Haken “Vector” (Inside Out Music 2018)

636703709860889557Haken regresa con “Vector”, el quinto disco de la banda de metal progresivo inglesa que año tras año y disco a disco fueron creciendo dentro del ambiente y ya se puede decir que tienen un base importante de fans, de hecho el año próximo pasearan por Sudamérica por primera vez.

Éste nuevo lanzamiento consta de siete canciones (con una intro inicial “Clear”), un disco de corta duración para los tiempos que corren, pero personalmente lo celebró, el hecho de aprovechar al máximo la capacidad de un disco o peor aún repartir el material en dos discos suele traer resultados no muy buenos.

En cuanto a lo lírico, la banda basó este material en ciertas obras cinematográficas como El Resplandor o La Naranja Mecánica, dándole y buscando cierta oscuridad y surrealismo, como así también plasmar ideas desde un costado psicoanalítico donde presentan experiencias propias, sin dar demasiados detalles y dejando muchas cosas al parecer del oyente. Y para afianzar esa búsqueda, para el arte de tapa se inspiraron en el clásico test del psiquiatra Hermann Rorschach.

Estos hijos directos de Dream Theater fueron evolucionando álbum tras álbum, y despegándose de los álbumes iniciales (mis preferidos) donde el fantasma de los comandados por Petrucci estaba muy presente, como así también guiños al rock progresivo de los 70’s.

“Vector” es sin dudas el disco más “heavy” de Haken, desde el inicio con “Great Doctor” marcan el comienzo de un camino a recorrer en estos casi 45 minutos donde escucharán riff de guitarras en primer plano y una agresividad sonora que no habían desarrollado hasta ahora.

Esta nueva faceta pesada no les sienta mal, pero el trabajo de su cantante Ross Jennings termina de no cuajar por completo en algunas canciones, ya que su voz carece de potencia y se diluye fácilmente en las composiciones más enérgicas, como por ejemplo en “Puzzle Box” , tema que está salpicado fuertemente en varios pasajes por el discutido “Train of Thought” de Dream Theater.

“Veil” podríamos decir que sería el final de la cara A del álbum y es para mí la pieza clave del disco, perfectamente ubicada para balancear el material. La canción más larga y elaborada del disco que nos trae al Haken de antaño con algunos momentos instrumentales superlativos.

Entrando a la segunda mitad del disco aparece la instrumental “Nil By Mouth”, probablemente pierdan algunos fans progresivos pero más de un metalero caerá rendido al disco con canciones como estás que golpean directo al mentón.

Para bajar la tensión se presenta la calma y parsimoniosa “Host” que apenas amaga a levantar al final, canción que pasa desapercibida y candidata al olvido, lo más flojo del disco. Por último nos queda “A Cell Divides”, otra de mis canciones favoritas del nuevo lanzamiento, donde acá uno puede decir metal progresivo “a lo Haken”.

Puede que estemos presente ante un disco bisagra en la carrera de Haken o “Vector” quedará para la historia como el disco “oscuro y pesado” que nunca más volvieron a repetir. El tiempo dirá…

 – PUNTAJE: 7,50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

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The Night Flight Orchestra “Sometimes The World Ain’t Enough” (Nuclear Blast Records 2018)

The Night Flight Orchestra - Sometimes The World Ain't Enough - ArtworkPocas bandas de rock melódico en la actualidad me han sorprendido como estos suecos de The Night Flight Orchestra. Debo confesar que los descubrí con su disco anterior “Amber Galatic”, todo una sorpresa para mí, más aún viniendo de un sello como Nuclear Blast y encima creada por músicos de Soilwork, una banda de Death Metal.

Los creadores de este monstruo son Björn Strid (voz( y David Andersson(guitarra), los acompañan Sharlee D’ Angelo en bajo, Richard Larsson en teclados, Jonas Källsbäck en bateria, Sebastian Forslund en guitarras y Anna-Mia Bonde y Anna Brygård en coros.

Hoy nos llega su cuarto álbum “Sometimes the World Ain’t Enough”, otra muestra de su AOR retro basado en la década de los 80’s con la fuerza y emoción que tenían estas composiciones en su era dorada y algunos condimentos de los 70’s, estos aparecen cuando los teclados tienen mayor presencia y asoman algunos arreglos más elaborados.

El disco no da respiro, desde el inicio con rockero con “This Time” hasta el final con la extensa y sinfónica “The Last Of The Independent Romantics”. ¿Novedades respecto al anterior?, no muchas, la más significativa pasa por su cantante, brillando nuevamente pero con un estilo más agresivo que en los discos previos.

