Reseñas de Discos: Dream Theater / Queensrÿche

636784035845872102Dream Theater “Distance Over Time” (Inside Out Music 2019): Los reyes del metal progresivo están de vuelta con su disco N° 14, ofreciendo un material directo, no solo por el trabajo compositivo sino también por la cantidad de canciones y su duración. El trabajo en lineas generales se centra  y ofrece un pantallazo de lo mejor que hicieron en todos estos años de carrera, entre lo más destacado aparece “Barstool Warrior”, “Fall Into Light” , “At Wit’s End” y “Pale Blue Dot”, quizás lo más cercano al Dream Theater de los 90’s, donde el costado melódico/progresivo tiene un alto protagonismo. Por otro lado hay canciones con un momentos más agresivos y rockeros como “Room 137” o “S2N”, a esto súmenle la infaltable balada: “Out Of Reach” (excelente trajo de James LaBrie) y entre lo menos destacado me quedo con los dos temas de inicio, “Untethered Angel”  y “Paralyzed”, parecen rellenos o descartes de otros discos, quizás si los hubiesen puestos separados la sensación sería otra. El bonus es “Viper King”, una canción divertida y algo alejada al material del álbum, pero como bonus queda muy bien, los guiños a Deep Purple le dan un lindo color al tema.  Confieso que con el paso de las escuchas el disco fue sumando puntos y se le puede ir descubriendo muchas cosas. Lo más destacado es el trabajo de John Petrucci, con unos momentos memorables, sobre todo a la hora de los solos. Otro disco de Dream Theater con un  nivel a la altura de su trayectoria, otra cosa no se podía esperar.

 – Puntaje: 8 / 10 –

 

636800465569950567Queensrÿche “The Verdict” ( Century Media Records 2019):  ¿La tercera es la vencida?…parece que Michael Wilton y cía finalmente la pegaron. No les voy a mentir diciéndoles que es un disco que vaya a competir con “Rage For Order” o “Empire” y mucho menos con “Operation: Mindcrime”, estimo que tampoco es la idea de ellos, esto es simplemente acercarse a estas joyas o por lo menos lograr captar la esencia de aquellos años con un disco digno. Sin la voz de Geoff Tate la banda sigue viva, se lamenta su ausencia por supuesto, pero no puedo negar que Todd La Torre viene haciendo un trabajo formidable y aquí lo deja más que asentado (además grabo las baterias). Escuchar canciones como “Man The Machine” o “Propaganda Fashion” no pueden no sacar una sonrisa y esperen la parte final del álbum que comienza con “Bent”, “Inner Unrest”, “Launder The Conscience” y “Portrait”, una mejor que la otra y repasan de una punta a otra lo mejor de Queensrÿche.  Está banda conoció la gloria absoluta y cayó en picada de un envión, hace unos discos que intenta tomar vuelo y creo que con “The Verdict” lo conseguirán. Sin dudarlo afirmo que es el mejor disco de la era La Torre y me animó a decir, lo mejor desde “Promised Land”.

– Puntaje: 9 / 10 – 

 

 

Steve Hackett “At The Edge Of Light” (Inside Out Music 2019)

Press_Cover_01Steve Hackett edita “At the Edge of Light”, ésta es una obra que basa su temática en un concepto comprometido con una época donde los músicos son motivados por causas nobles y se suman a los pedidos de toma de conciencia de las crisis humanitarias, ecológicas y bélicas que conmueven al planeta.

Según comenta el mismo Steve Hackett, la obra lo conecta con el mundo porque aludiendo al surgimiento de la extrema derecha en el planeta, hace un llamado a la unidad de los seres humanos para lograr el bienestar general, especialmente el de los países más necesitados, con una visión optimista pese a la crítica situación que afronta la sociedad, resumido este concepto en el título que da nombre al álbum, en el límite de la luz. En relación con su música, también comenta que más que un álbum conceptual es un reflejo de energías, no tiene momentos acústicos y el rock se desarrolla en un sentido más amplio, experimenta con instrumentos étnicos y su sonoridad es esencialmente británica inspirada en fuentes extranjeras.

