del desarrollo emocional y las diversas escalas del autodescubrimiento hasta llegar a una culminación inapelable. Más específicamente, se trata de un largo y denso viaje interior que realiza El Jinete Negro – personaje que ha acompañado a las canciones de todos los álbumes anteriores de la banda – para toparse sucesivamente con El Destino (todo está escrito en el fatum y nada podrá torcerlo) y El Libre Albedrío (es la propia voluntad quien forja la vida a ser vivida). Estas contrapartes causan una fuerte incertidumbre en el espíritu del Jinete que le hunden en La Angustia por un tiempo, aunque luego decide salir de ella para ir habitando momentáneamente en La Culpa, La Euforia, La Locura y El Amor como si fuesen posadas de tránsito. La última cabalgata del Jinete le lleva a su final enfrentamiento con El Tiempo, que resulta ser su propio Ego: el enfrentamiento se traduce en una batalla donde El Tiempo colapsa sobre sí mismo. He aquí una peculiar victoria del Jinete, quien obtiene un estado de trascendencia e iluminación: ¿es este estado su propia muerte o la vivencia realizada de una conciencia plena? – que lo dedica el oyente de turno.

Del quinteto que grabó el disco anterior “Tawa Sarira” (el cual data del año 2013) quedan Ezcurra, Stampalia y Ricardo Penney: el proceso de gestación, producción, grabación y edición de “Definitiva Mente” ha sido bastante largo, pero ya es una realidad concreta merced a los oficios del sello Viajero Inmóvil desde la última semana del pasado mes de agosto.

Yendo de una buena vez a los detalles del repertorio, comenzamos con los primeros 5 ¼ minutos del disco que están ocupados por ‘El Túnel Del Destino’, una canción que de entrada nos desafía con su ambientación rockeramente maciza que se articulan a través de una ingeniería introspectiva: así las cosas, los espacios que se abren para las capas y orquestaciones de teclado ayudan a realzar el inspirado esquema lírico de su desarrollo temático. El minúsculo prólogo cósmico y la estratégica presencia de algunos pasajes lentos son esenciales para completar debidamente la atmósfera central. Tras el fastuoso cierre de esta cautivadora canción inicial llega el turno de ‘Las Puertas De la Voluntad’, pieza de corte bucólico que sirve para que la reinante aureola de introspección se derive hacia una dimensión más calmada… e incluso autoafirmativa, optimista. Cerca del final, los arreglos orquestales y de piano completan un hermoso retazo sinfónico. Con la dupla de ‘Dos Caras’ y ‘Decidir’, el ensamble se dispone a orientar sus estrategias creativas hacia sanas ampliaciones de espiritualidades y atmósferas. En efecto, ‘Dos Caras’ instala recursos expresivos de vigor rockero bajo un convincentemente sofisticado esquema progresivo, valiéndose de una letra que alterna momentos de urgencia con otros de placidez. La inclusión de factores arábigos en el multicolor desarrollo temático es manejada con enorme ingenio. Aquí se siente un extraño híbrido de Karmakanic, EL &P y Genesis de la etapa 76-78, aunque siempre con el sello personal que el personal de Jinetes Negros  viene madurando desde siempre. Por su parte, ‘Decidir’ se explaya en un esbozo reflexivo y calmado que hasta cierto punto coquetea con estándares del folk-rock, pero el fulgor progresivo se hace notar fuertemente en ciertos detalles sobriamente complejos del desarrollo del groove en clave fusionesca y en la presencia de algunos pasajes extrovertidos marcados por un estilizado fragor rockero.

‘El Cuerpo De La Angustia’ regresa al relajado intimismo de ‘Las Puertas De La Voluntad’ pero esta vez con un retrato de vulnerable melancolía. Las florituras de piano que ilustran varios parajes del desarrollo temático están entre lo más mágico de todo el álbum, y lo mismo vale para algunos retazos orquestales que también entran a tallar en algunos momentos. ‘Laberinto Del Deseo’ se suelta animosamente sobre terrenos jazz-progresivos con un lirismo delicado que nos recuerda abiertamente a los estándares de Serú Girán y Spinetta-Jade, aunque también notamos algunos matices Yessianos en algunos arreglos de guitarra. Una canción muy bella que estimula vibraciones positivas en un clima de envolvente serenidad. ‘El Diván De La Culpa’ recoge en buena medida el impulso lírico de la canción precedente y le da un filo más aguerrido: esta vez hay un sano equilibrio entre los etéreos pasajes de talante sinfónico y los otros más guerreros donde el estándar del rock duro impone su ley. Las alternancias de los solos de guitarra y órgano son manejadas con el suficiente buen criterio como para dejar que el aspecto fiero de esta canción sepa enriquecerse del vitalismo melódico en curso. La sección final termina con un aire ceremonioso al cual le hará abierto contraste el dinamismo contundente de ‘El Parque De La Euforia’, una canción de núcleo pop-rockero que brinda una sana dosis de aire fresco. De todas maneras, algunos trucos de sobria sofisticación en el interludio instrumental permiten a ‘El Parque De La Euforia’ también alzar su propio vuelo de euforia musical. ‘Molino De Locura’ se orienta hacia un groove blues-rockero para la instalación de su esquema melódico, lo cual se traduce en una atmósfera amable revestida de un vigor preciosista donde los instrumentos dialogantes llenan espacios a todo dar; esta espiritualidad envolvente se ahonda con especial conmoción con el arribo de ‘Retrato Del Amor’, balada sinfónica signada por una romántica intensidad que hace de la fragilidad la clave de su fuerza de carácter, por paradójico que pueda sonar. El piano dirige el desarrollo temático con aires Wakemanianos mientras el saxo entra en acción como un acicate de las vibraciones melódicas en curso.