Para destacar del material tenemos a la disco AOR “Paralyzed” y “Pretty Thing Closing In” , la balada de turno “Moment Of Thunder”, la efectividad del AOR clásico aparece en “Speedwagon”, “Lovers In The Rain” y “Barcelona”, aquí vienen a la memoria bandas como Balance, Aviator o Survivor.

El resto del material es más del mejor AOR que esta gente hace a la perfección. Lejos de sonar como un proyecto mediocre de Frontiers Records, estos suecos van por otro lado, y con un sello que los respalda para transformarse en una banda activa.

No tendrá el puntaje máximo porque su antecesor está un escalón más arriba, pero solo uno. Otra vez estos muchachos volvieron a patear el tablero. Por el momento, lo mejor en materia de rock melódico de este 2018

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Galasphere 347 “Galasphere 347” (Karisma Records 2018)

VSL12T01_VINYL_OUTER_SLEEVE_GATEFOLDGalasphere 347 es el nombre de un nuevo proyecto de rock progresivo sinfónico con tintes de krautrock en algunos de sus tramos, se trata de una banda anglo-escandinava que aunque  conformada por experimentados músicos, hace su debut con un disco titulado del mismo modo, proyecto que seguramente festejarán los fans de otra maravillosa banda como es White Willow, ya que tres de sus integrantes están fuertemente conectados con ella.

Los integrantes con un resumen de sus procedencias sonoras tanto como integrantes como invitados, son los siguientes: Stephen James Bennett, inglés, vocalista, teclados, guitarra y bajo (Henry Fool, No-man, The Opium Cartel, etc.); Ketil Vestrum Einarsen, noruego, teclados, flauta y programación (Jaga Jazzist, White Willow, Anima Morte, etc.); Jacob Holm-Lupo, noruego, guitarra y bajo (White Willow, The Opium Cartel, etc.); Mattias Olsson, sueco, tambores, teclados, bajo y guitarra (White Willow, The Opium Cartel, Anglagard, etc.). Participando como invitados: Akaba, coros y Dave Scragg, trombón.

La obra se divide en tres temas extensos, de una estructura similar aunque cada uno con su propia personalidad y múltiples variantes sonoras, destacados usos de las distintas manifestaciones de los teclados, las guitarras, contundentes bases de tambores, percusiones y bajo, y la hermosa voz de Stephen J. Bennet en las líricas. “The voice of beauty drowned” hace un comienzo terso con la voz enmarcada en los teclados y la guitarra, suma bases rítmicas, bellos coros y variantes en teclados dentro de la misma ambientación, avanza armonizando melodías delicadamente aclimatadas por la flauta y rota los sonidos con importante tramo de instrumentación que luego destaca la voz con la lírica manteniendo una homogeneidad constante. “The fallen angel”, de sutiles formas sonoras en la apertura, melodioso, sumando variantes en la incorporación de los hermosos tramos instrumentales, rítmicos, de elaboraciones progresivas, fraseos en los teclados, solo de trombón, sonidos cósmicos aportados por el Mellotron, los tambores y los efectos acústicos, y hermosas, bellas armonías que elevan el vuelo de la obra. “Barbarella’s lover” tras la tersa voz en la apertura va incorporando instrumentación y dinámica en un tema que destaca mucho los tambores, efectos acústicos y las bases del bajo, las formas sonoras melodiosas son creadas por los teclados, las guitarras, Mellotron, órgano, con destacados solos muy ajustados, brillantes para el redondeo del tema y de un gran disco.

Según las propias palabras de los músicos integrantes de la banda, “el álbum es como un crucero espacial de rock progresivo”, convengamos que ingredientes no le faltan ya que la denominación de la banda, Galasphere 347, también corresponde al nombre de una nave espacial que era parte de un programa para niños llamado “Space Patrol”, según también lo declarado, y no menos lo es el artwork de portada del disco, obra del artista Jarrod Gosling, con una ilustración cósmica muy acorde con el estilo integral del álbum, aportando la forma visual a este maravilloso crucero espacial.

– PUNTAJE: 8.50 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú 

G347

Galasphere 347

Stephen James Bennett – Voz, teclados y  guitarras
Ketil Vestrum Einarsen – Teclados, programaciones y flauta
Jacob Holm-Lupo – Guitarras y bajos
Mattias Olsson – Bateria, guitarras y teclados. 

Robby Valentine “The Alliance” (Independiente 2018)

cover the allianceHablar de Robby Valentine, es hablar de un músico prolífico, de perfil bajo que supo acariciar el éxito en sus comienzos para luego pasar a la oscuridad dentro del mundo de la música, no ha si con la calidad de sus composiciones, que siempre mantuvieron un nivel de calidad.