La obra es de una destacada producción, motivada en gran parte por los músicos invitados que han desplegado su profesionalismo y el uso de los mencionados instrumentos étnicos a lo largo de los temas, Steve como es típico en su forma de trabajo creativo, mezcla estilos en cada tramo con el apoyo también habitual de su esposa Jo para la composición, su hermano John Hackett y Roger King.

Los músicos invitados son: Gulli Briem – batería, percusion, Dick Driver – doble bajo, Benedict Fenner – teclados y programación, John Hackett – flauta, Roger King – teclados, programación y arreglos orquestales, Amanda Lehmann – vocalista, Durga McBroom – vocalista, Lorelei McBroom – vocalista, Malik Mansurov – tar, Sheema Mukherjee – sitar, Gary O’Toole – batería,
Simon Phillips – batería, Jonas Reingold – bajo, Paul Stillwell – didgeridoo, Christine Townsend – violín, viola, Rob Townsend – saxo tenor, flauta, duduk, bajo, clarinete, Nick D’Virgilio – batería, y lógicamente Steve Hackett – guitarras acústica y eléctrica, 12 cuerdas, dobro, bajo, armónica, vocalista.

La obra abre con una corta pieza instrumental, “Fallen Walls and Pedestals” en una modalidad de puente que conecta con el segundo tema, “Beasts in your Time” que a través del enlace deriva en otro tiempo y estilo, sinfónico, vocalizado por Steve Hackett con importante entrada de vientos en saxo y flauta, rotando a un tramo rockero más oscuro llevado por la guitarra. “Under the Eye of the Sun” es un tema ligero, con realzado coro colectivo y el uso de instrumentos autóctonos, guitarras y teclados. “Underground Railroad” destaca los distintos vocalistas invitados con bellas incursiones individuales y en coros, de estilo étnico, con tintes folk y hermosas voces en estilo gospel logrando uno de los mejores momentos del álbum, no menos que “Those Golden Wings” un maravilloso tramo que brilla en sus arreglos orquestales, sinfónico en voces y majestuosos coros, convirtiéndose en el temas más emotivo ya que relata en la lírica una canción de amor inspirada en una historia de Steve y su esposa Jo. “Shadow and Flame”, es un tema de estilo definitivamente indio, étnico, en sitar con una clara fusión de música tradicional y contemporánea, motivado por un viaje de Steve a la India y la forma particular de concebir la muerte en esa cultura. “Hungry Years” es quizá el tema menos comprometido del álbum, ligero, de tramos corales e individualizados que despliega un optimisto que hace un marcado contraste con la trilogía final, donde Steve Hackett hace su manifiesto en los tres temas que originan el tema de fondo de la obra, comenzando por “Descent” que desarrolla una marcha bélica de atmósfera tenebrosa, totalmente instrumental, “Conflict” se adentra aún más en el clima previo de forma más dramática, instrumental igualmente con destacada guitarra, cerrando con “Peace” en piano y voz, coros sinfónicos y colectivos y plena instrumentación en el mensaje final, reflexivo e idealista por un mundo mejor.

El arte de portada pertenece a los artistas Maurizio y Ange La Vicedomini, una hermosa composición que ilustra explícitamente el espíritu de la obra.

– PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú

Roine Stolt’s The Flower King “Manifesto of an Alchemist” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01Los fans de Roine Stolt tenemos motivos para festejar, ya que la edición del álbum Roine Stolt’s The Flower King “Manifesto of an Alchemist” nos reencuentra con la nostalgia de la maravillosa banda en una obra que se enmarca dentro de un concepto elaborado por Roine Stolt donde según palabras vertidas en la entrevista otorgada a este blog, trata a la alquimia como a la forma en que las personas o fenómenos -visto en perspectiva según el ámbito- obtienen ganancias a partir de cualquier elemento en el intento de convertirlos en oro, y el manifiesto se refiere a las formas de obtención de estos beneficios prevaleciendo por sobre el costo de la calidad de vida, en clara alusión a los tiempos que vivimos actualmente enmarcado dentro de una forma de poesía musical reflexiva.

