Jerome Mazza: “El segundo álbum de Pinnacle Point será producido por Mike Slamer”

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UNA DE LAS SORPRESAS DEL AÑO FUE EL LANZAMIENTO DEL DISCO DEBUT DE PINNACLE POINT. UN PROYECTO FORMADO POR EL GUITARRISTA  TORBEN ENEVOLDSEN (SECTION A, FATE) Y EL CANTANTE JEROME MAZZA, QUIEN NOS RESPONDE LA NOTA Y ADEMÁS NOS CUENTA SU COLABORACIÓN CON SU MÁXIMO IDOLO: STEVE WALSH (KANSAS)

RP – Jerome, cóntanos cómo fue el contacto con Torben Enevoldsen que dio a luz a Pinnacle Point …

Torben y yo nos conocimos en Facebook a finales de diciembre de 2015 y decidimos hacer un proyecto juntos. Quería que el álbum fuera progresivo, melódico y de tipo sinfónico, ya que mis composiciones siempre han estado influenciados por Kansas. Torben contribuyó con las canciones más orientadas a la guitarra en el álbum. Llamé al proyecto “Pinnacle Point”

RP – “Winds of Change” es un álbum que fusiona lo mejor del rock melódico con toques progresivos. ¿Fue algo que se buscó o se dio naturalmente?

Salió naturalmente. Este es el tipo de música para el que siempre fui atraído.

RP – Desde que se lanzó el disco, no han dejado de recibir buenas críticas. ¿Esperabas tener tan buenos comentarios sobre el disco?

No tenía idea de que obtendría las excelentes críticas que recibió. Ciertamente esperaba que fuera bien recibido y es una gran sensación saber que la gente lo este disfrutando.

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RP – Algunas de mis canciones favoritas son  “All We Need to Know”, “The Damage is Done” y la hermosa balada “What Will it Take”. En esta última especialmente hay un extraordinario trabajo vocal. ¿Cómo trabajas tus partes vocales?

Muchas gracias. Realmente lo aprecio. No estoy seguro de cómo responder esa pregunta. Cuando entro al estudio para grabar, incluyo todo lo que tengo en cada canción y espero que esa emotividad llegue al oyente.

RP – Pinnacle Point es un proyecto de estudio en este momento. ¿Hay chances de que se transforme en una banda real o hacer algún show?

Sí, la hay. Estoy en proceso de composición del próximo álbum de Pinnacle Point con Rich Ayala, quien comparte el mismo amor por el rock sinfónico. Tengo a mis compañeros de banda listos para tocar en vivo una vez que se complete el segundo álbum. El segundo álbum de Pinnacle Point será producido por Mike Slamer (Streets, Seventh Key, City Boy). También nos prestará su experiencia en guitarra, así que estoy muy entusiasmado con eso. Este álbum saldrá por el sello Escape Music probablemente en la primavera de 2018.

RP – Al escuchar el álbum, puedo ver el amor por Kansas. Tu voz tiene algo de Steve Walsh y ahora sos parte de “Black Butterfly”, el nuevo álbum de Walsh. Estás compartiendo una canción con él aparte de ser el cantante del álbum. ¿Qué se siente ser parte del álbum de uno de tus héroes?

Es una sensación increíble. Steve Walsh fue y siempre será el mejor cantante  del planeta, por lo que tener la oportunidad de cantar en una canción con él (“Born In Fire”) es un recuerdo que nunca olvidaré.

SW

RP – Es extraño que en un álbum en solitario de Steve Walsh otro cantante tenga la voz principal. En “Black Butterfly” cantas algunas canciones, ¿verdad? ¿Por qué sucedió esto, Steve no quería cantar estas canciones?

En realidad, “Escape Music” nos puso juntos. Khalil Turk de “Escape Music” me descubrió al escuchar el álbum “Winds Of Change” de Pinnacle Point y tuvo la idea de que mi voz y la de Steve sonarían muy interesantes juntas, así que Steve y él me invitaron a cantar “Born In Fire” “. Estuvieron contentos con el resultado y me sugirieron poner mi voz a algunas pistas más. También voy a estar trabajando en un álbum solista con “Escape Music”, así como el próximo álbum de Pinnacle Point.  Fue una excelente manera de presentar a los seguidores de Steve otro artista del sello. Estoy muy agradecido con Khalil Turk y Steve Walsh … muy generoso de su parte por compartir su álbum conmigo.