El amor por Queen no lo niega y es más, alza la bandera de la Reina con orgullo, por supuesto detrás tenemos a The Beatles, ELO, Prince y Muse, bandas que pueden ser consideradas para hacer referencia a Valentine.

Hoy nos llega “The Alliance” su nuevo disco de estudio, con 10 canciones, las justas y necesarias para redondear un gran álbum con el sello característico del holandés. Hay que remarcar que éste nuevo lanzamiento trae a la memoria lo mejor de su carrera, por lo menos para mí, lo que son sus dos primeros discos “Robby Valentine” (1992) y “The Magic Infinity” (1993). Acá deja de lado los sonidos electrónicos que abundaban en el anterior “Bizarro World” (2014) y también se aleja de ese “toque” dark para volver a brillar con lo mejor que sabe hacer, canciones de AOR con exquisitos arreglos pomposos.

“The Alliance Theme” es la intro que da pie a “Judgement Day”, puro Valentine con los coros de estadio bien al frente, ganchera y adictiva desde la primera escucha. “Black Dog” muestra el costado Beatle con unas melodías tristes hasta que aparece el estribillo y cambia todo. “Sons Of America” suena a Jellyfish haciendo hard rock, no está de más aclarar que todos los instrumentos fueron grabados por el propio Robby (salvando algunas colaboraciones en coros y arreglos, entre ellos el de su mujer  Maria Catharina), y hay que decir que hizo un trabajo estupendo. “Running Of Empty” quizás es el único track que recuerde al disco anterior, por el trabajo vocal recuerda mucho a Muse, pero cada canción tiene el “toque Valentine”, aquí sobre todo en el final donde demuestra sus dotes como pianista. “Eleanor Robyn” es el nombre de su hija y aquí le dedica esta hermosa balada que incluye un solo de saxo para darle un toque especial y adornar una canción muy especial para Robby. Llegamos al track single “Soldiers Of Light” que suena más a Valensia que a Valentine, si estás leyendo esta reseña interesado en Robby Valentine sabrás quien es Valensia, pero sino te cuento brevemente que es otro músico holandés que supo brillar a principios de los 90’s y que como Valentine el ADN Queen corre por sus venas. “The Bitter End” es otra pieza Queen/Beatle brillante con el toque Pop/AOR presente y para el cierre nos quedan la Pomposa “Masters Our Of Minds” (mi favorita) y “Remember Who You Are”, con Robby Valentine sentado al piano haciendo de las suyas y queriendo ser Freddy Mercury por un momento.

Con el lanzamiento de este disco además cumple 26 años dentro del mundo de la música, lo que no es poca cosa, sobre todo para un músico que se maneja hace años de manera independiente. Pulgar en alto para “The Alliance”, que sin lugar a dudas se meterá en la lucha por lo mejor del 2018.

–  PUNTAJE: 8.50/10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

“THE ALLIANCE”

The Alliance Theme
Judgement Day
Black Dog
Sons Of America
Running On Empty
Eleanor Robyn
Soldiers Of Light
The Bitter End
Masters Of Our Minds
Remember Who You Are

Todos los instrumentos: Robby Valentine

http://www.robbyvalentine.nl/ 

The Sea Within “The Sea Within” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01The Sea Within es una banda creada por el dueño de Inside Out Music, donde reunió a varios músicos reconocidos de la escena actual: Roine Stolt (The Flower Kings) en guitarra , Jonas Reingold (Karmakanic) en bajo, Tom Brislin (Yes, Camel, Meat Loaf) en teclados, Marco Minnemann (The Aristocrast) en bateria y Daniel Gildenlöw (Pain of Salvation) en voces y guitarras. No es parte oficial del grupo (de hecho no esta en las fotos promocionales), pero Casey McPherson (Flying Colors, Alpha Rev) participa como cantante en varias canciones.

El álbum es variado y nos pasea por momentos, entre ellos oscuros y pesados como “Ashes Of Dawn”, Rob Townsend (Steve Hackett Band) con su saxo soprano le da un toque Crimsoniano que le realza la canción. Otros pasajes, menos afortunados tenemos en “They Know My Name” o “The Void”, que transitan caminos densos, apenas salvados por los solos de guitarras de Stolt y algunas intervenciones vocales de Gildenlöw.