Roine otorga a la obra contenidos melódicos, rifs e ideas gestadas con los años, desarrollados en la guitarra y el sintetizador con la frescura que le otorga la espontaneidad, que es la forma en que trabajó con los mismos, hace un maravilloso uso de los coros, siendo él mismo vocalista en la mayoría de los temas ya que las líricas son importantes y le imprime de este modo su sentir de la visión del mundo.

Los músicos que acompañan a Roine Stolt, (vocalización, guitarras, teclados y composición) son:
Jonas Reingold, bajo; Hans Froberg, guitarras, vocalización; Michael Stolt, bajo, vocalización; Marco Minnemann, batería y vocalización; Max Lorentz, órgano Hammond, Zach Kamins, teclados; Rob Townsend, saxo, flauta, percusiones y voz y Nad Sylvan voz de apoyo.

Los temas recorren distintas formas y estilos y van remontando la altura emocional de la obra en su avance con tramos netamente instrumentales como vocalizados, transmitiendo la expresión del concepto en la lírica y las ambientaciones lograda. “Rainsong” es una breve intro coreada y de efectos climáticos, “Lost América” rockea y destaca el bajo que enmarca el ritmo ágil, vocalizado y coreado, con bellos trechos diáfanos y melodiosos. La oscuridad se siente en “Ze Pawns” apoyada en los tambores coros y guitarras, de abundante lírica y relatos ambientados en una atmósfera dramática. “High Road” es un tema de espíritu muy flower, melodioso, acompañado de coros, teclados, sintetizadores y destacada guitarra. Y si la expectativa fue creciendo hasta este tramo de la obra, lo que sigue justifica por demás lo que esperamos de ella, “Río Grande” es un instrumental maravilloso con un tramo que crece en la emoción, abriendo con ágiles tambores y efectos percusivos suma instrumentación y promediando se torna diáfano, sutil llevado por la batería, bajo, teclados y guitarra y rotando el sentido rítmico en bellísimos efectos climáticos. “Next to a Hurricane” de tendencia folk comienza entre ladridos caninos, efectos sonoros y guitarra acústica, cuenta con el apoyo de Nad Sylvan en la vocalización y es un bello, melodioso y delicado de formas rítmicas y hermosos coros. “The Alchemist” en un tema instrumental que despliega abundante creatividad en un estilo que tiene fusiones jazzeras, adquiriendo el jazz un estado puro en el último tramo a través de la intervención del saxo, que previamente intercalado con la guitarra que aporta el lado rocker le impregnan ambos al tema homogeneidad en una maravillosa armonía instrumental. “Baby Angels” es otro hermoso en guitarra acústica que entre dulces arrullos vocales arma una trama melódica y nostálgica muy conmovedora. En “Six Thirty Wake-up” se despliega un instrumental que pareciera desprenderse de los últimos sonidos del tema previo, derivando en un hermoso poético entre efectos y flauta, guitarra y órgano. “The Spell of Money” cierra dentro de una dinámica de marcha en un tema que refleja el mensaje conceptual de la obra llevando tanto a oscuridades como a melodiosos tramos armónicos, aportando todas las atmósferas en el mensaje final.

El hermoso artwork de portada pertenece al artista Shaun Beyond, en una composición sumamente creativa que aporta el lado visual integrado al contenido sonoro de la obra.

–  PUNTAJE: 9 /10 – 

Reseña: Lily Belgú 

Riverside “Wasteland” (Inside Out Music 2018)

636674280969764143Aires de cambio para la banda polaca Riverside, que llegan a través de su nuevo álbum “Wastelland” de edición 2018, el primero luego de la trágica pérdida de su guitarrista y co-fundador Piotr Grudzinski, ya que luego del deceso del músico se editó “Eye of the Soundscape” en setiembre de 2016, -disco que resultó de una recopilación de canciones y experimentos de distintas épocas de la banda- llega el flamante “Wastelland” marcando un antes y un después en la historia la banda.