Tras haber utilizado la secuencia de las dos canciones precedentes para reforzar esta atmósfera de creciente intimismo, el grupo se hace cargo de volver a agitar las cosas con ‘La Última Cabalgata’. Aquí tenemos un nuevo ejercicio de electrizante nervio rockero en un contexto progresivo: tremendamente compacta es la impecable armazón entre el brío del grupo y los elementos orquestales. Además, se trata de una canción con enorme gancho de por sí. Nos vamos acercando al final del disco cuando nos topamos con la dupla de ‘Memorias Del Camino’ y ‘El Altar Del Tiempo’. La primera de estas canciones ostenta un clima sigiloso cuyas claves melódicas reposan en las diversas vibraciones orquestales que salen al paso, mientras que la segunda se explaya en aires extrovertidos y empujes fulgurosos por vía de una estrategia hard-progresiva – casi bordeando con estándares del prog-metal –, con lo cual la dinámica sonora parece enfilarse hacia un canto final de victoria. El clamor “¡Soy el tiempo que te atrapó!” deja una huella permanente durante la elaboración del clímax conclusivo (con arreglo coral y todo). ‘Redención’ cierra el repertorio como un soplo de sublime solemnidad a través de un encantador retrato sonoro plasmado al unísono por el piano y la orquestación. Mientras avanza el crescendo se afianza una reflexión final desde donde se pretende retomar, revisar y sintetizar todo el cúmulo de ideas e inquietudes que se habían mostrado en la serie de las 13 piezas precedentes.

Así termina el concepto de “Definitiva Mente”, una obra monumental que no solo significa un nuevo cénit dentro de la obra viviente de Jinetes Negros sino que también encarna un momento cumbre dentro del perpetuo sueño de la tradición progresiva sinfónica Argentina de ayer y hoy. Es una maravilla este disco, un apogeo definitivo dentro del ideario artístico de la banda, por lo que solo nos queda decir lo obvio: la inclusión de “Definitiva Mente” en cualquier colección medianamente buena de art-rock es recomendada al 200%.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: César Inca Mendoza Loyola

 

Anuncios

Threshold “Legends Of The Shires” (Nuclear Blast 2017)

Threshold - Legends Of The Shires - ArtworkUna de las agrupaciones más veteranas de la escena del metal progresivo es Threshold, la banda inglesa que a principios de los 90’s desde Inglaterra asomaron la cabeza para decir “acá estamos” con un disco debut formidable como lo es “Wounded Land” y de ahí en más no pararon hasta el día de la fecha.

Hoy tenemos ante nosotros su primer disco doble y conceptual “Legends Of The Shires” (un disco muy político que trata además como el Reino Unido se inserto en Europa, entre otros temas), un álbum que marca un cambio importante (nuevamente) en la banda. Luego de la muerte de Andrew “Mac” McDermott (2011), fueron a la búsqueda de su primer cantante, el fenomenal Damian Wilson (Wakeman, Headspace), quien acompaño al grupo dejando dos discos estupendos en esta tercera etapa con Threshold, ya que grabo el primer álbum, se fue, volvió para el tercero y reapareció en el año 2012.

Todo hacía pensar que el nuevo material del grupo tendría a Wilson como vocalista, pero comunicado de por medio, se anunció que era despedido del grupo. Luego se comunico el regreso de su segundo vocalista Glynn Morgan quien grabo en 1994 el disco “Psychedelicatessen”. No solo volvió al grupo sino que tuvo que regrabar todas las voces del álbum que ya habían sido grabadas por Wilson….

El álbum esta dividido en dos partes “The Shire Part 1 y 2”. El balance en lo musical es perfecto, tiene todos los ingredientes clásicos del grupo, con la guitarra de Karl Groom al frente deleitándonos con esos riffs asesinos y los teclados de Richard West que en esta oportunidad obtienen un papel más protagónico que en el pasado. La base de Steve Anderson (bajo) y Johanne James (bateria) es un muro, la precisión de éste último sigue sorprendiendo. Y la incógnita de todo esto es como se adaptaría Glynn Morgan nuevamente al grupo, y la verdad que desde el comienzo no solo deja en claro que su voz está intacta, sino que además se lo escucha más suelto que en aquel disco del 94′.

Elegir algunas pocas canciones para destacar es realmente muy difícil, pero haré el intento. En la primera parte pueden empezar por  “Small Dark Lines”, sencillamente te pasa por encima y te deja un estribillo memorable. “The Man Who Saw Through Time” es la pieza más extensa de la primera parte, donde aparece el Threshold más elaborado trayendo el espíritu sinfónico del debut. “Stars And Satellites” muestra el enfoque melódico y experimental, donde reluce la influencia Floydiana sobre todo cuando Groom despliega su solo.

Repitiendo melodías vamos a la segunda parte, “The Shire (Part. II)”  tiene un comienzo acústico y la voz de Glynn Morgan dejando en claro que esta para reemplazar a Damian Wilson sin problemas. “Snowblind” es otra canción que recuerda a la era Mac, donde el metal, lo melódico y progresivo estaban en dosis justas y tenían un resultado para sacarse el sombrero. El disco en lineas generales tiene mucho de ese periodo del grupo sobre todo del que va desde “Hypothetical” hasta “Subsurface”. Siguiendo con las canciones se toparán con “State Of Independence” una emotiva balada en la linea de “Falling Away” del estupendo “Critical Mass” y la suite épica es “Lost In Translation”, marcando así dos facetas diferentes de Threshold, por las que a mí personalmente siempre me compraron.

Como dije previamente, es difícil hablar de este disco nombrando solo unas pocas canciones, ya que las catorce composiciones son muy parejas, hay variedad y por sobre todo no aburre, Threshold nunca fue una banda muy pretenciosa y siempre se aferro a lo que mejor saben hacer. En está ocasión dieron en el clavo y no tengo dudas que estamos presente ante uno de sus mejores trabajos.

 – PUNTAJE: 10 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Kee Of Hearts “Kee Of Hearts” (Frontiers Records 2017)

KOHHacía bastante que Frontiers Records no la pegaba con un proyecto. Creo que Kee Of Hearts es de lo mejor que hizo el sello, unió a la voz de Fair Warning, el fenomenal Tommy Heart y por otro lado invito al ex guitarrista de Europe Kee Marcello. Además de contar con Ken Sandin de Alien en el bajo y al italiano Marco Di Salvia en bateria. Los teclados como la grabación, la mezcla y producción corrieron a cargo de Alessandro Del Vecchio (¡no podría ser de otra manera!).