RP – Cóntanos un poco sobre tus inicios en el mundo de la música. Sé que eras parte de Angélica, una banda cristiana. Anteriormente y después, ¿qué hiciste?

Fui el cantante principal del segundo álbum de Angelica “Walking In Faith” y luego me mudé a Los Ángeles. Poco después de llegar a L.A. fui contratado por Peter Criss (KISS) para ser cantante principal de su banda. No acepté ese concierto ya que el horario de gira era un conflicto en ese momento. Realicé muchos trabajos de sesión de estudio para otros compositores, así como comerciales para HBO, Pizza Hut, Coors Beer, etc.

RP – -Me gustaría conocer tu opinión sobre el nuevo material de Kansas y el nuevo vocalista Ronnie Platt.

He sido fan de Kansas desde que tengo 14 años y me gusta el nuevo álbum, así como el estilo de componer de Zak. Es un nuevo comienzo para el grupo y estoy feliz por ellos. Ronnie está haciendo un buen trabajo, él tenía unos enormes zapatos para llenar y le deseo todo lo mejor.

RP – Gracias Jereme! Puedes dejar un mensaje para todos los fans en Argentina…

Gracias, Diego. Muchas gracias a los fans en Argentina. ¡Son lo mejor! Estén atentos … ¡hay más por venir en 2018!

Entrevista: Diego Gonzalez

INTERVIEW WITH JEROME MAZZA:

– Jerome, tell us how was the contact with Torben Enevoldsen that gave birth to Pinnacle Point…

Torben and I met on Facebook in late December 2015 and decided to do an album project together.  I wanted the album to be a progressive, melodic, symphonic rock type album as my writing as always been influenced by the Kansas band.  Torben contributed the more guitar-oriented tracks on the album.  I named the project Pinnacle Pointe.

– “Winds of Change” is an album that fuses the best of melodic rock with progressive touches. Did it something that you searched or was something naturally? 

It comes naturally.  This is the type of music I have always gravitated toward.

– Since the record was released, it has not stopped getting good reviews. Did you expect to have such good comments about the disc? 

I had no idea it would get the great reviews it has received.  I certainly hoped it would be well received and it’s a great feeling to know people are enjoying it.

– Some of my favorite songs are “All We Need to Know”, “The Damage is Done” and the beautiful ballad “What Will it Take”. In the latter especially there is an extraordinary vocal work. How do you work your vocal parts?

Thanks so much.  I really appreciate it.  I’m not sure how to answer that question.  When I get into the studio to record, I pour everything I’ve got into every song and hope the emotion of the song comes through to the listener.

– Pinnacle Point is a studio project at the moment. Are there chances to transform it in a real band or give a concert?

Yes there is.  I am in the process of writing the next Pinnacle Pointe album with Rich Ayala who shares the same love of symphonic rock.  I do have my band mates ready to perform live once the second album is completed.  The second Pinnacle Pointe album will be produced by Mike Slamer (Streets, Seventh Key fame).  He will also be lending his guitar expertise so I’m very excited about that.  This album will be out on the Escape Music label most likely in the spring of 2018.

– When listening to the album I can see the love for Kansas. Your voice has something of Steve Walsh and right now it will be “Black Butterfly”, the new Walsh album. You’re sharing a song with him apart from being the singer of the album. What it feels to be part of the record of one of your heroes?

It’s an unbelievable feeling.  Steve Walsh was and always will be the best singer on the planet so to have the opportunity to sing on a track with him (Born In Fire) is a memory I’ll never forget.

 – It is strange that on a solo album by Steve Walsh another singer has the leading voice. In “Black Butterfly” you sing some songs, right? Why did this happen, Steve didn’t want to sing these songs?