Como suele acostumbrar Mariusz Duda tanto con Riverside como con su proyecto solista Lunatic Soul, cada obra se desarrolla dentro un concepto basado en experiencias existenciales de la vida humana y la búsqueda de la superación personal, en todas con un estilo reflexivo y profundo que siempre llega a tocarnos de alguna manera, en “Wastelland” el fundamento es el post-apocalipsis y la consiguiente supervivencia luego de la tragedia, con una forma de relato muy simbólica donde las reflexiones de alguien que intenta sobrevivir luego de una dolorosa pérdida nos trae la imagen ausente de Piotr Grudzinski, del mismo modo Mariusz comentó que la banda debía demostrar que puede sobrevivir sobretodo por los fans que creen que Riverside dejó de existir luego de la pérdida de Piotr, a lo que personalmente agrego que no sólo sobrevive sino que evoluciona, y esos aires de cambio que son parte de la nueva experimentación los enriquecen y dan forma a su música nunca mejor denominada “de progresión”.

El álbum consta de nueve tramos diferenciados por sus climas, dos de ellos a su vez subdivididos con una estructura sonora donde se siente mucho el gen Riverside como lógicamente corresponde a una banda que no debe perder su identidad, la voz de Mariusz Duda transmite su emotividad y toda su ductilidad utilizando tonos muy bajos, muy climáticos, es notoria una tendencia más acústica y una renovación en la parte técnica con la incorporación de instrumentos y de invitados, ellos son: Maciej Meller, guitarra, Mateusz Owczarek, guitarra, y Michal Jelonek, violín. Además de los miembros estables de la banda: Mariusz Duda, vocalista, compositor, (en algunos temas junto con Michal Lapaj), bajo, banjo, píccolo bass (contrabajo acústico), guitarras acústica y eléctrica, Michal Lapaj, teclados, piano Rhodes, órgano Hammond y Piotr Kozieradzki, batería y percusión.

La lírica toma elementos de obras de la ciencia ficción que fueron llevados a películas, libros y juegos, basados en visiones post-apocalípticas tanto del mundo desaparecido como de las turbulencias del mundo actual, el primer tema de título muy significativo, “The day after”, es un breve donde el espacio lo ocupa la voz de Mariusz en una intro a capella. “Acid rain, Part.I Where are we now?, Part.II Dancing ghost”, a través de rápidos fraseos en guitarra nos ubica en un clima oscuro y dramático donde en su segunda parte hace incursión la guitarra de M. Meller entre coros y líricas de fondo, ambas partes continuadas pero claramente diferenciadas. “Vale of tears” destaca a otro invitado, M. Owczarek, en formas sonoras de estilo heavy, también vocalizado, donde se desarrolla una muy buena instrumentación. “Guardian angel” es un bellísimo tramo, básicamente en guitarra acústica, la voz en tonos bajos, climáticos, piano, con hermosos toques de guitarra eléctrica. “Lament” de comienzo igualmente acústico aunque la voz retoma los tonos altos dentro de un tramo tanto contundente de sonoridad plena como diáfanos y poéticos, nostálgico, luego la vocalización y el violín lo redondean con maravillosos sonidos. “The struggle for survival, Part.I Dystopia, Part.II Battle Royal”, íntegramente instrumental presenta la lucha por la supervivencia con el bajo en su primera parte, la segunda destacando la guitarra de M.Meller, que introduce matices y acumula tensión integrando los tramos dentro de una atmósfera dramática que toma las formas sonoras de una batalla entre guitarras, llevando a un cierre entre banjo y coros. “River down bellow” es un tema fresco, nostálgico, melodioso, un acústico de bases y teclados muy marcados y hermosa guitarra, un favorito. “Wasteland” es la desolación, reflejada en guitarras acústicas, voz nuevamente en tonos bajos, órgano, piano, guitarra eléctrica, batería, violín dentro de una pieza donde la ambientación da el marco para recorrer diversos estados, fresco, nostálgico, dramático, es un tramo integral que integra a toda la instrumentación. Finalmente “The night before” cierra con un estilo sobrio, en letras de Mariusz Duda y música de Michal Lapaj, en voz, piano y una poesía que pareciera cantarle a la esperanza en un hermoso redondeo, muy bello.