El debut de Kee of Hearts es tan directo y accesible como atrapante, puro hard rock melódico, ¿suena a Fair Warning? por supuesto y al viejo de sus primeros álbumes que te volvaban la cabeza. ¿Suena a Europe? , hay guiños al querido “Prisioners In Paradise” donde Marcello reemplazo a John Norum y lo hizo a la perfección. Pero también hay mucho rock AOR americano con Journey, Giant o Survivor como referentes.

Desde el inicio con “The Storm” queda claro el camino de esta banda que tiene pinta de ir por mas y no quedar en un simple proyecto. Bases potentes, guitarras en primer plano y la voz de Tommy Heart brillando ante cada intervención.

Mi preferida de entrada es “New Dimension” , uno de los cortes del álbum, tiempo cansino y a la vez muy ganchero con unas lineas melódicas sublimes, que recuerdan a Royal Hunt en comienzos.

“Crimson Dawn” es otro golpe al mentón, con un estribillo adictivo y unas intervenciones de Kee Marcello que demuestran su estilo único. Una pieza de hard rock melódico muy bien trabajada.

En “Bridge To Heaven” se nota la influencia de Journey de principio a fin, una canción que suena aguerrida con la voz de Heart pero que tranquilamente Schon y cía la pudieron haber incluido en “Arrival”.

Más hard rock tendrán con “Stranded”, riff guitarrero y teclados al frente, una canción dinámica y que fluje sin dejar nada perdido. El estribillo y los coros nuevamente para aplaudir de pie.

Con “Mama Don’t Cry”  reaparece el AOR y la clase de estos veteranos del estilo, una letra y estribillo tan obvia como efectiva.  Lo mismo pasa con “Invicible”, aunque dentro del material en conjunto pasa desapercibida, le falta madurar aún.

En “S.O.S” la banda levanta el nivel con una gran demostración de AOR europeo al igual que en “Edge Of Paradise”, otro de los picos altos del disco.

En el tramo final nos topamos con “Twist Of Fate” , otra composición con la marca registrada del sello , por lo que les sonará a los millones de proyectos y bandas que lanzó el sello como las que produjo Del Vecchio. 

El cierre está a cargo de la veloz  y rockera “Learn To Live Again”, para darle un final feliz a este disco debut que no defraudo. Dieron lo que se esperaba y el resultado es positivo, sobre todo para aquellos fans de Fair Warning que vienen con discos muy flojos y para los que gustan del Europe de Marcello sin dudas es “el” disco que deben tener en sus casas.

–  PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

Jerry Sahlin (A.C.T): “Estoy trabajando en cinco nuevas canciones de A.C.T en este momento”

_MG_0697.jpg

HAY BANDAS QUE NO PUEDEN CATALOGARSE, QUE VAN MÁS ALLÁ DE UN ESTILO Y ENTRE ELLAS ESTA A.C.T, UNA DE LAS AGRUPACIONES SUECAS SURGIDAS EN LOS 90’S QUE LOGRO CAPTAR A UN PÚBLICO QUE VA DESDE EL ROCK PROGRESIVO, PASANDO POR EL POP Y LLEGANDO AL METAL. PARA CONOCER EL ESTADO ACTUAL DEL GRUPO NOS COMUNICAMOS CON SU TECLADISTA JERRY SAHLIN, QUIEN NOS CUENTA QUE SE VIENE. HABLAMOS UN POCO DEL PASADO Y DE LAS INFLUENCIAS QUE MARCARON SU CARRERA MUSICAL.

RP – Hola Jerry. Para empezar, me gustaría saber lo que estás haciendo en estos días? ¿Ya estás trabajando en el sucesor de “Circus Pandemonium”? ¿Algo que puedas adelantarnos?

Hola Diego!
Estoy trabajando en cinco nuevas canciones de A.C.T en este momento. Clics de pistas para Thomas Lejon que estará yendo al estudio para grabar baterías de estas canciones en el mes de Septiembre.

RP – El último material publicado fue el CD y DVD en vivo “Trifles and Pandemonium”. Un material muy particular ya que no fue grabado con una audiencia. ¿Por qué eligieron grabarlo de esta manera?

Queríamos hacerlo más como una película en lugar de la cosa regular de Live / dvd que todos los demás están haciendo. Hacer algo así requiere tiempo. Habríamos aburrido a la audiencia hasta la muerte cuando el equipo de la grabación intentará filmar los diferentes ángulos entre canciones. También quisimos respetar las canciones , así que tuvimos que tocar algunas  como 4 veces para llegar a un resultado apropiado y no tener que recortarlas.Quiero un DVD en vivo para ser un DVD EN VIVO. Estamos muy orgullosos del resultado. Es el  proyecto más ambicioso que hicimos hasta ahora, junto con el documental

RP – Entre “Silence” y “Circus Pandemonium” han pasado varios años. ¿Por qué se dio ese parate y qué estuvieron haciendo en el plano musical?

Bueno … Supongo que necesitábamos un descanso después de un duro período de gira, escribir, reuniones, etc. Si puedo hablar por mí mismo, tuve mi primer hijo y tan pronto como nació me fui en una gira y eso me hizo pensar en las prioridades de la vida. Así que elegí a mi familia por un par de años y estoy contento de haberlo hecho. Thomas se mantuvo ocupado con su otra banda Andromeda, Ola comenzó un pequeño proyecto con nuestro ex batería Tomas Elandsson y grabó un álbum y Herman canto en musicales durante este período. Poco a poco comenzó a escribir nuevas canciones después de un tiempo que eventualmente llevó al álbum “Circus…”.

RP – Eres el compositor principal de A.C.T. ¿Cuál crees que fue el pico máximo en la carrera de la banda?