Actually, Escape Music put us together.  Khalil Turk from Escape Music discovered me while hearing Pinnacle Point “Winds Of Change” album and had an idea that my voice and Steve’s voice would be very interesting together so he and Steve invited me to sing together with him on the track “Born In Fire”.  They were happy with the outcome and invited me to lend my vocals to a few more tracks.  I will be working on a solo album with Escape Music as well as the next Pinnacle Pointe album so it was a great way to introduce Steve’s audience to another Escape Music artist.  I’m very grateful to Khalil Turk of Escape Music and Steve Walsh…very generous of him to share his album with me. 

– Tell us a little about your beginnings in the world of music. I know you were part of Angelica a Christian band. Previously and later what did you do?

I was the lead singer for Angelica’s second album “Walking In Faith” and then moved to Los Angeles.  Soon after arriving in L.A. I was hired by Peter Criss (KISS band) to be his lead singer for the Peter Criss band.  I did not accept that gig as the touring schedule was a conflict at the time.  I did a lot of studio session work for song writers as well as commercials for HBO, Pizza Hut, Coors Beer, etc.

– I would like to know your opinion about the new Kansas material and the new vocalist Ronnie Platt.

I’ve been a fan of Kansas since I was 14 years old and I do like the new Kansas album as well as Zak’s writing style.  It’s a new beginning for Kansas and I’m happy for them.  Ronnie is doing a good job.  He had huge shoes to fill and I wish all the best.

– Thanks Jerome ! It was a honor for Rock & Prog. Please, leave a message for your fans in Argentina.

Thank you, Diego.  I want to say thank you very much to the fans in Argentina.  You’re the best!  Stay tuned…more to come in 2018!

Interview: Diego Gonzalez

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Jono “Life” (Frontiers Records 2017)

JONO_LIFE Cover_Finalmente llegó “Life” lo nuevo de Jono, la banda sueca que ahora bajo el sello italiano Frontiers Records emprende una nueva etapa. Los discos previos tanto “Requiem” (2013) como “Silence” (2015) mostraron una calidad compositiva exquisita, paseándonos por momentos que se acercaban a Queen, Kansas, Supertramp o Kansas con un sonido actual.

“Life” después de varias escuchas puedo afirmar que es un giro, no rotundo, pero un cambio en lo musical del grupo. Por un lado se alejan de la sombra de Queen casi por completo (grave error para mí) y se acercan mucho más a Muse y hasta cosas del Dream Theater más heavy (previamente había algo de esto), o sea dejan de lado por completo las influencias de los 70’s.

Por otra parte las guitarras de Stefan Helleblad y Leo Olsson suenan mas pesadas, y un punto en donde para mi flaquean es en mantener una línea de canciones similares en tempo y estilo, reinan los medios tiempos y se apoyan más en lo melancólico y oscuro, cuando antes había algo de felicidad en sus canciones.

El disco se puede dividir desde “Sailors” a “On The Other Side” donde se puede percibir el toque típico del grupo, con algunas novedades pero que no son muy marcadas. Lo que sí vale rescatar es el trabajo vocal de Johan Norrby quien se viene superando disco a disco y aquí hace su mejor trabajo sin ninguna duda.

Por otro lado, la otra mitad del álbum esta protagonizada por canciones extensas como “Down Side”, “To Be Near You” o “Trust” que sencillamente tiene momentos tan buenos como malos, con un resultado final que no me convenció, las canciones se hacen largas y pesadas, el metal progresivo no es para Jono.

“Requiem” me encantó y “Silence” me voló la cabeza, por esto las expectativas para éste nuevo álbum eran muchas, como también las dudas por el cambio de sello y sí iban a tratar de direccionar a la banda a su gusto. No sé si Frontiers Records manejo el nuevo rumbo, pero sí se que este no es el Jono que me había dejado la mandíbula por el piso con su propuesta accesible, llena de variantes y con maravillosos arreglos.