El panorama cambia cuando aparece ” An Eye For An Eye For an Eye” , donde se nota la mano de Roine Stolt, al igual que en “Goodbye” donde aparece Casey McPherson en la voz líder haciendo un trabajo estupendo. Si el disco hubiese ido por este camino salían ganando.  “Sea Within”, es un instrumental insignificante que da pie a “Broken Cord”, nuevamente con McPherson en la voz líder y ayudado en los coros por el maestro Jon Anderson (Yes), con un comienzo que recuerda a los geniales Jellyfish pero luego se transforman en The Flower Kings, y ya van para otros terrenos.  El cierre del disco es con “The Hiding of Truth”, otra composición que no termina de explotar , van por lo experimental sin buenos resultados en mi opinión, ni Jordan Rudess (Dream Theater) la puede salvar. Hay una linda base de Minnemann / Reingold que más de una banda daría lo que sea por tenerlos, pero lamentablemente acá tienen un papel secundario.

El disco Bonus contiene 4 canciones, la extensa “The Roaring Silence”, agresiva y progresiva a la vez, uno de los momentos más inspirados de este súper grupo, ¡no se por que no la incluyeron en el álbum!. El resto de las canciones “Where are you Going?”, “Time” y “Denise”, se ganaron con creces ir al banco de suplentes, no tienen lo suficiente para ganarse la titularidad.

–  PUNTAJE: 7/ 10 – 

No Name Band!

The Sea Within 

1 Ashes of Dawn 00:06:00
2 They Know my Name 00:05:10
3 The Void 00:04:55
4 An Eye For An Eye For an Eye 00:07:00
5 Goodbye 00:05:30
6 Sea Without 00:02:27
7 Broken Cord 00:14:20
8 The Hiding of Truth 00:05:30
Bonus CD:
1 The Roaring Silence 00:08:00
2 Where are you Going? 00:05:50
3 Time 00:07:12
4 Denise 00:05:10

Line-Up:
Marco Minneman: baterias
Jonas Reingold: bajos
Tom Brislin: teclados y coros
Roine Stolt: guitarras, voces y teclados
Daniel Gildenlow: voces y guitarras
Casey McPherson: voz 
Invitados:
Jon Anderson: Vocals (Broken Cord)
Jordan Rudess: Grand Piano (The Hiding of Truth)
Rob Townsend: Soprano Saxophone (The Ashes of
Dawn)

Haken “L-1VE” (Inside Out Music 2018)

Haken live cdHaken registro su primer material en vivo bajo el nombre de “L-1ve” , concierto tomado de la presentación del grupo en Holanda, en el marco de los festejos por los 10 años de carrera donde giraron por Europa y Norte América.

El show fue tomado el 13 de Abril del año pasado y el lanzamiento es en CD y DVD, un regalo para sus fans que vienen acompañándolos desde hace años. El set list estuvo basado en su último disco de estudio “Affinity” (2016) y el anterior “The Mountain” (2013), de sus discos previos solo incluyeron, por un lado el “Aquamedley” , basado en su primer álbum “Aquarius” (2010) y la mega suite “Visions” que da nombre a dicho álbum del 2011, que cierra el show.

En cuanto al concierto hay que decir que lamentablemente no escapan a los discos (y DVD’s) en vivos actuales, donde los retoques y abusos de post producción no pueden faltar. Por momentos es demasiado para mí, sobre todo en el DVD donde sumado a lo sonoro, a nivel imágenes parece un video clip con paneos que van y vienen sin respiro y donde no se puede apreciar el trabajo individual de los músicos.

Una pena, porque si vas a YouTube y buscás videos del grupo en vivo te vas a dar cuenta que suenan de mil maravillas. No deja de ser un souvenir para los fans mientras esperan algo nuevo de Haken.

– PUNTAJE: 6 /10 –  

“L-1VE”

CD 1 (0:49:00)
1. affinity.exe/Initiate – Live in Amsterdam (06:00)
2. In Memoriam – Live in Amsterdam (04:42)
3. 1985 – Live in Amsterdam (09:21)
4. Red Giant – Live in Amsterdam (06:31)
5. Aquamedley – Live in Amsterdam (22:26)
 CD 2 (1:05:26)
6. As Death Embraces – Live in Amsterdam (03:50)
7. Atlas Stone – Live in Amsterdam (07:12)
8. Cockroach King – Live in Amsterdam (08:17)
9. The Architect – Live in Amsterdam (15:59)
10. The Endless Knot – Live in Amsterdam (06:34)
11. Visions – Live in Amsterdam (23:34)

Ross Jennings – voz
Richard Henshall – guitarra y teclados
Raymond Hearne – bateria
Charles Griffiths – guitarra y coros
Diego Tejeida – teclado y coros
Conner Green – bajo 

 

 

Spock’s Beard “Noise Floor” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01“Noise Floor” es el nuevo disco de los ya legendarios Spock’s Beard, una banda referente del rock progresivo de las últimas décadas y una de las principales agrupaciones que mantuvieron vivo al estilo en los 90’s.