Finalmente el arte de portada acompaña con formas visuales acordes con la ambientación de la obra en un diseño de Travis Smith, artista habitual en los artworks de la banda Riverside.

– PUNTAJE: 8,50 / 10 – 

Reseña: Lily Belgú

Haken “Vector” (Inside Out Music 2018)

636703709860889557Haken regresa con “Vector”, el quinto disco de la banda de metal progresivo inglesa que año tras año y disco a disco fueron creciendo dentro del ambiente y ya se puede decir que tienen un base importante de fans, de hecho el año próximo pasearan por Sudamérica por primera vez.

Éste nuevo lanzamiento consta de siete canciones (con una intro inicial “Clear”), un disco de corta duración para los tiempos que corren, pero personalmente lo celebró, el hecho de aprovechar al máximo la capacidad de un disco o peor aún repartir el material en dos discos suele traer resultados no muy buenos.

En cuanto a lo lírico, la banda basó este material en ciertas obras cinematográficas como El Resplandor o La Naranja Mecánica, dándole y buscando cierta oscuridad y surrealismo, como así también plasmar ideas desde un costado psicoanalítico donde presentan experiencias propias, sin dar demasiados detalles y dejando muchas cosas al parecer del oyente. Y para afianzar esa búsqueda, para el arte de tapa se inspiraron en el clásico test del psiquiatra Hermann Rorschach.

Estos hijos directos de Dream Theater fueron evolucionando álbum tras álbum, y despegándose de los álbumes iniciales (mis preferidos) donde el fantasma de los comandados por Petrucci estaba muy presente, como así también guiños al rock progresivo de los 70’s.

“Vector” es sin dudas el disco más “heavy” de Haken, desde el inicio con “Great Doctor” marcan el comienzo de un camino a recorrer en estos casi 45 minutos donde escucharán riff de guitarras en primer plano y una agresividad sonora que no habían desarrollado hasta ahora.

Esta nueva faceta pesada no les sienta mal, pero el trabajo de su cantante Ross Jennings termina de no cuajar por completo en algunas canciones, ya que su voz carece de potencia y se diluye fácilmente en las composiciones más enérgicas, como por ejemplo en “Puzzle Box” , tema que está salpicado fuertemente en varios pasajes por el discutido “Train of Thought” de Dream Theater.

“Veil” podríamos decir que sería el final de la cara A del álbum y es para mí la pieza clave del disco, perfectamente ubicada para balancear el material. La canción más larga y elaborada del disco que nos trae al Haken de antaño con algunos momentos instrumentales superlativos.

Entrando a la segunda mitad del disco aparece la instrumental “Nil By Mouth”, probablemente pierdan algunos fans progresivos pero más de un metalero caerá rendido al disco con canciones como estás que golpean directo al mentón.

Para bajar la tensión se presenta la calma y parsimoniosa “Host” que apenas amaga a levantar al final, canción que pasa desapercibida y candidata al olvido, lo más flojo del disco. Por último nos queda “A Cell Divides”, otra de mis canciones favoritas del nuevo lanzamiento, donde acá uno puede decir metal progresivo “a lo Haken”.