–  PUNTAJE: 6 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Mindfeels “XXenty” (Art Of Melody Music & Burning Minds Music Group 2017)

CoverItalia viene ganando terreno a pasos agigantados en el mundo del rock melódico y el sello Art Of Melody Music es uno de los responsables en darle un lugar al lanzamiento de bandas emergentes que nada tienen que envidiarle al resto. Mientras que sellos como Frontiers Records apuestan a proyectos o van a lo seguro, sin darle demasiadas chances a las bandas nuevas y menos de su país, este nuevo sello nos trae el debut de Mindfeels llamado “XXenty”.

La banda esta compuesta por Davide Gilardino en voz, Luca Carlomagno en guitarras, teclados y violín, Roberto Barazzotto en bajo e Italo Graziana en bateria. Como invitado especial en teclados estuvo Christian Rossetti.

Mindfeels transita por senderos del AOR / Westcoast tradicional, desde el inicio con “Don’t Leave Behind” se puede percibir mucho TotoChicago y Mr. Mister como principales influencias y así con todo el resto del material.

Canciones como “The Joker” , “It’s Not Like Dying”  y “Touch The Stone” demuestran el altísimo nivel de buen gusto del grupo con excelentes instrumentaciones, lo mismo pasa en el track final “The Number One”, una pieza que tiene guiños progresivos.

Lo más directo y cercano al AOR va por “Soul Has Gone Away” con aires a Work Of Art, “Skyline”  y “These Words” tiene el ADN  Westcoast, trayéndome a la memoria bandas como The L.A Cowboys o Time Gallery.

Otro interesante debut que nos llega desde Italia para seguir sumando bandas que prometen. Debut aprobado, pero esperamos más de Mindfeels.

– PUNTAJE: 8 / 10 –

Reseña: Diego Gonzalez

 

Wildness “S/T” (AOR Heaven 2017)

Wildness STMe ha llegado el disco debut de los suecos Wildness, hace un tiempo habían editado un EP bajo el nombre de “Alibi” (2014) y mostraba un material prometedor, dentro de un hard rock melódico con todos los ingredientes escandinavos que no pueden faltar.

Finalmente ahora llega el larga duración homónimo bajo el sello AOR Heaven y reafirman lo hecho en el EP entrando en la liga de bandas como H.E.A.T , Eclipse, Work Of Art o Wingelius.

 Son doce canciones las que forman parte de este disco debut destacándose canciones como “War Inside My Head”, un comienzo poderoso fusionando el costado pesado de Eclipse y la rabia de H.E.A.T (que lamentablemente en su último disco perdieron).  “Shadowland” es otra gran opción más que interesante, cuando la potencia y gancho se unen no hay con que darle. Para destacar en todo el disco el trabajo del vocalista Gabriel Lindmark, que sí bien esta en un nivel medio hace lo suyo a la perfección.

Algunas composiciones como “Stanger” o “Down The City” recordarán al H.E.A.T con Kenny Leckremo en la voz y más allá de las comparaciones, salen aireosos del plagio. El resto del material sigue un camino similar con algunos momentos más felices que otros, por ejemplo la balada “The Flame”  lamentablemente no me convence, no explota nunca, “Highlands” es un calco a Eclipse cuando quiere sonar a Gary Moore o Thin Lizzy y la inclusión de “Welcome The Night” donde suenan a una simple banda de hard rock americana, parece fuera de lugar en relación al resto del material.

Estamos frente a un disco debut de una banda muy joven que seguro tendrá un largo camino por recorrer, una sacudida de influencias para espantar los fantasmas no le vendría mal, y ahí creo que estaríamos hablando de una gran promesa. Por el momento cumplen y demuestran calidad, más de una banda hoy quisiera tener un debut como este.

– PUNTAJE: 7.50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Satin “It’s About Time” (Verum Music 2017)

SATIN_It's About Time_CoverEl cantante noruego Satin nos presenta su segundo disco de estudio que se llama “It’s About Time“, luego del interesante debut del 2014 donde logro llamar la atención de todos aquellos que aman el hard rock melódico y el AOR, fusionando ambos estilos a la perfección y demostrando su amor por Bon Jovi como por Kiss, sus dos bandas de cabecera, pero sin perder ese toque AOR retro que le sale perfecto.