La banda paso por varias etapas, primero se fue su voz (y uno de los referentes) Neal Morse, para ser reemplazado por el baterista Nick D’Virgilio, quien luego dijo “adiós” y apareció el fenomenal Ted Leonard (Enchant).  En este lanzamiento D’Virgilio vuelve a hacerse cargo de los parches, pero parece ser que solo en el estudio, ya que tiene muchos compromisos para volver a retomar el ritmo con la banda.

El espíritu del grupo sigue vigente y activo gracias a Dave Meros (bajista), Ryo Okumoto (teclados) y a Alan Morse (guitarra), quienes nunca se bajaron del barco y mantuvieron con dignidad el nombre de la banda en todos estos años.

Para hablar de “Noise Floor” , hay que decir que la banda fue a la búsqueda de canciones más directas y accesibles, sobre todo si son comparadas con el aceptable “The Oblivion Particle”. Canciones como “To Breath Another Day”  o One So Wise” son una clara muestra de esta nueva faceta que intentan plasmar. No perder la esencia progresiva, pero que la canción sea efectiva y de fácil digestión.

Con esta dirección a Ted Leonard se lo escucha mucho más cómodo y con mayor protagonismo, hasta en canciones que suenan 100% a SB como “Have We All Gone Crazy Yet” que tranquilamente pudo haber sido parte de los primeros trabajos del grupo.

Otra composición para destacar es “So This Is Life”, donde se respiran aromas Floydianos y el señor de las 6 cuerdas, Alan Morse despliega todo su amor por David Gilmour con una excelencia envidiable. Lo mismo hace Ryo en el instrumental “Box Of Spiders” donde se viste de Keith Emerson y hace de las suyas.

El resto del material esta en un nivel muy parejo, al igual que el EP “Cutting Room Floor” que también nos han entregado, contiene 4 canciones exquisitas de corta duración donde el lado melódico/pop brilla por su excelencia.

Luego de varias escuchas puedo decir que este es el mejor trabajo del grupo desde el estupendo “X” del 2010. El cuarteto formado por Meros, Okumoto, Leonard y Morse se nota afianzado y revitalizado, está claro que a veces viene bien tomarse su tiempo para trabajar un álbum y no aburrir una y otra vez con lo mismo de siempre.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Subsignal “La Muerta” (Gentle Art Of Music 2018)

Subsignal_GAOM058_RGBSubsignal nació en el 2009 y desde ahí no han parado, llevan editando discos periódicamente (hasta uno en vivo) y finalmente luego de “The Beacons Of Somewhere Sometime” , llega su quinto disco “La Muerta”.

Markus Steffen (guitarras) y Arno Menses (voz) son los que mantienen viva a esta agrupación que nació de la separación de Sieges Even donde ambos eran miembros de aquella estupenda banda de metal progresivo pionera en Europa.

El resto de Subsignal que grabo el álbum esta compuesto por Ralf Schwager en bajo, Markus Maichel en teclados y Dirk Brand en bateria.

“La Muerta” es otra muestra del rock/metal progresivo accesible que practican, rozando el Pop por momentos, con estribillos ultra pegadizos que no son muy comunes encontrar en este tipo de estilo. Excelentes ejemplos encontrarán en “Bells” o “Stars Don’t Shine”

En este disco a comparación de los dos últimos la banda vuelve a recuperar su esencia de hacer canciones cortas, elaboradas y muy gancheras, dejando de lado los excesos y canciones más extensas, pero hay pequeñas dosis en canciones como “La Muerta” y “Passages” donde el espíritu prog sinfónico está claro que no lo olvidaron y sino les vasta con estas dos prueben con “Every Able Hand”, una joya neo sinfónica que los acerca a bandas como Moon Safari.

Quizás el álbum carezca de la agresividad que tenían los álbumes previos, algo evidentemente buscado para este lanzamiento y es por eso que apostaron a redondear canciones más simples y a la vez efectivas. La calidad compositiva de Markus Steffen sigue intacta, prueben con “Approaches” o el track final “Drowning” con Marjana Semkina de Iamthemorning como invitada haciendo un dueto con Arno Menses en una canción muy sentida.

Tenía muchas ganas de volver a escuchar un nuevo disco de estos germanos, ya que el álbum anterior no me había atrapado, pero cuando uno le tiene fe a una banda no hay que perderlas de vista. Y así lo hicieron nuevamente, otro paso firme en su carrera volviendo en cierta forma al estilo de sus dos primeros discos donde el AOR y el Rock Progresivo hacían una combinación perfecta.