Puede que estemos presente ante un disco bisagra en la carrera de Haken o “Vector” quedará para la historia como el disco “oscuro y pesado” que nunca más volvieron a repetir. El tiempo dirá…

 – PUNTAJE: 7,50 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

 

The Sea Within “The Sea Within” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01The Sea Within es una banda creada por el dueño de Inside Out Music, donde reunió a varios músicos reconocidos de la escena actual: Roine Stolt (The Flower Kings) en guitarra , Jonas Reingold (Karmakanic) en bajo, Tom Brislin (Yes, Camel, Meat Loaf) en teclados, Marco Minnemann (The Aristocrast) en bateria y Daniel Gildenlöw (Pain of Salvation) en voces y guitarras. No es parte oficial del grupo (de hecho no esta en las fotos promocionales), pero Casey McPherson (Flying Colors, Alpha Rev) participa como cantante en varias canciones.

El álbum es variado y nos pasea por momentos, entre ellos oscuros y pesados como “Ashes Of Dawn”, Rob Townsend (Steve Hackett Band) con su saxo soprano le da un toque Crimsoniano que le realza la canción. Otros pasajes, menos afortunados tenemos en “They Know My Name” o “The Void”, que transitan caminos densos, apenas salvados por los solos de guitarras de Stolt y algunas intervenciones vocales de Gildenlöw.

El panorama cambia cuando aparece ” An Eye For An Eye For an Eye” , donde se nota la mano de Roine Stolt, al igual que en “Goodbye” donde aparece Casey McPherson en la voz líder haciendo un trabajo estupendo. Si el disco hubiese ido por este camino salían ganando.  “Sea Within”, es un instrumental insignificante que da pie a “Broken Cord”, nuevamente con McPherson en la voz líder y ayudado en los coros por el maestro Jon Anderson (Yes), con un comienzo que recuerda a los geniales Jellyfish pero luego se transforman en The Flower Kings, y ya van para otros terrenos.  El cierre del disco es con “The Hiding of Truth”, otra composición que no termina de explotar , van por lo experimental sin buenos resultados en mi opinión, ni Jordan Rudess (Dream Theater) la puede salvar. Hay una linda base de Minnemann / Reingold que más de una banda daría lo que sea por tenerlos, pero lamentablemente acá tienen un papel secundario.

El disco Bonus contiene 4 canciones, la extensa “The Roaring Silence”, agresiva y progresiva a la vez, uno de los momentos más inspirados de este súper grupo, ¡no se por que no la incluyeron en el álbum!. El resto de las canciones “Where are you Going?”, “Time” y “Denise”, se ganaron con creces ir al banco de suplentes, no tienen lo suficiente para ganarse la titularidad.

–  PUNTAJE: 7/ 10 – 

No Name Band!

The Sea Within 

1 Ashes of Dawn 00:06:00
2 They Know my Name 00:05:10
3 The Void 00:04:55
4 An Eye For An Eye For an Eye 00:07:00
5 Goodbye 00:05:30
6 Sea Without 00:02:27
7 Broken Cord 00:14:20
8 The Hiding of Truth 00:05:30
Bonus CD:
1 The Roaring Silence 00:08:00
2 Where are you Going? 00:05:50
3 Time 00:07:12
4 Denise 00:05:10

Line-Up:
Marco Minneman: baterias
Jonas Reingold: bajos
Tom Brislin: teclados y coros
Roine Stolt: guitarras, voces y teclados
Daniel Gildenlow: voces y guitarras
Casey McPherson: voz 
Invitados:
Jon Anderson: Vocals (Broken Cord)
Jordan Rudess: Grand Piano (The Hiding of Truth)
Rob Townsend: Soprano Saxophone (The Ashes of
Dawn)

Haken “L-1VE” (Inside Out Music 2018)

Haken live cdHaken registro su primer material en vivo bajo el nombre de “L-1ve” , concierto tomado de la presentación del grupo en Holanda, en el marco de los festejos por los 10 años de carrera donde giraron por Europa y Norte América.

El show fue tomado el 13 de Abril del año pasado y el lanzamiento es en CD y DVD, un regalo para sus fans que vienen acompañándolos desde hace años. El set list estuvo basado en su último disco de estudio “Affinity” (2016) y el anterior “The Mountain” (2013), de sus discos previos solo incluyeron, por un lado el “Aquamedley” , basado en su primer álbum “Aquarius” (2010) y la mega suite “Visions” que da nombre a dicho álbum del 2011, que cierra el show.