En esta nueva entrega sigue en la misma linea pero reforzando las canciones y apoyadas con una producción mucho más lograda que la del debut. Esto pueden apreciarlo desde el primer track “Look Up In The Sky” y la que le sigue “I’ll Never Let You Down”, en está última su amor por Bon Jovi no puede ocultarlo, pero logra desprenderse por momentos y es ahí  donde sale ganando.

Como dije coquetea con el AOR tradicional y americano y eso se nota en canciones como “Waiting For Someone” , “This Time” , “The Damage Got Done” o “Lying Eyes” donde trae a la memoria bandas como Honeymoon Suite, REO Speedwagon y Preview, además de artistas como Richard Marx o Bryan Adams.

Los momentos más hardrockers del disco pasan por “Use It Or Lose It” y “True Love”, donde las guitarras (tocadas por el propio Tom Satin, al igual que el resto de los instrumentos) suenan en primer plano, pero sin perder el hilo melódico de la canción, ya que siempre caen en un estribillo ganchero y sirven además para demostrar la calidad de cantante que es este muchacho y en la balada “Heading For A Fall” brilla como las mejores voces del género.

Tan bueno o mejor que su debut (acá saquen sus propias conclusiones) Satin volvió a demostrar que se puede hacer buena música trayendo el pasado y sonando como en el presente y sin caer en repeticiones. Diez canciones, las justas y necesarias para un disco de hard rock que no tiene un punto flojo. Mientras abundan los proyectos y rejuntes de músicos que cada vez aburren más, es bueno y saludable encontrar artistas como Satin.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Kansas “Leftoverture Live & Beyond” (Inside Out Music 2017)

636397623741500176Siempre es bienvenido material en vivo de Kansas (el último fue “There’s No Place Like Home” del 2009) y en esta oportunidad era algo muy esperado ya que la banda no solo estuvo presentando material de su último disco de estudio “The Prelude Implicit” ( luego de 16 años) sino que además celebraron los 40 años del mítico álbum “Leftoverture” tocándolo completo.

“Leftoverture Live & Beyond” fue tomado de varias presentaciones del tour, bajo la producción de Jeff Glixman (el legendario productor de la banda) y dejando casi completo el set del tour, digo casi completo,  porque se obvió el set acústico con que el iniciaban los conciertos, seguramente para dar un material en directo más crudo, rockero y sobre todo muy progresivo.

El primer disco esta compuesto por varias canciones de la era clásica del grupo y algunas piezas más actuales. El inicio está a cargo de “Icarus II” y seguida pegan la maravillosa “Icarus-Borne of Wings of Steel”. Las canciones tradicionales como “Point Of Know Return”, “Paradox” y “Dust In The Wind” son de la partida (¡no pueden faltar!), y el punto fuerte de la primer parte del show está en el agregado de las composiciones más épicas y progresivas de los dos primeros discos, por un lado “Journey from Mariabronn” del debut y “Lamplight Symphony” de “Song For America”. En la parte final del primer set se despiden con material del último disco y así suenan; “Rhythm in the Spirit”, una excelente versión de la pieza progresiva “The Voyage of Eight Eighteen” , cerrando la primera parte del show con “Section 60”.

La segunda parte delestá dedicada al glorioso “Leftoverture”, tocándolo en forma completa y como fue editado tema a tema. Curiosamente eliminaron el comienzo donde se iban sintonizando emisoras y en cada una aparecía una canción clásica, hasta llegar a la inmortal “Carry On Wayward Son”. La parte a capella esta grabada  y se corta abruptamente para que la banda te sacuda con su ingreso. Así pasan piezas como “The Wall”, una enérgica “What’s On My Mind” “Miracles Out of Nowhere” que no suele fallar. Para los fans, lo más interesante pasaba por escuchar “Opus Insert”, una canción que fue tocada contada con los dedos de una mano y “Question Of My Childhood” que nunca había sido interpretada en vivo hasta éste tour. El final de esta obra majestuosa compuesta por Kerry Livgren se pone sinfónico y épico con “Cheyenne Anthem” y el cierre con “Magnum Opus”, ¡más no se puede pedir!. Pero la banda se despacha con una última canción, la elegida fue “Portrait (He Knew)” del otro disco clásico “Point Of Know Return” que este año cumple sus 40 años y probablemente haya un tour similar para celebrarlo.