Nuestro etapa más intensa fue después del álbum “Last Epic” y la gira que siguió. Musicalmente diría que es “Circus Pandemonium” porque me encanta todo el ambiente de ese álbum. Si me haces la misma pregunta pero después del siguiente álbum, yo diría que AHORA es nuestro pico máximo. Jaja

RP – ¿Cuál es tu forma de trabajar en el momento de escribir letras y música?

Trabajamos así, escribo las canciones y compongo letras sin sentido, las grabo y las envío a los otros chicos para escribir las letras apropiadas, generalmente Herman y Ola son los que hacen las letras, pero en estas nuevas canciones en las que estamos trabajando en este momento, en realidad he escrito todas las letras yo mismo. Es difícil describir cómo serán las canciones porque varían de una a otra. Algunas salen rápidamente como “Cat Eyes” del primer álbum, me llegó ni bien leí una hoja de letra que Tomas Erlandsson había escrito un par de años antes.  Termine de cantar la melodía al mismo tiempo que leía la letra, fui directamente a mi estudio y empecé a tocar los acordes y eso fue todo!
Otras canciones pueden ser una pesadilla para terminarlas. Puede tomar semanas, meses para encontrar el coro o el verso o lo que sea.

_MG_0427.jpg

RP – Los álbumes cuentan historias muy particulares. ¿Cómo nacen estas ideas? ¿Las debatís con la banda o son tus creaciones?

Ambas cosas, a uno de nosotros se le ocurre un concepto y luego empezamos a debatirlo… (mucho). Nos gusta trabajar con diferentes tipos de personajes por lo que siempre estamos seguros de elegir un concepto que involucre una imagen más global para que no nos encerremos en una esquina con una historia una semana entera. Queremos que nuestras historias sean amplias para que podamos jugar alrededor del concepto como “Personalities”, “Relationships”, “Consequences” o un edificio con muchos personajes como en “Last Epic” y finalmente un Circo como en “Circus Pandemonium”. Todos han sido muy divertidas de hacer.

RP – Herman es un excelente cantante pero vos también. ¿Alguna vez pensaste en lanzar un álbum como solista y ser la voz principal?

Gracias por decir eso. Bien … sí, supongo que me ha venido a la mente, pero me encanta la variedad de tener tres vocalistas en una banda para dar al sonido diferentes sabores.

RP – Estuviste en gira con Saga una banda que los influenció. ¿Con qué otra banda te gustaría tocar?

mmm .. nunca he pensado en eso pero abrir para E.L.O sería agradable jeje

RP – Sé que eres un gran fan de E.L.O y Jeff Lynne. ¿Qué te pareció su regreso y el nuevo álbum “Alone In The Universe”?

Me puse histérico cuando escuché por primera vez la noticia de que Jeff Lynne iría de gira y compré un boleto en el acto. Los ví en el concierto de Hyde Park en 2014 en Londres y me quedé impresionado. Fue un sueño hecho realidad ver a Jeff y escuchar esas increíbles canciones tocando frente a 30 000 personas. Hay algunas grandes canciones en el álbum “Universe..”, pero no lo pondría en contra de “Out Of The Blue” y “Time”, pero estoy tan feliz de que Jeff finalmente obtenga el debido respeto por lo que ha logrado a través de los años como compositor, productor y cantante.

RP – Para aquellos que descubren ACT y quieren saber qué bandas los han influido. ¿Qué álbumes recomendarías para escuchar?

Si pienso en otros álbumes diría: City Boy “The Day The Earth Caught Fire”, ELO “Time”, Big Money “Moonraker”, Jellyfish “Spilt Milk”, Rush “Permanent Waves” y Saga “Silent Kinght”.

RP – En los últimos años aparecieron bandas como Jono o Cats in Space que también tienen influencias de bandas como Queen, Supertramp o City Boy ¿Los escuchaste? ¿Qué te parecieron?

No he escuchado mucho en realidad, pero he oído algo de Jono y creo que es muy bueno! Me encanta el vocalista, me recuerda un poco al cantante principal de Styx, Dennis DeYoung y un poco de Ola Salo del grupo The Ark en su expresión.

RP – La música de la banda tiene influencias de bandas de los años 70’s y 80’s, pero siempre suenan como una banda actual. Lo que me hace pensar que escuchas a las nuevas bandas que están surgiendo. ¿Tenés alguna recomendación?

Hmm .. difícil .. bueno, yo diría que una banda sueca llamada Nurse. Han hecho un álbum fabuloso donde juegan con diferentes estilos de música y tienen un gran vocalista.

RP – Para finalizar ¿podrías definir en pocas palabras cada álbum de la banda?

“Today’s Report”: éramos muy jóvenes y hambrientos y queríamos hacer todo en cada canción y por eso me encanta. Todavía tocamos muchas de esas canciones en vivo hoy.

“Imaginary Friends”: un favorito personal porque hemos experimentado mucho en éste. Me encantan las canciones pero odio la mezcla por desgracia ..

“Last Epic”: Probablemente nuestro álbum más famoso con canciones como “Mr.Landlord” y “Ted’s Ballad”. Trabajamos día y noche durante estas sesiones de estudio para hacer las cosas bien, para obtener fluidez a través del álbum.

“Silence”: Aquí decidimos probar algo nuevo. Reducimos un poco nuestras canciones y tratamos de llegar a una audiencia más grande con una forma y estructura “más directa”. Nos encanta la segunda mitad del álbum. Todavía pienso hasta el día de hoy que el concepto es uno de nuestros mejores trabajos con “Joanna”, “A Wound That Wont Heal” y “The Diary” etc.

“Circus Pandemonium”: Creo que todo en este “regreso” es genial. Las canciones, la musicalidad, la producción es genial. Trabajamos de otra manera en este caso. No habíamos ensayado las canciones antes de que la grabásemos, así que fue una sorpresa muy genial escuchar lo que todos los chicos de la banda habían inventado, arreglar con sabiduría. Me encanta.

RP –  ¡Gracias Jerry! Fue un honor para Rock & Prog. Por favor, deja un mensaje para sus fans en Argentina.