En cuanto al concierto hay que decir que lamentablemente no escapan a los discos (y DVD’s) en vivos actuales, donde los retoques y abusos de post producción no pueden faltar. Por momentos es demasiado para mí, sobre todo en el DVD donde sumado a lo sonoro, a nivel imágenes parece un video clip con paneos que van y vienen sin respiro y donde no se puede apreciar el trabajo individual de los músicos.

Una pena, porque si vas a YouTube y buscás videos del grupo en vivo te vas a dar cuenta que suenan de mil maravillas. No deja de ser un souvenir para los fans mientras esperan algo nuevo de Haken.

– PUNTAJE: 6 /10 –  

“L-1VE”

CD 1 (0:49:00)
1. affinity.exe/Initiate – Live in Amsterdam (06:00)
2. In Memoriam – Live in Amsterdam (04:42)
3. 1985 – Live in Amsterdam (09:21)
4. Red Giant – Live in Amsterdam (06:31)
5. Aquamedley – Live in Amsterdam (22:26)
 CD 2 (1:05:26)
6. As Death Embraces – Live in Amsterdam (03:50)
7. Atlas Stone – Live in Amsterdam (07:12)
8. Cockroach King – Live in Amsterdam (08:17)
9. The Architect – Live in Amsterdam (15:59)
10. The Endless Knot – Live in Amsterdam (06:34)
11. Visions – Live in Amsterdam (23:34)

Ross Jennings – voz
Richard Henshall – guitarra y teclados
Raymond Hearne – bateria
Charles Griffiths – guitarra y coros
Diego Tejeida – teclado y coros
Conner Green – bajo 

 

 

Spock’s Beard “Noise Floor” (Inside Out Music 2018)

Press_Cover_01“Noise Floor” es el nuevo disco de los ya legendarios Spock’s Beard, una banda referente del rock progresivo de las últimas décadas y una de las principales agrupaciones que mantuvieron vivo al estilo en los 90’s.

La banda paso por varias etapas, primero se fue su voz (y uno de los referentes) Neal Morse, para ser reemplazado por el baterista Nick D’Virgilio, quien luego dijo “adiós” y apareció el fenomenal Ted Leonard (Enchant).  En este lanzamiento D’Virgilio vuelve a hacerse cargo de los parches, pero parece ser que solo en el estudio, ya que tiene muchos compromisos para volver a retomar el ritmo con la banda.

El espíritu del grupo sigue vigente y activo gracias a Dave Meros (bajista), Ryo Okumoto (teclados) y a Alan Morse (guitarra), quienes nunca se bajaron del barco y mantuvieron con dignidad el nombre de la banda en todos estos años.

Para hablar de “Noise Floor” , hay que decir que la banda fue a la búsqueda de canciones más directas y accesibles, sobre todo si son comparadas con el aceptable “The Oblivion Particle”. Canciones como “To Breath Another Day”  o One So Wise” son una clara muestra de esta nueva faceta que intentan plasmar. No perder la esencia progresiva, pero que la canción sea efectiva y de fácil digestión.

Con esta dirección a Ted Leonard se lo escucha mucho más cómodo y con mayor protagonismo, hasta en canciones que suenan 100% a SB como “Have We All Gone Crazy Yet” que tranquilamente pudo haber sido parte de los primeros trabajos del grupo.

Otra composición para destacar es “So This Is Life”, donde se respiran aromas Floydianos y el señor de las 6 cuerdas, Alan Morse despliega todo su amor por David Gilmour con una excelencia envidiable. Lo mismo hace Ryo en el instrumental “Box Of Spiders” donde se viste de Keith Emerson y hace de las suyas.

El resto del material esta en un nivel muy parejo, al igual que el EP “Cutting Room Floor” que también nos han entregado, contiene 4 canciones exquisitas de corta duración donde el lado melódico/pop brilla por su excelencia.