En cuanto al trabajo del grupo, no se encuentran fisuras, Phil Ehart sigue siendo el capitán del barco y golpea sus parches cada vez mejor, las guitarras de Rich Williams y Zak Rizvi se entienden a la perfección, David Manion cumple con los teclados, David Ragsdale con su violín y Billy Greer con su bajo y aportando voces son otros de los pilares del grupo al que Ronnie Plat se amoldó a la perfección, teniendo que ocupar los enormes zapatos de Steve Walsh y demostrando que está a la altura de las circunstancias.

Los discos en vivo no siempre dejan contentos a todos, siempre falta “tal canción…”, pero creo que en este caso Kansas hizo una correcta elección de su extenso y estupendo repertorio, sobre todo dándole prioridad al material más progresivo. Una pena que no se vaya a editar en Blu-ray y/o Dvd. Pero aquellos que adquieran el CD, el vinilo o la edición digital no van a sentirse defraudados, por supuesto no es “Two For The Show” (a mí entender uno de los mejores discos en vivo de la historia del rock), pero dentro de la discografía en vivo de los muchachos de Topeka se postula entre los primeros lugares.

– PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Sons Of Apollo “Psychotic Symphony” (Inside Out Music 2017)

Press_Cover_01La máquina de gestar proyectos que es Mike Portnoy no para, ya cuando era miembro de Dream Theater había empezado con este vicio y una vez fuera del grupo no tuvo límites. Mientras gira tocando temas de la banda que lo vio nacer y haciendo completa la suite de los 12 pasos (Twelve Suite) junto a Haken como banda de apoyo y el agregado de Eric Gillete (Neal Morse Band) en días estará lanzado el disco debut de Sons Of Apollo.

En este nuevo súper grupo lo acompañan Derek Sherinian (ex Dream Theater) en teclados, Billy Sheehan (Mr. Big , The Winery Dogs) en bajo, Ron “Bumblefoot” Thal (ex GNR) en guitarras y Jeff Scott Soto (WET, ex Malmsteen) en voz.

“Psychotic Symphony” es el título del álbum y las expectativas desde el anuncio fueron muchas, sobre todo por volver a trabajar junto a Derek Sherinian con quien compartió varios años en Dream Theater, dejando su aporte en “A Change Of Seasons” y en “Falling Into Infinity”. Este disco tiene poco de  dichos discos, quizás el único nexo son las teclas de Sherinian pero va orientado a un metal progresivo más aguerrido y vertiginoso.

“God of The Sun” abre el álbum y  es sencillamente demoledora, una canción que por supuesto nos trae a Dream Theater a la cabeza, por su personal metal progresivo, pero el toque que le da Jeff Scott Soto te libera de esas comparaciones, de hecho era el cantante menos esperado para un proyecto de Mike Portnoy, sobre todo por que está mayormente ligado al hard rock, pero cumple en todo el disco y no desentona.

Los adelantos fueron “Coming Home” y “Signs Of The Time”, que personalmente no me sorprendieron y después de varias escuchas sigo manteniendo la misma opinión. Ambos temas de un metal modernoso con algunos arreglos que no dicen mucho, sobre todo en la segunda mencionada, que esta más trabajada pero solo se salva el trabajo de Thal quien demuestra ser un guitarrista ultra virtuoso.

“Labyrinth” al igual que el tema de apertura distan mucho de los singles, acá nuevamente se puede escuchar al súper grupo brillar en los casi 10 minutos que dura esta maravilla, para que se den una idea, imaginen el Dream Theater de “Black Clouds Of Silver Linnings” pero con Derek Sherinian en las teclas, que es el polo opuesto a Jordan Rudess.

Dejando un poco de lado el virtuosismo extremo aparece “Alive”, una canción con un tinte cercano al hard rock, las teclas de Sherinian vuelven a lucirse y a estar en un primer plano, creo que esta canción hubiese sido la adecuada como adelanto del disco.