Muchas gracias. Nos encantaría ir a tocar para ustedes allí ¡Invítenos a continuación y vamos a ir!

Entrevista: Diego Gonzalez

Fotos: Henrik Hansson

Interview: JERRY SAHLIN (A.C.T)

– Hi Jerry ! To begin I would like to know what you are doing these days? Are you already working on the successor to “Circus Pandemonium? Something that you can ahead ?

Hi Diego!
I’m working on five new A.C.T songs at the moment. Click tracks for Thomas Lejon because he is heading to a studio to record drums for those songs in september.

– The last material released was cd and dvd live “Trifles and Pandemonium”. A very particular material that was not recorded with an audience. Why did you choose to record it this way?

We wanted to do it more like a movie instead of the regular Live/dvd thing that everybody else are doing. To do something like that takes time. we would have bored the audience to death when the film crew kept changing angles between songs.Also we wanted to give the songs the proper respect so we had to play some of those songs like 4 times just to get them right without have to overdub anything afterwards. I want a Live DVD to be a LIVE DVD. We are extremely proud over the result. Its THE most ambitus project so far with the Documentary and all that as well.

– Between “Silence” and “Circus Pandemonium” several years have passed. Why did you stop and what were you doing on the musical plane?

Well..I guess we needed a break after a hard period of touring, writing, meetings etc. If I can speak for myself, I got my first child and as soon as he was born I went away on a tour and that made me think of the priorities in life. So I chose my family for a couple of years and I’m happy that I did. Thomas kept himself busy with his other band Andromeda, Ola started a little project with our former drummer Tomas Elandsson and recorded an album and Herman played in musicals during this period. I slowly started to write new songs after a while that eventually led to the Circus album.

– You are the main composer of A.C.T. What do you think was the maximum peak in the band’s career?

Our most intense period was after the Last Epic album and the tour that followed. Musically I would say Circus Pandemonium because I just love the whole vibe of that album. If you’ll ask me the same question after the next album I would have said NOWs our peak. haha

– What is your way of working at the time of writing lyrics and music?

We work like this, I write the songs and make up nonsens lyrics and record them and send them to the other guys to write proper lyrics, usually Herman and Ola who does the lyrics. But on these new songs that we are working on at the moment , I actually have written all of the lyrics as well. Its hard to describe how I come up with songs because it varies from song to song. Some songs comes quickly like “Cat eyes” from the first album came at the spot when I read a lyric sheet that Tomas Erlandsson had written a couple of years earlier. I just sang out the melody at the same time as I read the lyrics. I went straight into my studio and started to play out the chords and that was it! Other songs can be a nightmare to finish off. It can take weeks, months to find THE chorus or verse or what ever.

– The albums tell very particular stories. How are these ideas born? Are you debating with the band or are your creations?

Both ways.. One of us comes up with a concept and then we start to debate…a lot. We like to work with different kinds of characters so we are always shure to pick a concept that involves a bigger picture so we don’t get locked in a corner with a thin, week story with just one tiny storyline. We want our storys to be wide so we can play around the concept a lot like “Personalities”, “Relationships”, “Consequences”, a building with a lot of characters on “Last epic” and finally a Circus on “Circus Pandemonium”. They were all great fun to fool around with.

– Herman is an excellent singer but you are too! Did you ever think to release an album as a soloist and be the lead vocal?

Thank you for saying so. well..yeah I guess that have come in mind but I love the variety to have three lead vocalists in a band to give the sound different flavours.

– You were on tour with “Saga” an influence band to you. With what other band would you like to play?

hm..I have never thought about that but to open for ELO would have been nice hehe

– I know you’re a big fan of E.L.O and Jeff Lynne. What did you think of their return and the new album “Alone in the Universe”?

I became hysterical when I first heard the news that Jeff Lynne would go on tour and I bought a ticket on the spot. I saw them at the Hyde park gig in 2014 in London and I was just blown away. It was a dream come true to see Jeff and hear those incredible songs played in front of 30 000 people. There are some great songs on the “Universe” album but I wouldn’t put it up against “Out of the blue” and “Time” but I’m just so happy that Jeff finally get the proper respect for what he has accomplished thru out the years as a songwriter,producer and singer.

– For those who discover ACT and want to know which bands have influenced you. What albums do you recommend listening?

If you are thinking of other artists albums I would say.. City Boy The day the earth caught fire, ELO “Time”, Big Money “Moonraker”, Jellyfish “Spilt milk”, Rush “Permanent waves”, Saga “Silent knight”

– In recent years appeared bands like “Jono” or “Cats in Space”. They also have influences from bands like Queen, Supertramp or City Boy Did you hear them? What do you think?

I haven’t listened that much actually but I have heard some “Jono” and I think its great stuff! I love the vocalist. He reminds me a bit of the lead singer in Styx, Dennis DeYoung and a bit of Ola Salo in The Ark in his expression.

– The band’s music has influences from bands from the 70’s and 80’s always sound like a current band. Which makes me think that you listen to the new bands that are emerging. Do you have any recommendations?

hmm.. tough one.. well, I would say a Swedish band called “Nurse”. They have made a fabulous album where they play around with different styles of music. Great vocalist!

– To the end, could you define in a few words each album of the band?

Todays report : We were very young and hungry and wanted to do everything in every song and that’s why I love it. We still play a lot of those songs live today.

Imaginary friends: A personal favourite because we experimented ALOT on this one. Love the songs but hate the mix unfortunately..

Last Epic: Probably our most famous album with songs like “Mr.Landlord” and “Teds ballad”. We worked day and night during these studio sessions to get it right, to get the flow thru the album.

Silence: We decided to try something new. We trimmed down our songs a bit and tried to reach a bigger audience with a more “direct” form and structure. We love the second half of the album. I still think to this day that the concept piece is one of our best work with “Joanna”, “A wound that wont heal” and “The diary” etc.

Circus Pandemonium: I think that everything on this “come back”album is great. The songs, The musicianship, The production is cool. We worked in another way on this one. We hadn’t rehearse the songs before we recorded it so it was a very very cool surprise to hear what every guy in the band had come up with, arrange wise. I love it.

– Thanks Jerry ! It was a honor for Rock & Prog. Please, leave a message for your fans in Argentina.

Thank you very much. We would have loved to come and play for you in the future. Invite us over then we’ll come!

Interview: Diego Gonzalez

Photos: Henrik Hansson

Nuevo disco de Jeff Scott Soto en Noviembre

JSS retr cover HI

El 10 de Noviembre Frontiers Records estará editando el sexto disco de Jeff Scott Soto que llevará el nombre de “Retribution”con canciones que escribió junto con Howie Simon su compañero en Talisman.

“RETRIBUTION”
1. Retribution
2. Inside/Outside
3. Rage Of The Year
4. Reign Again
5. Feels Like Forever
6. Last Time
7. Bullet For My Baby
8. Song For Joey
9. Breakout
10. Dedicate To You
11. Autumn

 

Jethro Tull “The String Quartets” (Bertelsmann Music Group 2017)

string-quartets-largeIAN ANDERSON revisa algunas joyas clásicas – y otras un poco más escondidas – del repertorio de la inolvidable banda JETHRO TULL con este disco titulado “Jethro Tull – The String Quartets”. Trabajando al alimón con el el teclista John O’Hara (miembro de la banda de IAN así como de JETHRO TULL en sus últimos años), la idea de hacer un disco así estaba siendo debatida y planteada por un tiempo hasta que al final llegó a su concreción definitiva. El repertorio del disco incluye clásicos absolutos del catálogo de JETHRO TULL así como un par de rarezas; con sus giras orquestales, IAN ANDERSON ya tenía en mente un borrador completo del tipo de material que podía ser incluido en el disco. Los protagonistas de este disco que tenemos en nuestras manos son los integrantes de The Carducci Quartet: los violinistas Matthew Denton y Michelle Fleming, el violista Eoin Schmidt-Martin y la cellista Emma Denton. ANDERSON les agradece su pasión y dedicación al proyecto… ¡así como que no tuviese que gastar mucho en pagarles su almuerzos porque casi siempre traían ellos sus bocadillos consigo! El material básico fue grabado en la cripta de la Catedral de Worcester y en la Iglesia de St. Kenelm de Sapperton (Gloucestershire), con unas sobremezclas ulteriores hechas en el estudio hogareño del propio ANDERSON. El mencionado frontman extraordinaire agradece a O’Hara todo el esfuerzo conceptual y físico que invirtió en este proyecto de “The String Quartets”. También se pregunta por qué escogió locaciones eclesiásticas para la grabación del disco: en sus propias palabras, “hay una cualidad espiritual y elevada en el ambiente de la Iglesia Cristiana” que él mismo no puede especificar qué es. “Extrañamente, me siento como en casa en nuestras parroquias y enormes catedrales. ¿Soy acaso un cristiano? No, pero si me presionan, puedo conceder que soy un cristiano con c minúscula. Por ahora, eso bastará.” Es un disco bastante bonito, por lo que ya podemos adelantar que este coqueteo intelectual y estético con la fe cristiana ha rendido buenos frutos, pero ahora es el momento de entrar en los detalles del repertorio, ¿cierto?

Por todo lo alto comienza esta selección cuando esos grooves en 5/4 marcados por los pizzicatos de cello y la viola nos remiten de inmediato a ‘Living In The Past’, una exquisita remodelación de ese primer hit de JETHRO TULL que ahora acorta su título a ‘In The Past’. Las adiciones temáticas que se van desarrollando a lo largo del corazón mismo de la pieza abren espacios para estilizados amoldamientos entre las cuerdas y la flauta: de este modo, la remodelación realizada aquí logra crear nuevos matices para el colorido esencial de la canción original. A continuación sigue ‘Sossity Waiting’, un popurrí sintético de ‘Sossity, You’re A Woman’ y ‘Reasons For Waiting’: el predominio está del lado de esta segunda canción pues la primera de ellas está reformulada de tal manera que pueda integrarse sólida y fluidamente dentro del lirismo imperiosamente romántico de ‘Reasons For Waiting’. Bueno, es justo señalar que nos da pena advertir una vez más cuán gastada que está la voz del maestro IAN, pero a fin de cuentas, era inevitable que hubiese alguna intervención vocal en una de las canciones más evocativas del amplio catálogo de JT. ‘Reasons For Waiting’ sigue y seguirá siendo una balada sublime. ‘Bungle’ es, claro está, ‘Bungle In The Jungle’: aquí tenemos un nivel aceptable de fidelidad a la versión original, siendo así que las cuerdas y la flauta operan en un encuadre igualitario, hablándose de tú a tú. Bajo el ingenioso título de ‘We Used To Bach’ se cobija otro popurrí, esta vez de la balada ‘We Used To Know’ con el ‘Preludio en do mayor’ de JOHANN SEBASTIAN BACH (uno de los mayores referentes de la música académica en la historia de JETHRO TULL). La balada folk se trastoca en delicia barroca cuando Ian decide que el instrumento de su uso sea la flauta, pero sobre todo, cuando O’Hara elabora cálidos y pulcros efluvios de piano clásico como elemento guía del desarrollo temático integral. Los momentos finales son realmente pletóricos de elegante vivacidad. ‘Farm, The Fourway’ es la única remembranza del catálogo Tulliano posterior a la década de los 70s: esta remodelación de ‘Farm On The Freeway’ (del “Crest Of A Knave”, el supuesto mejor disco de hard rock y metal de 1988 según el “comité de sabios” del Grammy). Con esa soberbia introducción de violín ya sospechamos que hemos de encararnos con algo grandilocuente… y en efecto, así es, tenemos 3 ¾ minutos de prestancias manieristas con ribetes románticos. ¡De lo más electrizante en lo referente estrictamente a los arreglos de cuerdas!