–  PUNTAJE: 8,50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

 

Michael Kratz :”Live Your Life”, es un álbum muy honesto

Michael Kratz

El músico Danés Michael Kratz acaba de lanzar su segundo álbum “Live Your Life” con invitados de lujo, entre ellos Steve Lukather y Michael Landau. La entrevista sirve para conocer a nuevo valuarte para aquellos que gustan del AOR y el Westcoast.

RP – ¿Qué puedes decirnos sobre “Live Your Life” y cuáles son tus expectativas sobre este nuevo material?

“Live Your Life” es un álbum muy honesto, lo que significa que nunca me concentré en la parte comercial, las reseñas o si a la audiencia le gustaría.
No quería hacer un álbum conceptual sino escribir canciones que vinieran a mí y producirlas de acuerdo a cómo me sentía el día de la grabación de las canciones. Las grabaciones del álbum comenzaron en 2015 cuando grabamos “This Town Is Lost Without You”. En ese momento, había terminado de escribir 4 canciones para “Live Your Life” y debido a mi apretado calendario de giras, no grabamos más canciones hasta fines de 2016. La mayoría de las canciones se grabaron en 2017.
Cuando decidí la lista de canciones para el álbum, comencé a pensar en dos canciones que escribí cuando era adolescente. Eso fue “Paradise Lost” y “Dying Young”, así que grabé ambas canciones, ya que parecían encajar perfectamente en este álbum. Entonces puedo decir que me tomó cerca de 30 años completar jaja

RP – ¿Cómo nació la idea de grabar este álbum?

Justo después de terminar el álbum “Cross That Line” en 2011 (fue lanzado en 2012) estaba ansioso por escribir canciones para un nuevo álbum. El título de trabajo de ese álbum fue “We All Live In This Nation” que luego se convirtió en el título de una nueva canción en “Live Your Life”.
Estuve muy ocupado tocando con otros artistas, así que me tomó mucho más tiempo escribir todas las canciones necesarias para el álbum de lo que esperaba.
Tuve la idea de invitar a muchos de mis amigos y héroes musicales a tocar en el álbum y también decidí no tocar la batería yo mismo. Me gusta que me inspiren mis compañeros músicos, así que terminé tocando la batería en una sola pista esta vez (“Game Of Love”).

RP – Cóntame sobre invitados especiales como Steve Lukather, Michael Landau o Dom Brown. ¿Un sueño hecho realidad?

De hecho, es un sueño hecho realidad. Conocí a David Garfield en Copenhague hace unos años y le pregunté si me acompañaría en un par de canciones y me dijo que sí. Para “This Town Is Lost Without You” tuve la idea de tener a Steve Lukather para tocar el solo junto con David. Entonces, cuando David volvió a L.A., le preguntó si estaba disponible en ese momento y lo hizo. Entonces David me llamó y me dijo que harían las sesiones la semana siguiente. Steve Lukather siempre ha sido una de mis mayores inspiraciones, así que estaba realmente feliz de que tuviera tiempo para la sesión y de que lo hiciera. Michael Landau también estaba en L.A. en ese momento y estaba disponible y, según recuerdo, David y Landau iban a grabar algo más juntos. Una vez más, David me llamó y me dijo que Landau estaba disponible y que tocaría en “We All Live In This Nation”. Hicieron un trabajo increíble! Cuando grabamos “What Did I ..?”, Pensé que era un poco como el gran éxito de Duran Duran, Ordinary World, así que era obvio para mí que tenía que pedirle al guitarrista de Duran Duran, Dom Brown, que lo tocara. Lo llamé y dijo “seguro, hombre, no hay problema”. Es un tipo muy agradable y un guitarrista muy hábil. Antes de partir a Londres para hacer las sesiones con él, Kasper (mi productor) y yo decidimos escribir una nueva canción que debería ser aún más Duran-ish. Más funky y pegadizo. Así que escribimos “Never Take Us Alive” y pusimos Dom en ambas canciones.

RP – Qué nos podes decir sobre el sello Art of Melody Music / Burning Mind …

Nos pusimos en contacto a mediados de 2017. Realmente no estaba buscando una nueva discográfica. Decidí lanzar el álbum de forma independiente. Pero después de que me presentaron a Art Of Melody / Burning Minds Group realmente sentí que este era el lugar correcto para mí y mi música. Es como ser parte de una familia y esa es una relación muy rara entre artista y sello en estos días. Ellos tienen una pasión por la música y realmente hacen que los artistas sientan que son especiales para ellos. He tenido muchas ofertas, pero esta es la primera vez que lo siento como una asociación igualitaria. ¡Estoy tan feliz de ser parte de esa familia!

RP –  ¿Hay planes de presentar el álbum en vivo?