Otra de las canciones que seguro a vos que amas el metal progresivo mas pirotécnico te va a volar la peluca es “Lost In Oblivion”, una composición que tiene algo de Symphony X y que seguramente en vivo será una aplanadora.

La idea del proyecto de fusionar algo de lo actual con la vieja escuela queda plasmado en “Figaro’s Whore” un intro de Derek Sherinian al mejor estilo Jon Lord que da lugar a “Divine Addiction” , un tema con mucho Deep Purple en las venas, sobre todo de la época de “Perfect Strangers”.

Llegamos al final (¡y qué final!) con “Opus Maximus”, una pieza instrumental donde Portnoy, Sherinian, Thal y Sheehan no se guardan nada. Junto con el tema de apertura lo mejor del álbum.

Sons Of Apollo se pondrá en marcha el año próximo donde posiblemente nos visiten y presenten este gran material en vivo. Pulgar en alto para este nuevo proyecto de Mike Portnoy, no entren en la estúpida pelea “Portnoy vs Dream Theater”, pongan “play” y disfruten de “Psychotic Symphony”.

– PUNTAJE: 8.50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

Wobbler “From Silence To Somewhere” (Karisma Records 2017)

Wobbler-IV-2400pxWobbler están de regreso con su cuarto álbum “From Silence To Somewhere”, la banda desde el 2005 con su disco debut “Hinterland” se postuló como unos de los abanderados del rock progresivo vintage, trayendo no solo influencias de Yes, Genesis, Gentle Giant o King Crimson sino que también sonado como ellos en los dorados años 70’s (además de la imagen).

A lo largo de los años la banda fue sufriendo algunos cambios en su alineación, hoy está compuesta por Lars Fredrik Frøislie en teclados, Kristian Karl Hultgren  en bajos, Martin Nordrum Kneppen en bateria y percusión (estos tres miembros los únicos originales), Andreas Wettergreen Strømman Prestmo en voz, guitarras y percusión y Geir Marius Bergom Halleland en guitarra líder y coros.

El nuevo lanzamiento cuenta de cuatro canciones (casi tres por que “Rendered in Shades of Green” es una casi una intro) y como no podía ser de otra manera en su gran mayoría extensas como la apertura a cargo de  “From Silence To Somewhere”, la pieza más larga del álbum (casi 22′) donde nos pasean por el viejo Genesis, algo de Focus, y esos climas épicos que recuerdan a las glorias del rock progresivo italiano.

Como dije previamente “Rendered in Shades of Green” es una intro que sirve para dar comienzo a la rabiosa “Fermented Hours” que solo tiene unos pasajes calmos de relajo pintados con el hammond y la voz que tiene el dramatismo de un Gabriel o Hammill con los últimos momentos cantados en italiano demostrando su amor por el prog de aquellas tierras donde en los 70’s reinaban PFM, Le Orme o Museo Rosenbach, luego el tema vuelve a la explosión del inicio redondeado uno de las mejores creaciones del álbum.

Finalmente nos queda “Foxlight” una canción más experimental, con un comienzo parsimonioso para luego elevar el ritmo y entrar en trance, instrumentaciones complejas, la flauta que va y viene al igual que el hammond, una canción que da un cierre interesante al disco, de carácter más cruda pero al mismo tiempo con arreglos sinfónicos típicos del genero, acá hay mucho Jethro Tull y Yes.

Otro gran disco de los noruegos, personalmente mucho más entretenido y original que su antecesor “Rites At Dawn” (2015), pero sin la sorpresa de los los dos primeros lanzamientos. Absolutamente recomendable para aquellos que añoran la década del setenta donde el rock progresivo / sinfónico estaba en su esplendor.

– PUNTAJE: 8.50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

Houston “III” (Livewire/Cargo Records UK 2017)

Houston_III_CoverRegresa Houston con su tercer álbum titulado simplemente “III”, en realidad sería el quinto ya que están los “Relaunch”  (I y II) que incluían mayormente covers y algunas pocas canciones nuevas. Los suecos siguen apostando al rock melódico con raíces en los 80’s y sobre todo del lado americano, pero también coqueteando con el Pop/AOR mas ganchero recordando a bandas como 7th Heaven o Lionville.