Vamos rumbo al ecuador del álbum de la mano de ‘Songs And Horses’, popurrí de ‘Songs From The Wood’ y ‘Heavy Horses’ que es ejecutado solo por The Carducci Quartet. El jolgorio de la primera canción y la melancólica solemnidad de la segunda son recogidas adecuadamente en aras de realzar la riqueza melódica particular de cada ítem dentro de un conjunto perfectamente equilibrado. La coda con la melodía del estribillo de ‘Songs From The Wood’ redondea la faena con precisión quirúrgica y cándida emotividad. Luego sigue una hermosa dupla de ítems procedentes del período del “Aqualung”, que son ‘Wond’ring Aloud’ y ‘Locomotive Breath’: aquí ostentan los modificados títulos de ‘Only The Giving’ y ‘Loco’. ‘Only The Giving’ no se distingue mucho de la versión original (con lo cual no queremos decir en lo absoluto que no vale la pena prestarle atención en este disco), mientras que ‘Loco’ elabora una equilibrada estabilización entre el respeto al original y el manejo de nuevos matices. Cuando llega el turno de ‘Pass The Bottle’, nos queda claro que se trata de una nueva versión de ‘A Christmas Song’, ese prodigio de cinismo moralista navideño que ANDERSON compuso cuando recién estaba aprendiendo a tocar mandolina. La introducción se complace en elaborar un breve juego de suaves disonancias en torno a un clásico canto navideño, pero el cuerpo central respeta, una vez más, el esquema original. La gente de The Carducci Quartet vuelve a explayarse a sus anchas sin la presencia del buen IAN para ‘Velvet Gold’, la nueva versión de ‘Velvet Green’. En poco más de cuatro minutos, las cuerdas se enlazan con el reclamo de ANDERSON (“Hey, Santa, pass us that bottle, will you?”) para centrarnos en una atmósfera festiva y jaranera a través de exquisitos contrapuntos melódicos y complejos tempos. La inspiración renacentista de la versión original adquiere un tenor barroco ahora, y todo fluye muy bien. El esplendor sistemático de esta pieza funciona muy bien como tránsito hacia una actitud más positiva hacia el espíritu navideño y el solsticio de la mano de otra joya de la época de la trilogía folk-rockera: ‘Ring Out These Bells’ (‘Ring Out, Solstice Bells’). La versión de este himno festivo es más comedido, pero va muy a tono con la secuencia que la liga a las dos piezas precedentes.

¿Y qué es un recopilatorio o un concierto de JETHRO TULL sin ‘Aqualung’? Pues bueno, en este disco no podía faltar tampoco y justamente cierra el repertorio bajo el título de ‘Aquafugue’. ANDERSON se ciñe a la flauta y al canto de la estrofa intermedia, mientras que O’Hara aporta intervenciones al piano y a la celesta. En cuanto al desarrollo temático, las cuerdas se erigen en figuras protagónicas con sus precisos en encantamiento sónicos que alternan momentos de fidelidad con otros marcados por preciosistas variantes. Muy grata la experiencia de “Jethro Tull – The String Quartets”. ¿Se trata de un álbum lleno de “música grandiosa para bodas y funerales para tener algo con qué celebrar, incluso un cumpleaños o algo por el estilo para poner de fondo”, tal como afirmaba IAN ANDERSON en uno de los primeros vídeos promocionales del disco? [Enlace: https://www.youtube.com/watch?v=sLiYQLC5AKQ] ¡Ja, ja, ja!, quién sabe si sus sugerencias no resultan del todo desviadas, pero bueno, el hecho es que el disco se sostiene por sus propios méritos y que contiene suficientes recursos de belleza musical como para conformar una nueva demostración de aprecio infinito por el legado de JETHRO TULL en nuestras colecciones fonográficas. Es bueno saber que IAN ANDERSON, quien acaba de tener su 70mo. cumpleaños hace unos cuantos días, sigue dispuesto a mantenerse activo en la escena musical.

Reseña a cargo de César Inca Mendoza Loyola para su blog:

 http://autopoietican.blogspot.com.ar/

H.E.A.T “Into The Great Unknown” (Gain/Sony Music 2017)

cover_1498827577098774Finalmente llego a mis oídos lo nuevo de H.E.A.T “Into The Great Unknown”, un disco que hace unas semanas ha empezado a tener reseñas por diversos sitios, muchos alabándolo, otros sin piedad lo destrozaron y algunos pocos que  no se animaron a dar un veredicto digno y personal y fueron a lo fácil para quedar bien.

Luego de darle varias escuchas debo decir que estamos presente ante el peor disco del grupo y una total decepción para aquellos que buscamos en este quinteto sueco hard rock melódico, porque sí bien “Bastard Of Society” es un arranque agresivo, tiene también una cuota pop infantil que no le sienta para nada bien.

En “Redifined” coquetean con un AOR/Pop donde el resultado es positivo, al igual que “Shit City” ,  una de las canciones rockeras más destacables y siempre salvadas por el trabajo magistral de Erik Grönwall.

Al escuchar “Time On Our Side”, extraño cada vez más los años con Leckremo, donde había fuerza y las guitarras tenían un papel importante (se extrañan las cuerdas de Erik Rivers), ahora los teclados de Jona Tee ganaron terreno y todo se fue al tacho. Realmente teniendo semejante cantante es un desperdicio usarlo para esto. Otra canción para el olvido es “Best Of The Broken”, por la falta de ideas y sobre todo por un estribillo que escuchamos una veintena de veces.

“Eye Of The Storm” sería la “balada” del álbum y si bien no es una composición brillante, tiene una linda melodía y nuevamente el trabajo de Grönwall es para sacarse el sombrero, lo mismo pasa en “Blind Leads The Blind”, donde se acercan al H.E.A.T de siempre.

El nuevo H.E.A.T va encarando su carrera hacia el pop, algo que ya se podía ir olfateando en sus trabajos previos, personalmente canciones como “We Rule” que es una fiel muestra de la nueva dirección del grupo no me desagrada, es más,  es de lo mejor del álbum, acá las teclas de Tee si brillan, usando orquestaciones para que la dramática voz de Grönwall se luzca y terminen en una épica canción que me ha sorprendido, esta vez gratamente.