¡Absolutamente! Espero hacer una gira por Europa más adelante este año. Cuando el álbum haya estado en circulación durante un mes, mi dirección comenzará a planificar una gira y espero que también me lleve a España.

RP – ¿Podrías dar una breve reseña de tu carrera en el mundo de la música?

Empecé a tocar la batería cuando tenía 8 años en 1980. En 1985, cuatro de mis amigos y yo comenzamos nuestra primera banda real llamada Way Up. Tocamos juntos hasta 1992. Después de eso me uní a varias bandas y en 1995 me pidieron que me uniera a una banda danesa llamada The Donkeys. Desde ese día pude ganarme la vida como baterista. Desde 1995, he tocado casi 200 conciertos al año como baterista además de grabar mi propia música. Desde 2012 dedico mi tiempo a mis propias grabaciones y aunque todavía toco la batería para otros actos, mi atención se centra en mi propia música.

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RP – Cuéntanos sobre tus influencias …

Al crecer en los 80’s me quedé atónito con la mayoría de la música de ese período. Especialmente la escena AOR / WestCoast y Pop / Rock. Es difícil elegir solo unos pocos, pero obviamente, Toto tuvo un gran impacto en mí durante los años 80, y todavía lo tiene. Otra gran inspiración para mí es Duran Duran. Escriben coros pegadizos como nadie más. También me encanta el movimiento grunge que comenzó con Nirvana en los 90’s, así que es una mezcla de diferentes géneros y artistas. Supongo que selecciono lo que más me gusta de los diferentes géneros y lo uso como inspiración para mi música.

RP – Si tuvieses que elegir 5 discos para llevar a una isla desierta…

Solo 5 ??? Es muy difícil para mí…
Rio – Duran Duran
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars – David Bowie
Fahrenheit – Toto
Blue Desert – Marc Jordan
Airplay – Airplay

RP – Ok Michael, muchas gracias por tu tiempo. El mensaje final para tus fans es tuyo
¡Gracias Diego! Me gustaría desear a todos los lectores todo lo mejor. Espero ver a algunos de ustedes cuando salga de gira.
¡Gracias por leer!

Entrevista: Diego Gonzalez

Interview: Michael Kratz
What can you tell us about “Live Your Life” and what are your expectations of this new material?
Live Your Life is a very honest album meaning that I never focused on the commercial part, reviews or if the audience would like it.
I didn’t want to make a concept album but write songs that came to me and produce them according to how I felt on the day of recording the actual song(s).

The recordings for the album started back in 2015 when we recorded This Town Is Lost Without You. At that time I had finished writing 4 songs for Live Your Life. Because of my busy tour schedule we didn’t record any more songs until late 2016. The majority of the songs were recorded in 2017.
When I decided the track list for the album I came to think of two songs I wrote when I was a teen. That was Paradise Lost and Dying Young and so I recorded both of those songs as they seemed to fit this album perfectly. So you can say that it took me about 30 years to get this album completed 🙂

How was the idea of recording this album born?
Just after finishing the Cross That Line album in 2011 (it was released in 2012) I was keen to write songs for a new album. The working title of that album was “We All Live In This Nation”. A title that later became the title of a new song on Live Your Life.
I was very busy touring with other artists, so it took me a lot longer to write all the songs needed for the album than I was hoping for.
I had this idea of inviting a lot of my friends and musical heroes to play on the album and I also decided not to play drums myself. I like to be inspired by fellow musicians so I ended up playing drums on only one track this time around (Game Of Love).

– Tell me about special guests like Steve Lukather, Michael Landau or Dom Brown. A dream comes true?
It is indeed a dream come true.
I met David Garfield in Copenhagen a few years ago and I asked if he would join me on a couple of tracks and he said yes.
For “This Town Is Lost Without You” I had this idea of having Steve Lukather to play the solo along with David. So when David got back to L.A. he asked him if he was available at the time and he was. So David called me and told me they would do the sessions the week after.

Steve Lukather has always been one of my biggest inspirations so I was really happy that he had time for the session and that he would do it.

Michael Landau was also in L.A. at that time and available and as I recall it David and Landau were going to record something else together. Again David called me and told me that Landau was available and would play on “We All Live In This Nation”. They did an amazing job!

When we recorded “What Did I ..?” I thought it was a bit like Duran Duran’s major hit Ordinary World so it was obvious to me that I had to ask the Duran Duran guitarist Dom Brown to play on it. I called him and he was like “sure man, no problem”. He is a very nice guy and a very skilled guitarist.

Before we took off to London to do the sessions with him, Kasper (my producer) and I decided to write a new song that should be even more Duran-ish. More funky and catchy. So we wrote Never Take Us Alive and had Dom play on both songs.