El único miembro original que quedo es el cantante Hank Erix, ahora acompañado por Soufian Ma’Aoui en bajo, Calle Hammar en guitarras, Victor Lundberg en teclados y Oscar Lundström en bateria.

Canciones como “Cold As Ice” (ojo, no es un cover de Foreigner) tiene todos los elementos típicos del AOR perfecto de los 80’s que hicieron a la perfección en su disco debut.  “Everlasting” y “Dangerous Love” son muestras del estilo más accesible del grupo y orientado al pop efectivo, que no les sale nada mal.

Lo mismo pasa a la hora de pasar a las baladas como “Lights Out” donde van para el lado del Westcoast poniendo énfasis en la suavidad y delicadeza de los arreglos. Inmediatamente pasamos al AOR que hizo brillar a Journey o Survivor con “Amazing” y “To Be You”, personalmente me gusta mas esta faceta del grupo pero hay que reconocer que cuando van al Pop se los ve más cómodos y hasta me animaría a decir que empiezan a tener un sello propio, una marca registrada.

Y en “Glass Houses”  y “Twelve-Step” se nota a la perfección el camino actual del grupo, un sonido moderno pero la búsqueda del estribillo efectivo y adictivo esta presente. Cerrando el disco llegan “Road To Ruin”  e “Interstate Life” que mantienen el nivel compositivo de las canciones previas, AOR con tintes poperos rozando un fino Westcoast, apoyados en primer plano por las teclas y las armonías vocales que abundan en todo el material.

Vale rescatar el trabajo de producción a cargo de Martin Karlegård (Reptile Smile) a quien la banda le dio un lugar importante para este nuevo lanzamiento y lo mencionan como uno de los pilares para este renacimiento del grupo.

Están avisados Houston ha vuelto renovado y con un gran material bajo el brazo, no lo dejen pasar.

–  PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

 

 

 

Adellaide “Flying High” (Lions Pride Music 2017)

LPM054 - Adellaide - Flying High (Info Sheet 2017)¿Alguna vez imaginaste a Angra  haciendo AOR?… bueno, acá vengo a presentarte a Adellaide y su disco debut “Flying High”. Está es una banda brasilera que se formo en el 2016 cuyos integrantes unidos por el amor al rock melódico de bandas como Journey, Survivor y Asia (hay muchas teclas con el sello de Geoff Downes) , además de algunas agrupaciones actuales como Work Of Art, Lionville o Wild Rose, le dieron vida a una propuesta interesante para el mundo del AOR.

Las comparaciones con Angra se pueden dar ya que el vocalista Daniel Vargas posee ciertos parecidos con Edu Falaschi (sobre todo), pero también tiene algunas similitudes con Andre Matos. Dato a;parte el disco fue producido por Tito Falaschi (hermano de Edu), pero es solo anecdótico.

Junto a Daniel Vargas en la voz, el grupo se conforma con Ale Nammuer en guitarras, Cadu Yamazaki en bajo, Leandro Freitas en teclados y Claudio Nammur en bateria.

Dentro de las onces canciones del álbum encontrarán estupendas composiciones como “Running”, “Nights In Japan” o “Heroes”, cargadas de teclados, estribillos asesinos y guitarras que no se quedan atrás, pero el mejor ejemplo aparece en “Talisman”.

Siguiendo el legado de Toto y que en los últimos tiempos tomó Work Of Art la banda incluye dos canciones con nombres femeninos “Andrea” y “Caroline”, puro AOR bien ejecutado, lo mismo pasa cuando pisan terrenos mas suaves como en “Blind Love” y otros más aguerridos como en “Stone Of Truth” o “Learn To Live”.

Sin lugar a dudas una de las sorpresas del año dentro del mundo del rock melódico, un disco que crece mucho con el paso de las escuchas y que va haciéndose adictivo, síntoma de que algo bien estos muchachos hicieron.

–  PUNTAJE: 8,50 / 10 –

Reseña: Diego Gonzalez