Luego de varias escuchas puedo decir que este es el mejor trabajo del grupo desde el estupendo “X” del 2010. El cuarteto formado por Meros, Okumoto, Leonard y Morse se nota afianzado y revitalizado, está claro que a veces viene bien tomarse su tiempo para trabajar un álbum y no aburrir una y otra vez con lo mismo de siempre.

–  PUNTAJE: 9 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez

“Radio Voltaire”, el nuevo disco de Kino

KINO

Inside Out Music anunció la salida de un nuevo álbum de Kino, luego de 13 años de la edición de su disco debut “Picture”. El proyecto esta formado por John Mitchell (Arena, It Bites) en guitarra y voz, Pete Trewavas (Marillion) en bajo,  Craig Blundell (Steven Wilson) en bateria y John Beck (It Bites) invitado en los teclados.

El álbum llevará el nombre de “Radio Voltaire” y estará disponible el 23 de Marzo.

Steve Hackett “Wuthering Nights: Live In Birmingham” (Inside Out Music 2018)

press_coverLa costumbre de los últimos tiempos de Steve Hackett es: álbum de estudio, gira y material en vivo. Evidentemente al sello Inside Out Music le rinde y es por eso que ahora tenemos un registros (en audio y video) del tour donde celebró los 40 años del mítico “Wind & Wuthering” de Genesis y presento su último disco “The Night Siren”.

“Wuthering Nights: Live In Birmingham” fue tomado del show dado el 17 de Mayo del año pasado en el Birmingham Symphony Hall.

La primer parte del show al igual que el anterior material en vivo “The Total Experience Live In Liverpool” (2016 ) esta basada en material de su etapa solista, en esta oportunidad nos regala algunos clásicos como “Every Day” (“Spectral Morning”) , “The Steeps” (“Defector”) y la infaltable “Shadow Of The Hierophant” (“Vogaye Of  The Acolyte”), representando la etapa inicial de la carrera de Hackett.

Por otro lado hace hincapié en su (hasta ahora) último registro incluyendo algunas canciones como “El Niño”, “In The Skeleton Gallery” y “Behind The Smoke”. Las sorpresas del repertorio solista pasan por “Serpentine Song” de “To Watch The Storms” (2003)  y “Rise Again” de “Darktown” (1999).

Para este tramo del show a la banda estable formada por Roger King en teclados,  Gary O’Toole en bateria, Rob Townsend en saxo, percusión, teclados y Nick Beggs en bajo los acompaño Amanda Lehmann en guitarras y voces y hace una pequeña participación John Hackett con su flauta.

En la segunda parte del concierto se hace presente Nad Sylvan y toma el micrófono para empezar a recrear el material Genesiano. Con “Eleventh Earl Of Mar” comienza la celebración del mágico “Wind & Wuthering”. Le siguen “One For The Vine” (dejando en claro que Sylvan se siente más cómodo con las canciones de Gabriel que con las de Collins), luego de una pequeña improvisación acústica arremeten con “Blood On The Rooftops”, “In That Quiet Earth” y una estupenda versión de “Afterglow”.

El resto del show sigue con los clásicos de siempre como “Dance Of A Volcano”, “Firth Of Fifth”, “The Musical Box” y el cierre con “Los Endos”, que ya están entre las canciones que no pueden faltar, pero la sorpresa del show dentro del material Genesiano es la inclusión de “Inside And Out”, una canción que fue parte del EP “Spot The Pigeon” (1977), la única canción compuesta por Banks/Collins/Hackett/Rutherford y lo último de Steve Hackett con Genesis.

El material visual es como siempre muy correcto, la banda arriba del escenario sin demasiada pompa, nada de telón, ni pantallas, solo las luces acompañan la velada. Pero lo que realmente importa es la música y eso no falla.

Estupendo material para ir esperando la visita de Mr. Hackett en Marzo.

– PUNTAJE: 8 / 10 – 

Reseña: Diego Gonzalez