Llegando al final del álbum pasará desapercibida “Do You Want It?” y el cierre esta a cargo de la canción que da nombre al disco, creo no equivocarme que es el tema más largo de la carrera del grupo (7:25 minutos), y como era de esperarse, le sobran varios minutos.

Más allá de mis impresiones, que como verán no son las mejores, no dejen de escucharlo y sacar sus propias conclusiones, es una banda que vale la pena siempre darle una chance.

–  PUNTAJE: 5 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez 

Cats In Space “Scarecrow” (Cats in Space/Cargo Records 2017)

 

CD Scarecrow 4 panelCats In Space está de vuelta. La banda formada por miembros de Sweet, Arena y Moritz vuelve al ataque con su segunda obra llamada “Scarecrow”. Luego del estupendo debut “Too Many Gods” del año 2015, tenía muchas expectativas de ver con que se despachaban estos ingleses.

Afortunadamente esto no es un proyecto de estudio o una banda pasajera, es una banda real y con la esencia de aquellas glorias de los 70’s , no solo en lo musical sino también en lo estético, algo que a mí me suma. Desde que lanzaron el debut no pararon de tocar, participando de festivales, giraron con Thunder y hasta se dieron el gusto de ser uno de los actos soportes del regreso de Phil Collins.

Ahora entremos al mundo del “Espantapájaros”. Para aquellos que desconocen al grupo el estilo está entre el AOR/Pomp Rock , Powerpop y el Rock Clásico. En este caso, dejaron algo de lado el toque Powerpop orientádose hacia un sonido de Pomp Rock más tradicional sonando más crudos que el debut y apoyándose fuertemente en las guitarras de Greg Hart y Dean Howard, pero no se asusten los teclados de Andy Steward siguen siendo protagonistas al igual que los fabulosos y entradores coros.

El comienzo con “Jupiter’s Calling” es brillante, una mezcla de Boston y Styx, rock americano del mejor, y ya desde está entrada empezamos a notar mayor potencia en las guitarras algo que se verá reflejado en el resto del disco.

“Mad Hatter’s Tea Party” y “Clown In Your Nightmare” reflejan algo lo mejor del Pomp Rock de bandas como New England, Zon, Russia, MPG y por supuesto una de las grandes influencias del grupo Queen.

“Scars” es el primer momento reposado del álbum, donde juegan principalmente con los coros, hay mucho de ELO y un dejo a 10cc del cual no pueden desprenderser (¡y lo bien que hacen!). Vale destacar el trabajo vocal de Paul Manzi (también cantante de los progresivos Arena), quien en éste trabajo se lo escucha mucho más cómodo y sorprendiendo en algunos pasajes.

La sombra de Queen deambula en “September Rain”, un tema que va por el Pop refinado y ganchero, para luego trasladarnos a “Broken Wings”, otra brillante composición digna de Trillion o Aviary, un tema fuerte potente y a la vez pomposo, nuevamente la voz de Paul Manzi sorprende y los solos de guitarras erizan la piel.

“Two Minutes 59”  tiene algo de Pop con Pomp Rock, donde inmediatamente me vienen a la mente los City Boy de su última etapa y  siguen manteniendo el nivel de un disco que no tiene un puntos flojos, lo mismo pasa con canciones como “Felix & The Golden Sun” y “Timebomb”, donde brillan las armonías vocales a lo Queen y 10cc.

El álbum cierra con “Scarecrow”, una pieza épica de Pomp Rock con ciertos toques progresivos, donde nos se guardan nada, teclados que recuerdan a Angel, armonías vocales por todos lados, variaciones de climas típicas del estilo del mejor Kansas o Supertramp, pero sin perder el toque melódico. En pocas palabras una obra maestra.

Los amantes del AOR y el  Pomp Rock este año no podemos quejarnos, “Scarecrow” es sin dudas un disco que le dará lucha a los nuevos álbumes de Styx, The Night Flight Orchestra y al debut de Pinnacle Point. No tengo nada más para agregar, el trabajo de Manzi, Hart, Stewart, Bacon, Brown y Howard es para sacarse el sombrero o en este caso el casco espacial.

–  PUNTAJE:  10 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Circus Maximus “Havoc In Oslo” (Frontiers Records 2017)

CIRCUS_MAXIMUS_hio_live_cover_HILuego de un álbum que no tuvo el brillo de los registros previos como lo fue “Havoc” , Circus Maximus lanza un disco en vivo “Havoc in Oslo”, por supuesto un registro de la presentación del último material grabado en el Rockefeller Club de Oslo.

El show está basado en “Havoc” y su disco anterior, el estupendo “Nine”. Hay poco de los dos primeros discos, pero suficientes como para dejar plasmado lo mejor del pasado prog/power del grupo. El comienzo de Circus Maximus fue con “1s Chapter” (2005) y “Isolate” (2007), que  son dos piezas muy interesantes para descubrir al grupo, y en este show incluyeron composiciones como “Sin” , “Alive”, “Abyss” o “Arrival Of Love”.

De últimos lanzamientos van a encontrar muy buenas versiones de “Architect of Fortune” , “Game of Life” y “The One” del disco “Nine”, en cuanto a “Havoc”, sí bien sigue sin convencerme, en vivo algunas de las canciones tienen otro brillo, el caso de “Havoc”, “Pages”, “Loved Ones” o “Chivalry”, una pena que no hayan incluído “After The Fire”, una de mis preferidas del último lanzamiento.

El material no solo sale en Cd sino que también tendrá su edición en DVD y Blu-ray, lo que seguramente será más entretenido que el audio. Un disco que sí bien no suma nada nuevo y del otro mundo (como la gran mayoría de los discos en vivo de la actualidad) vale la pena adquirirlo sobre todo sí Circus Maximus está entre tus bandas favoritas.

–  PUNTAJE: 7 / 10 – 

Reseñas: Diego Gonzalez