– Tell me about the new label Art of Melody Music/Burning Mind…
We got in touch mid 2017. I wasn’t really looking for a new label. I had decided to release the album on my own label. But after I was introduced to Art Of Melody/Burning Minds Group I really felt that this was the right place for me and my music. It’s like being a part of a family and that’s a very rare relationship between artist and label these days. They have a passion for the music and they really make the artists feel that they are special to them. I’ve had a lot of record deals but this is the first time I feel it as an equal partnership. I’m so happy to be a part of that family!

– Do you have plans to present the album live?
Absolutely! I hope to tour Europe later this year. When the album has been out for a month or so my management will start planning a tour and I hope it will also bring me to Spain.

– Could you give a brief review of your career in the world of music?
I started playing drums when I was 8 years old in 1980. In 1985 four of my friends and myself started our first real band called Way Up. We played together until 1992. After that I joined several bands and in 1995 I was asked to join a Danish band called The Donkeys. From that day I was able to make a living as a drummer. Since 1995 I have played almost 200 gigs a year as a drummer besides recording my own music. Since 2012 I have dedicated my time to my own recordings and though I still play drums for other acts my focus remains on my own music.

– Tell about your influences …
Growing up in the 80’s I was stunned by most of the music of that period. Especially the AOR/WestCoast and Pop/Rock scene. It’s hard to choose just a few but obviously, Toto had a huge impact on me during the 80’s, and still has. Another great inspiration for me is Duran Duran. They write catchy choruses like no one else.

I also love the grunge movement that started with Nirvana in the 90’s so it’s a mix of different genres and artists.

I guess I just pick up what I like the most from the different genres and use it as inspiration for my music.

– If I had to choose 5 albums to take a desert island…
Only 5?? :). That’s a hard one.
Rio – Duran Duran
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars – David Bowie
Fahrenheit – Toto
Blue Desert – Marc Jordan
Airplay – Airplay

Ok Michael, many thanks for your time. The final message for your fans is yours
Thank you Diego!
I would like to wish all the readers all the best. I hope to see some of you when I go on tour.
Thank you for reading!

Rock & Prog
http://www.rockandprog.wordpress.com
Diego Gonzalez

Leviathan “Can’t Be Seen By Looking: Blurring The Lines. Clouding The Truth” (Independiente 2018)

LeviathanReapareció Leviathan, una de las bandas más interesantes que dio el metal progresivo americano, su último lanzamiento fue “Beholden to Nothing, Braver Since Then” del 2014 y hasta la fecha no teníamos novedades. Ahora sí con ya está entre nosotros “Can’t Be Seen By Looking: Blurring The Lines. Clouding The Truth”.

En la actualidad el único miembro original es el guitarrista John Lutzow, que además se encarga de los teclados. Lo acompañan Derek Blake en el bajo, junto al nuevo cantante Raphael Gazal de origen brasilero miembro de BulletbackChildren of the Beast (tributo a Iron Maiden) y en la bateria el legendario Mark Zonder (ex Fates Warning).

La escuela de donde salieron estos muchachos, más precisamente John Lutzow, quien compuso todo el material es muy clara: Fates Warning, Queensryche, Watchtower y Crimson Glory, entre otras.

Desde el comienzo con “Life Beyond Meaning” queda demostrado todo lo dicho anteriormente, puro metal progresivo del que se hacía a fines de los 80’s y en los dorados 90’s donde Dream Theater voló cerebros en todo el universo.

El disco es conceptual y esta centrado en el declive de la clase media mundial, la corrupción en la política y envenenamiento del medio ambiente. Así aparecen canciones como “Mercy Kill Liberty”, una composición de las “cortas” , pero donde la banda sale ganando son en las canciones más extensas como “Properly Channeled Rage” donde además le sacan todo el jugo al maestro Mark Zonder tras los parches.

Sin el brillo de la pieza anterior se presenta “The Struggle to Be Seen as Human”, una canción dividida en tres partes (I. American Dream in Downtrodden Upswing. II. Rousing Rabble to Fuel the Fire of Babel. III. Spinning Yarns to Quell the Savage Beast.) y es seguida por “Turning Lost Boys Into Found Men” donde nuevamente se balancean entre lo melódico y lo complejo como así lo hiciera Fates Warning para su mega obra “Perfect Symmetry”.

El final del álbum esta a cargo de “Lies are the New Normal (No Lesser of Evil)”, un festín para todos los que amamos el metal progresivo de la vieja escuela.

La mesa esta servida, a disfrutar de este gran disco de Leviathan.

–  PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez